УЧАСТИЕ В ВОЙНЕ 16 страница

В портретах Эйкинса счастливо сочетается повышенная степень ху­дожественного обобщения, предельная концентрация чувств и дар ко­лористического видения. Достойно выражена художником личность зна­менитого американского поэта У. Уитмена. «Портрет Уолта Уитмена» (1887, Пенсильванская академия художеств, Филадельфия) выдержан в оттенках темно-зеленой гаммы. На гладком фоне выделяется убеленная сединами голова поэта, четко обрисованная кистью фигура написана в широкой, свободной манере. Путь от материального к духовному выра­жен в портрете в явном стремлении художника изучить и передать не внешнее сходство модели, а воплотить всю сложность ее внутреннего мира. Процесс изучения человека вглубь составляет основное содержание замысла и цель исканий.

Особой силы образного звучания достигают поздние портреты Эйкин­са, например «Портрет кардинала Мартинелли» (1902, Католический университет Америки, Вашингтон). Как обычно в своих картинах, где модель расположена будто бы в глубине картины, вдали от зрителя,

ТОМАС ЭЙКИНС. ПОРТРЕТ ЖЕНЫ ХУДОЖНИКА. 1885

художник мастерски создает ощущение созерцательного уединения.

Стремясь к созданию обобщенных типов-характеров, художник назы­вает свои работы «Мыслитель», «Виолончелист», «Актриса». «Мысли­тель» (1900, Метрополитен музей, Нью-Йорк)—портрет, созданный на скрещивании рационального и эмоционального. На нейтральном фоне изображена мужская фигура в рост, очертания которой мягки и рас­плывчаты. Состояние углубленного погружения в себя и воплощение этого момента в живописи — так можно охарактеризовать этот портрет, представляющий и для творчества Эйкинса, и для американской портрет­ной живописи редкое явление.

В женских портретах Эйкинса психологизм в раскрытии образов сли­вается с созданием своеобразного портрета в портрете. Один — отчетли-

IV. НАУКА И КУЛЬТУРА

во видимый зрителем, а другой — мир в себе, как бы скрытый от посто­роннего взгляда. И полное отсутствие художественной идеализации и лести (многие просто боялись позировать Эйкинсу). В этом ряду портрет «Мед Кук» (1894, частное собрание, Нью-Йорк), глубоко трагичный портрет «М-с Эдиг Мэхон» (1904, Смитсоновский институт, Вашингтон) и психологически тонкий портрет «Леди с собакой» (1885, Метрополитен музей, Нью-Йорк). Подлинной колористической свободы, динамичной манеры письма, неожиданности цветовых и тоновых отношений достига­ет Эйкинс в одном из своих последних портретов — «Актриса» (1903, Художественный музей, Филадельфия).

В истории американского искусства второй половины XIX в. твор­чество Т. Эйкинса, так же как в начале столетия искусство Г. Стюар­та, не только было высшим достижением национального искусства, но и по своим масштабам выходило на уровень мировой культуры. Портреты, написанные Эйкинсом, могут быть поставлены в один ряд с портретами Э. Мане, Дж. Уистлера, В. А. Серова.

В искусстве второй половины XIX в. творчество Алберта Пинкема Райдера (1847—1917) стоит особняком. Его живопись — это плод на­пряженной внутренней жизни, а ее истоки следует искать в американ­ской романтической литературе (По, Мелвилл, Диккинсон). В живописи предшественником Райдера был Вашингтон Олстон. К последней трети XIX в. старая величественная романтическая традиция изменила направ­ление и дала путь более личному, интимному романтизму. Романтиче­ское воображение проявилось в живописи Райдера с большей интенсив­ностью, чем у кого-либо из его предшественников.

А. П. Райдер родился в Нью-Бедфорде (штат Массачусетс) — боль­шом порту. С ранних лет жизнь Райдера была связана с морем, и еще ребенком он стал рисовать море. Райдер окончил местную школу — воспаление глаз помешало ему учиться дальше. Он начал писать сам, без постоянного учителя, ему помогали овладевать ремеслом местные художники-любители. Впоследствии Райдер скажет: «Натура — учитель, который никогда не обманывает. Надо служить натуре так же верно, как я служу искусству».

Райдер никогда не датировал своих произведений, часто не подпи­сывал их, а над многими из них работал годами. Его картины 70-х го­дов — это в большинстве пейзажи, порой с изображением людей, с раз­личными животными; по стилю они более натуралистичны, чем его поздние картины. Заход солнца, луна, редкие часы полного освещения были его излюбленными мотивами. Несомненное влияние на творчество Райдера оказали Блэйк и его последователи.

Глубоко впитывая натуру, Райдер писал обычно по памяти. Сильной стороной его творчества являются пейзажи — мрачные по настроению, глубокие и сильные по живописи. Райдер писал небеса с тяжелыми об­лаками, волнующееся море, и все это окрашивалось таинственным, загадочным настроением, трудно передаваемым словами, созвучным лишь музыке («Мертвая птица», галерея Филипс, Вашингтон). Многие полот­на написаны художником на библейские и мифологические сюжеты, со­ответствующие его мировосприятию («Зигфрид и сирены», Национальная галерея искусств, Вашингтон; «Пасторальная сцена», Смитсоновский институт, Вашингтон). Райдер часто путешествовал и отнюдь не был затворником, как его любят изображать американские искусствоведы.

ЛИТЕРАТУРА И ИСКУССТВО 497

B 1877 г. он провел месяц в Лондоне, летом 1882 г. объездил всю Англию, а позже - Францию, Нидерланды, Италию, Испанию. В 1887

и 1896 гг. снова пересёк Атлантику.

Творчество Райдера оставило заметный след в истории американско­го искусства, но признание пришло после смерти (Райдер умер в ни-щете) На первой же крупной международной выставке в Нью-Йорке в 1913 г. "Apмоpи шоу" было представлено шесть картин Раидера.

УИЛЬЯМ ХАРНЕТТ. ПИСЬМЕННЫЙ СТОЛ. НАТЮРМОРТ. 1877

Хомер, Эйкинс, Райдер — самые крупные явления в американском изобразительном искусстве второй половины XIX в. К своеобразным явлениям в живописи США этого периода относится натюрморт. В 80-е годы сильный импульс к его развитию дали У. М. Харнетт и

Дж. Ф. Пито.

Уильям Майкл Харнетт (1848—1892) жил в Филадельфии и Нью-Йорке, учился сначала в Пенсильванской академии, а затем в Нацио­нальной академии рисунка. Работал гравером. В Филадельфии, где уважались традиции Рембрандта, Пила, Харнетт впервые начал писать натюрморты. Излюбленным мотивом художника стало изображение ста­рых музыкальных инструментов, лучшей его картиной является «Ста­рые модели» (1892, Музей изящных искусств, Бостон). Харнетт прекрас­но владел искусством композиции, а его живописный стиль был под стать старым голландским мастерам.

Джон Фредерик Пито (1854—1907) был тесно связан с Филадельфи­ей. В 1878 г. учился в Пенсильванской академии, затем работал само­стоятельно. Пито во многом шел по стопам Харнетта, являясь одновре­менно его почитателем и соперником. Многие натюрморты Пито припи-

IV. НАУКА И КУЛЬТУРА

ЛИТЕРАТУРА И ИСКУССТВО

сывались ранее Харнетту. В своих произведениях Пито предстает тонким
и одаренным живописцем («Натюрморт с лампами», Бруклинский му­
зей, Нью-Йорк).

В это же время вне США громкой славы достигают художники — американцы по происхождению - Дж. Уистлер, М. Кэссетт, Дж. С. Сар-джент, имена которых вписаны в историю европейского искусства, но их творчество порой необъяснимым образом связано с традициями амери­канской культуры.

Имя Джеймса Уистлера (1834-1903) принадлежит в равной степе­ни Франции, Англии и США. И не только потому, что в разные годы он жил в Париже, Лондоне, а родился в штате Массачусетс Уистлер был одним из самых ярких художников 70-90-х годов XIX в в бле­стящем созвездии европейских мастеров живописи. Одинокая и стран­ная фигура, он создал настроение и звучание в живописи последней четверти века.

Двадцатидвухлетний юноша приехал в Париж в ноябре 1855 г и поступил в Академию Глэера. Он оказывается в одной мастерской с еще неизвестными тогда живописцами Мане, Дега, Фантен-Латуром Уистлер прошел через множество увлечений и весьма разных - от Bеласкеса и Курбе до японской гравюры. Но с первых же полотен предстал самостоятельным мастером.

В 1862 г. Уистлер создает картину «Белая девушка» (Национальная галерея искусств, Вашингтон), задуманную им как «Симфония в белом» Pешение живописных задач полотна было совершенно новым - отказ от привычного гладкого письма, манера суммарно обозначать детали, создавать формы не при помощи линий, но противопоставлением цве­тов (моделировать объемы, вместо того чтобы очерчивать их). Картине Уистлера было предоставлено «место почета» перед входом в «Салон отверженных» в 1863 г. Эмиль Золя, посетивший выставку вместе со своим другом Сезанном, впоследствии рассказывал, что у картины люди подталкивали друг друга и хохотали чуть не до истерики, перед ней всегда стояла толпа ухмыляющихся зрителей. Так были восприняты современниками почти все произведения Уистлера.

Уистлер неоднократно бывал в Англии. В Лондоне им написаны про­низанные музыкой удивительные пейзажи: «Ноктюрн - синее с сереб­ром. Огни Кремерна», «Ноктюрн - черное с золотом. Огненное колесо» Уистлер виртуозно передавал жизнь природы, полную трепета и движе­ния. В 80-е годы он создал блестящую серию рисунков в Венеции Но главной в его творчестве была портретная живопись, в которой талант Уистлера - чуткого интерпретатора души человеческой и редкого коло­риста, спосооного цветом дать психологическую характеристику,- рас­крылся в полной мере. Два из созданных им портретов - «Портрет ма­тери» (1871, Лувр, Париж) и «Томас Карлейль» (1872, Художественная галерея, глазго) тесным и неожиданным образом связаны с традициями американской живописи XVIII в.: пуританская строгая ограниченность композиционного решения, некоторая отстраненность образа от зрителя, не смешанная палитра, ограниченная двумя-тремя цветами.

Портрет Карлейля, названный Уиcтлером «Гармония в сером и чер­ном», изображает Карлейля в профиль, сидящим у гладкой стены, так что на ее сером фоне четким силуэтом выделяется его фигура. Бога­тейшие оттенки двух цветов передают состояние глубокой, внутренней

ДЖЕЙМС УИСТЛЕР. ГАРМОНИЯ В СЕРОМ И ЧЕРНОМ. 1872

(ПОРТРЕТ ТОМАСА КАРЛЕЙЛА)

сосредоточенности уже немолодого ученого и в сочетании с четкими, почти геометрическими стенами и острой выразительностью контура выражают благородство и аристократизм, изысканность натуры.

По этому же принципу построен и портрет матери, о котором пре­красно сказал Бенуа: «Все, что мы будем говорить за или против него, останется не более как плеском воды у подножия скалы. Воплощенная в традиции расы, она признается классической, а о классической вещи можно говорить как о жизни с точки зрения личного чувства» .

Судьба Уистлера была трудной, признание пришло лишь в конце 90-х годов в Лондоне, когда он был избран президентом международного общества скульпторов, художников, граверов.

41 Бенуа А. Выставка Уистлера.— Мир искусства, 1905, № 8, с. 49.

IV. НАУКА И КУЛЬТУРА

ЛИТЕРАТУРА И ИСКУССТВО

С историей французского импрессионизма неразрывно связано имя Мэри Кэссетт (1844—1926), художницы, родившейся в США. В 1851 г. семья художницы переехала в Европу, поселилась в Париже. В 1855 г. они вернулись в Америку. В 1861—1865 гг. Кэссетт за­нимается в Пенсильванской академии художеств. В 1866 г. едет во Францию и здесь занимается в студии Чарлза Чаплина. В 1868 г. впервые выставляется во французском Салоне, в 1870 г. возвращается в Филадельфию, но только на один год, затем путешествует по Италии, в Парме изучает живопись Корреджо. Здесь же занимается гравюрой в студии Карло Раймонди. В 1873 г. едет в Мадрид, Севилью, где знако­мится с испанской, фламандской и голландской живописью. В этот же год выставляется в Салоне «Торреро и молодая девушка». Когда в ателье Надара на бульваре Капуцинок открылась первая выставка «от­верженных» художников, в будущем названных импрессионистами, рядом с «Ложей» Ренуара и «Впечатление. Восход солнца» К. Моне висела картина М. Кэссетт «Портрет мадам Кортье», одобренная Дега. (Известно высказывание Дега: «Я никогда не думал, что женщина может так рисовать».)

С тех пор Кэссетт — постоянная участница почти всех выставок импрессионистов вплоть до 1886 г. В 1891 г. в Париже в галерее Дю-ран-Рюэля — первая персональная выставка Кэссетт (10 гравюр, две картины маслом и две пастели); в 1893 г.— выставка у Дюран-Рюэля, включавшая уже 98 работ; в 1896 г. в галерее Дюран-Рюэля в Нью-Йорке работы Кэссетт впервые были показаны в Америке; в 1914 г. большая выставка Кэссетт была организована у Дюран-Рюэля в Париже и у нее на родине. Кэссетт была награждена Золотой медалью Пенсиль­ванской академии. Художница умерла в 1926 г. во Франции (не рабо­тала с 1914 г. из-за слепоты).

Эволюция творчества Кэссетт легко прослеживается. В ранних про­изведениях сильно проступает влияние старых мастеров — «Торреро и молодая девушка» (1873, Художественный институт, Чикаго). Влияние импрессионизма, легкость и воздушность живописи наблюдаются в кар­тине «Читающая женщина» (1878, городской музей, Лос-Анджелес). Стиль твердо очерченного рисунка отличает картины «Мать, моющая спящего ребенка» (1880, городской музей, Лос-Анджелес), «Чашка чая» (1880, Музей изящных искусств, Бостон), «В опере» (1880, Му­зей изящных искусств, Бостон). Зрелым, реалистическим мастером предстает Кэссетт в произведениях «Мать и дитя» (1890, Художествен­ный музей, Канзас-Сити), «Купание» (1891, Художественный институт, Чикаго).

В творчестве Кэссетт удивительным образом сочетались традиции европейского, восточного и американского изобразительного искусства. В ее женских портретах есть осязаемость образов, их прямая и «зем­ная» характеристика, твердый, графический рисунок — черты, характер­ные для американского портрета XVIII в.

Художником, пользующимся огромной популярностью в Европе и в США, был Джон Сингер Сарджент (1856—1925). Американец по про­исхождению, он родился в Италии. Юношей учился у салонного фран­цузского живописца Каролюса Дюрана. С 20 лет начал писать заказные портреты. Сарджент много путешествовал, изучая европейское искусство старых мастеров, жил в Париже, затем в Лондоне. Одна из его ранних

ДЖОН СИНГЕР САРДЖЕНТ. ГОСПОЖА ДАЙЕР. 1880

работ — портрет Каролюса Дюрана, написанный в Париже и выстав­ленный в Салоне в 1879 г.,—получила признание в аристократических кругах. В 1881 г. за портрет «Доктор Поцци у себя дома» художник получил вторую премию и медаль Салона. В этом портрете, так же как и в картине «Дочери Эдварда Дарли Буа» (1882, Музей изящных искусств, Бостон), чувствуется сильное увлечение Веласкесом. В ряде портретов прослеживается влияние Хальса. Из современников Сарджент был близок в отдельных, лучших своих произведениях к Э. Мане и Т. Эйкинсу.

Обычно Сарджент писал портреты в полный рост на гладком фоне или в интерьере, свободно моделируя объемы, выделяя светом лицо портретируемого, создавая какую-то определенную атмосферу, соответ­ствующую характеру изображенного. Далеко не все портреты отличают­ся подлинной глубиной раскрытия образа (Сарджент написал довольно