Студопедия

КАТЕГОРИИ:

АвтомобилиАстрономияБиологияГеографияДом и садДругие языкиДругоеИнформатикаИсторияКультураЛитератураЛогикаМатематикаМедицинаМеталлургияМеханикаОбразованиеОхрана трудаПедагогикаПолитикаПравоПсихологияРелигияРиторикаСоциологияСпортСтроительствоТехнологияТуризмФизикаФилософияФинансыХимияЧерчениеЭкологияЭкономикаЭлектроника



Бубновый валет». Эстетическая программа. Представители.




Читайте также:
  1. Голубая роза». Эстетическая программа. Представители.
  2. Историческая ситуация и своеобразие английской литературы 17 в. Темы. Сюжеты. Представители. Пуритане и театр.
  3. Культура работника железнодорожного транспорта: нравственная и эстетическая культура, культура взаимоотношений на производстве в быту.
  4. Лекция 8. Роль цвета в объектах дизайна. Эстетическая выразительность, художественная образность и композиционная целостность произведений дизайна.
  5. Мир искусства». Эстетическая программа. Представители.
  6. Модерн в европейском ис-ве. Общая хар-ка. Эстетическая программа, творческие приемы.Представители.
  7. Прециозность как специфическое французское явление 17в. Характеристика эстетики, основных жанров, представители. Вуатюр. Дюрфе. Скюдери
  8. Русский сентиментализм и его представители.
  9. Философия Возрождения, ее характерные черты и представители.

«Бубновый валет» — первоначально такое название получила выставка художников (декабрь 1910 — январь 1911), впоследствии вошедших в одноимённоетворческое объединение, с 1911 — Общество художников «Бубновый валет». На первых порах объединение включало преимущественно московских живописцев — впоследствии в него входили петербургские художники и представители других городов, в выставках участвовали многие художники из Западной Европы (французы инемцы). Существовало до декабря 1917 года.

Название: до 1917 года «бубновыми валетами» называли каторжников,

старинный французский карточный жаргон, в соответствии с которым вальтовый (фр. valet — слуга, лакей) номинал в сочетании с бубновой мастью (фр. Carreau — квадратики) считался и звался — «мошенником», «плутом».

Опирались на стилистику лубка, народного примитива, вывесок. Художники «Бубнового валета» отрицали традиции как академизма, так и реализма XIX века. Для их творчества характерны живописно-пластические решения в стилеП. Сезанна (постимпрессионизм), фовизма и кубизма.

Манера грубая, пастозно наложены краски, нарушение пропорций и перспективы, ассиметричные композиции, огрубленные формы, краски только масляные и локальные.

Состав :

Кончаловский

Машков

Осьмеркин

Куприн

Ларионов

Гончарова

Рождественский и др

Ларионов муж Гончаровой. Изображает солдат и солдат на отдыхе, пишет так , будто не обучен из. Искусству, изображает примитивное существование человека.

«Солдат на отдыхе»

«автопортрет » Ларионов, работа будто вырезана из дерева, как будто это работа ремесленника

Гончарова

«Беление холста» упрощенная композиция , маскообразные лица, тяжелая живопись.

«Испанка »Полу абстрактная картина, отсутствует прямая перспектива, цвета условные. Много посвящено изображению крестьян . Бубновый валет часто писали детей , душевно больных . Много изображали обнаженных тел , но рисовали это как варвары или дикари.

Кончаловский и Машков парный портрет. Путешествовали по Италии , и написали во время поездки этот портрет. Изображали то , чем они увлекались , создавали энергию себя и того , что они создали , грубо , прямолинейно . Изобразили ноты, гири, муз инструменты и живопись . Сами атлетичной формы



 

Машков – в основном писал натюрморты грубее чем у Сезанна

В 1912 году откололся ряд художников, тяготевших к примитивизму, кубофутуризму и абстракционизму (братья Владимир и Давид Бурлюки, Наталья Гончарова,Михаил Ларионов, Казимир Малевич и др), организовавших выставку под названием Ослиный хвост.

Объединение распалось в 1917 году, вскоре после того, как в 1916 году «Бубновый валет» покинули Пётр Кончаловский и Илья Машков.

По инициативе бывших членов «Бубнового валета» в 1925 году было образовано объединение «Московские живописцы», в дальнейшем преобразованное в«Общество московских художников» (ОМХ).

32) Модерн в русском искусстве.
три основных этапа: ранний - 80-е годы, зрелый -90-е годы и поздний - начало XX столетия. В России, предыстория модерна совпала с начальным этапом его истории. до модерна в 80-е годы в живописи господствовал критический реализм, формировался ранний импрессионизм, модерн в России формировался в русле национальных концепций, для художников формировавшегося модерна важнее национальная традиция.
Новый гуманизм, В его основе - с осознанием достоинства личности прежде всего сочувствие народу из-за его крепостного состояния. Его свобода и образование - путеводная звезда русской интеллигенции со времен восстания декабристов. Развитие общественной жизни, которая всячески подавлялась феодально-церковной реакцией, все более обретает характер освободительного движения, во что вовлекается, кроме крестьянства, к концу XIX века и рабочий класс, который в странах Европы уже породил широкое социал-демократическое движение.
Модерн в России не только эстетика особняков нуворишей и доходных домов, здесь деньги делали деньги в русле капиталистического развития; модерн - и эстетика театра, с революцией в театре (МХТ), с театром (Комиссаржевская) и драматургией (Чехов, Горький, Андреев), что стало рупором освободительных идей.
Громадное большинство художников открыто выступило на стороне народа, даже из круга мирискусников, не говоря о Валентине Серове, который видел в окна Академии художеств атаку кавалерии и стрельбу солдат по толпе рабочих с семьями. Графика 10-х годов свидетельствует наглядно о зарождении демократического искусства в России с эстетическими и моральными параметрами, каковые вскоре станут восприниматься как советские.
«Мир искусства», порывая с передвижничеством, представляют модерн в его самый поэтический период.
«Бубновый валет» отвергли стилизм «Мира искусства», всякую мистику в настроениях и символизм «Голубой розы». Ставилась задача преодоления импрессионизма во всех его модификациях и возвращения живописи к предмету, как в народном творчестве. художники «Бубнового валета» «искали вдохновения в фольклоре, в лубке, в пряниках архангельского изделия…
«Союз русских художников»
«Голубая роза»
Представители: Серов, Левитан, Серебрякова (крестьянская темой и женской и детской чистоты и красоты), Врубель, К.Ф.Юон
в архитектуре - Шехтель (строил частные особняки, Ярославский вокзал)
Мы помним, творчество Михаила Врубеля отвергалось его современниками как декаденство, что вообще распространялось на молодых художников, включая даже Валентина Серова. стиль Врубеля, который составлял органическую часть русского варианта стиля модерн.



Врубель не увлекался пленэром, как Васнецов, ему так же был далек реализм передвижников, которые, по его мнению, пренебрегали формальными задачами. Вместе с тем у Врубеля заметны академические черты — в априорности красоты, Но Врубель последовательно преодолевает академизм. Орнаментальность становится отличительным качеством графики и живописи Врубеля.
* «Девочка на фоне персидского ковра» - одновременно выдвигает орнаментальный принцип как принцип композиции картины в целом. Эскизы орнаментов, выполненные Врубелем, были реализованы в орнаментальных панно, располагающихся вдоль кораблей сводов Владимирского собора. Художник выполнил орнаменты уже в новом стиле, избрав в качестве исходных форм изображения павлинов, цветы лилии и плетенку из растительных форм. «Модели», взятые из животного и растительного мира, стилизованы, схематизированы, одно изображение как бы вплетено в другое. Врубель пользуется гнутыми линиями.




33) Характеристика русского отечественного и зарубежного искусства 19-нач 20 в. Стили и направления. Хронология.
Русское искусство рубежа XIX-XX века. Жанровая живопись 1890-1900 гг. Полемика между отдельными художественными группировками, возросшая активность художественной жизни – приметы рубежа веков. Задача приближения искусства к жизни, внесения искусства в жизнь преобразования красотой окружающего мира. Стиль модерн. Изменения в живописи. Роль бытового жанра в русском искусстве рубежа XIX-XX века.Лирический пейзаж в творчестве И.И.Левитана (1860-1900). Творчество М.Врубеля и В.Серова.
Художники «Мира искусства» (1898-1924). Стиль модерн.

Русская тема в искусстве конца 19-начала 20 веков. (М. Нестеров, А. Рябушкин, Б.Кустодиев).

Объединения и направления в русском искусстве начала XX века. Русский авангард начала XX века. Объединения «Голубая роза» (1907), «Бубновый валет» (1910), «Ослиный хвост» (1912).

К.Малевич (1878-1935) и супрематизм. Творческая программа В.Кандинского (1866-1944) и «Синий всадник».

П.Н.Филонов (1883-1941), – основоположник аналитического искусства. Группа МАИ. Русское искусство 1920-1930-х гг. Соцреализм.


34) Направления модернизма. Хронология. Представители.
(от фр. Moderne – новейший, современный) – художественно-эстетическая система или совокупность течений искусства, сложившаяся в 1920-х гг., ищущая нетрадиционные способы художественного освоения действительности.
Датой зарождения модернизма 1863 год — год открытия в Париже «Салона отверженных.» главной целью -оригинальных произведений, основанных на внутренней свободе и особом видении мира автором и несущих новые выразительные средства, нередко сопровождающиеся вызовом устоявшимся канонам.

В узком смысле модернизм рассматривается как ранняя ступень авангардизма, начало пересмотра классических традиций. Декаденство и авангардизм считаются его ранними стадиями. В русской эстетике «модерн» означает исторически предшествовавший модернизму художественный стиль конца XIX — начала XX века (русский модерн, ар нуво, югендстиль, сецессион и др.), поэтому необходимо различать эти два понятия, с тем, чтобы избежать путаницы.

Модернистские течения в искусстве:

· Абстрактное искусство

· Абстрактный экспрессионизм

· Авангард

· Акмеизм

· Дадаизм

· Кубизм

· Постимпрессионизм

· Сюрреализм

· Фовизм

· Футуризм

· Экспрессионизм

· Символизм

· Примитивизм

 

Представители:

· Художники

· Брак

· Вазарелли

· Вламинк

· Грис

· Дали

· Кандинский

· Кирхнер

· Лисицкий

· Малевич

· Матисс

· Миро

· Мондриан

· Мунк

· Нольде

· Пикассо

· Уорхол

 

35) Фовизм. Образно-пластический язык. Представители. Фовизм (от фр. Fauves – дикие) – название направления, которое было присвоено творческой группе молодых парижских художников А. Матиссу, А. Дерену, М. Вламинку, А. Марке, Р. Дюфи, К. ван Донгену, совместно участвующим в выставках 1905-1907 гг. Четкой программы у группы не было. Художников объединяло стремление к созданию образов с помощью яркого, открытого цвета. Природа – повод для создания экспрессивных композиций. Работы этих художников отличало отсутствие светотеневой моделировки, стремление к гармонизации цветовых пятен. У фовистов оставался один шаг до абстракционизма.

Анри Матисс (1869-1954), член парижской группы художников, называвшей себя «фовистами», отказался от модулирования цветов, чтобы снова создать впечатляющие, простые и ясные цветовые поверхности, расположенные в субъективно-прочувствованном равновесии по отношению одна к другой. Вместе с Браком, Дереном, Вламинком он принадлежал к парижской группе «Диких». В результате многолетней интенсивной работы, Матисс постепенно отходит от свето-теневой модуляции. Его девизом стало: «Чем боле плоско, тем художественнее». Он постепенно переходит к плоскостно-декоративной манере живописи, превращая картину в декоративный узор.


36) А. Матисс
Матисс был сыном потомственных ремесленников. Его мать в свободное время расписывала тарелки. Анри Матисс получает юридическое образование и становится клерком. Во время болезни он читает руководство для начинающих в живописи. Отец отправляет его с рекомендательными письмами учиться в мастерскую художника Бугро (1891), но он ищет что-то иное. Матисс поступает в Школу изящных искусств в мастерскую Гюстава Моро. Моро уважает дарование другого. В его мастерской царит атмосфера творчества и эксперимента. Матисс обращается к опыту импрессионистов в 1897 г.(натюрморт «Голубой горшок и лимон»). Матисс расписывал километры лавровых листьев, был сторожем в театре. Он заплатил огромные деньги за «Купальщиц» Сезанна. Картина вдохновляла его на создание едевров. В 1905 г. Матисс отправляется на Средиземное море. Его «Вид Коллидра» – полет освобожденного человека. Плотина рухнула, и лавина самых ярких чистых красок обрушилась на мир. Немыслимые, сумасшедшие, запрещенные всеми художественными Академиями мира цвета нашли свое место на полотнах мастера. В 1905 г. состоялась выставка, в которой участвовали Матисс, Дерен, Вламинк, Руо и другие художники. Матисс показал на ней картину «Открытое окно». Критик Луи Воксель назвал живопись дикой, а их авторов дикими или фовистами. В Матиссе не было ничего эпотажного, что свойственно и русским авангардистам. Он с молодости любил элегантно одеваться, обожал стильные вещи. Он не ставил перед собой цель поразить и озадачить. Его находки и открытия – результат честного труда. С 1907 г. начинается сотрудничество Матисса с известным русским собирателем живописи Сергеем Ивановичем Щукиным., который обеспечил мастеру нормальную без срывов работу до 1912 г. Для стиля Матисса характерна предельная упрощенность формы, композиционная ясность и уравновешенность, отсутствие светотеневой моделировки, плоские пятна чистого цвета и мажорность («Танец», «Музыка», «Натюрморт с ковром», «Красная комната»).


37) Кубизм. Образно-пластический язык. Представители.
Изобретателем кубизма считают Пикассо с его картиной «Авеньонские девушки» (1907), но это, скорее всего, выражение поиска многих художников. Теоретиками кубизма являются живописцы Ж. Метценже и А. Глез. Кубисты пробовали осознать внутреннее строение предметов, они пытались расширить пределы оптического видения. К трем измерениям пространства Возрождения кубисты добавили 4-е – время. В 1911 г. они выставили свои произведения в «Салоне отверженных». Кубисты – Пабло Пикоссо, Жорж Брак, Жуан Грис, М. Дюшан – использовали цвет для своих сочетаний света и тени. Они прежде всего интересовались формой, преобразуя предметы. Они добивались впечатления выпуклости с помощью тональных градаций. Прежде всего, они свели многообразие форм к элементам прямоугольника, треугольника и круга. Полихромное богатство Сезанна, охватившее весь спектр, они свели в основном к черному, белому, серому, охре, коричневому и синему цвету. Контраст света и тени ими был использован во всех возможностях его многотональности. Картины стали уподобляться рельефу, а их содержание свелось к нескольким предметам домашнего обихода. Музыкальные инструменты, благодаря своей утонченности и функциональной красоте форм, вдохновляли живописцев и становились объектами натюрмортов. В качестве контраста к линейным формам и сплошным поверхностям использовались куски ткани, имитации кусков дерева и деревянных решеток. Позже к окрашенным геометрическим формам стали добавлять настоящие предметы, как то: фанера, стекло, листовые металлы, ткани, куски обоев и газет и отдельные типографские буквы. Формы предметов были отделены от их естественной, органической среды и согласованы с абстрактными геометрическими формами. Кубисты разрабатывали новые формы неглубокой многомерной перспективы, позволяющей представить объект в виде множества пересекающихся и просвечивающих плоскостей, сосредоточенных вдоль оси композиции. Объект изображался одновременно со многих точек зрения как комбинация геометрических форм. По мнению кубистов на картине был представлен не только внешний облик объекта, но и знание о нем. Конструктивное сходство и взаимосвязь всех предметов – на это обращают внимание кубисты. Первый этап развития кубизма связан с аналитическими композициями, второму этапу свойственны абстрактные натюрморты.

Пикассо пишет картины «Танец с покрывалами», «Женщина с веером», «Три женщины». В 1908 г. создалось объединение «Бато-Лавуар». В 1911 г. образовалась новая группа кубистов в мастерской Вийона, к которому присоединились Дюшан, Глез, Метценже, Ле Фоконье, Леже, Пикабия, Купка.

Наиболее последовательно кубизм проявлялся в творчестве Ж. Брака (1882-1963) («Арии Баха», «Португалец»).


38) П. Пикассо
«голубой период» -1903-1904
«розовый период» - 1904-1907
«неоклассицизм Пикассо»
* Портрет Гертруды Стайн.
* Герника

«Голубой» и «розовый» периоды

 

В 1900 году Пикассо уехал в Париж, где посетил Всемирную выставку. Именно там Пабло Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов.
Голубой период. Барселоне в 1903—1904 годах был назван «голубым». В работах этого времени ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903; Пикассо считал: «кто грустен, тот искренен»); движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента «Нищий старик с мальчиком», 1903; «Трагедия», 1903). В палитре голубые оттенки. Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Их бледные, отчасти удлинённые тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко.

 

*Произведение переходного периода — от «голубого» к «розовому» — «Девочка на шаре» (1905

розовый период
В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты — клоуны, танцовщики и акробаты; картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905).

Кубизм

От экспериментов с цветом и передачи настроения Пикассо обратился к анализу формы: сознательная деформация и деструкция натуры («Авиньонские девицы», 1907), односторонняя интерпретация системы Сезанна и увлечение африканской скульптурой приводят его к абсолютно новому жанру. Вместе с Жоржем Браком, которого встретил в 1907 году, Пикассо становится родоначальником кубизма — художественного направления, отвергавшего традиции натурализма и изобразительно-познавательную функцию искусства.

 

увеличивает и ломает объёмы рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, и хотя первоначальная цель кубизма состояла в том, чтобы более убедительно, чем с помощью традиционных приёмов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы: обои, куски газет, спичечные коробки. Начинают преобладать натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и т. п. — атрибутами, присущими образу жизни художественной богемы начала века. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передаёт в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914). В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. Собственно кубистический период в творчестве Пикассо заканчивается вскоре после начала Первой мировой войны


39) Экспрессионизм.(выражение)
-считалось невозможно через реализм заставить зрителя содрогнуться. Некоторе называют его – «новая вещественность». Это диссонанс цвета и форм, но – с узнаваемыми элементами. Считалось, что искусство уже ненужно, поэтому – цвета – минимальны, живопись сходит на нет.
Представители:
Объединения: «Голубой всадник» – образован Кирхнером и Хелькелем.
Состав: Шмидт Роттлер, Марк Франц, Макс Пехштейн. Джеймс Энсор, Эдвард Мунк.
одно из направлений авангардизма. Первое поколение экспрессионистов соотносится с деятельностью немецкой группы «Мост» (1905-1912 гг). Их сочная и многоцветная живопись сменяется плоскостной и графичной манерой письма. Группа «Мост» была организована в Дрездене студентами архитектурного факультета Высшего технического училища. Своим предшественником экспрессионисты считали бельгийца Джеймса Энсера с его масками и Эдварда Мунка, чьи картины называют «криками времени». С 1906 по 1912 гг. выставки «Моста» устраиваются то в Дрездене, то в Кельне. Для экспрессионизма характерна изломанность линий, контрастность цвета, деформированность пространства. В 1910 г. В. Кандинский и Ф. Марке организовали альманах под названием «Синий всадник», а в следующем году – выставку с этим же названием. Эта выставка положила начало второму объединению экспрессионистов (1911-1914 гг.). К этому объединению примкнули Макке, Кампендонг, Клее, Кубин, Кокошка. Экспрессионисты – Мунк, Кихнер, Геккель, Нольде и художники группы «Голубые всадники» - Кандинский, Марк, Маке, Клее – вновь пытались вернуть живописи ее психологическое и духовное содержание. Целью их творчества было представить внутренний духовный опыт с помощью форм и цвета, донести до зрителя внутреннее напряжение, которое испытывает автор. Творчество Поля Клее отличается необыкновенным размахом использования цветовых возможностей. Он составил суровые, веселые и мрачные мелодии цвета. В творчестве Дерена отразилось ощущение жестокости среды и сочувствие человеку.
Произошла выставка «Документа»
Абстракция –лирическая (Кандинский) и геометрическая (Малевич и Дестейл) Это время появления аэроплана, художник теперь может видеть мир сверху, с высот полёта:
*Шоссе и переулки
*Внутренний реквием
Пит Мондриан и его композиции.

 

40) Футуризм. общее название художественных авангардистских движений начала 20 века в поэзии и живописи, главным образом в Италии и России.
В 1908 г. математик Герман Минковский сформулировал изменение мировоззрения: «Отныне понятия «время» само по себе и «пространство» само по себе осуждены на забвение.
В изобразительном искусстве футуризм отталкивался от фовизма, заимствуя у него цветовые находки, и от кубизма, у которого перенял художественные формы, однако отвергал кубический анализ (разложение) как выражения сущности явления и стремился к непосредственному эмоциональному выражению динамики современного мира.

o
Джакоммо Балла

· Умберто Боччони

· Давид Бурлюк

· Юлиус Эвола

· Карло Карра

· Маяковский

Главные художественные принципы — скорость, движение, энергия, которые некоторые футуристы пытались передать достаточно простыми приёмами. Для их живописи характерны энергические композиции, где фигуры раздроблены на фрагменты и пересекаются острыми углами, где преобладают мелькающие формы, зигзаги, спирали, скошенные конусы, где движение передаётся путём наложения последовательных фаз на одно изображение — так называемый принцип симультанности.

В основе произведений футуристической живописи, скульптуры и архитектуры лежит выражение движения в двух формах: «проникновение во внутрь» и «одновременности»
*(скульптор Умберто Боччони «Бутылка, развернутая в пространстве»)

 

Футуризм – стиль в изобразительном искусстве и его особенности

ФутуризмДавайте в этот раз познакомимся с экзальтированным художественным стилем под названием футуризм. Я думаю у все на слуху сочетание «футуристическое будущее», «футуристический пейзаж». У меня эти фразы ассоциировались с техникой будущего, с какими то внеземными технологиями. Но на самом деле оказалось что это немного не так. Несомненно, футуристы преклонялись перед грядущей технической цивилизацией и ее ценностями. Но это не утопичный мир будущего – это мир настоящего с превнесенными в него новыми художественными средствами самовыражения и такими понятиями как энергетические поля, движение, техногенные звуки. Но, обо всем по порядку.

 

Футуристы были революционерами в искусстве. Некоторые из них считали себя сторонниками социальной революции, а свою роль в современном искусстве видели в том, чтобы обновлять его так же, как обновляют общественную жизнь истинные революционеры. В отличие от представителей других авангардистских течений, испытывавших ужас перед надвигающейся индустриальной эрой, футуристы принимали будущее с экзальтированным оптимизмом, абсолютизировали внешние признаки технической цивилизации в качестве новых ценностей, знаменующих модель грядущего мироустройства.Футуризм

 

Гоночный автомобиль, несущийся как шрапнель, представлялся им прекраснее любой античной статут. Автомобилю, поезду, электричеству, вокзалу футуристы посвящают свои поэмы и картины. В социально-политическом плане очищение мира от старой рухляди они видели в войнах и революциях. Война – единственная гигиена мира. Они с восторгом встретили Первую мировую войну, многие из них ушли воевать добровольцами и погибли.

Еще одной важой особенностью эстетики футуризма стало стремление ввести в изобразительное искусство звук чисто визуальными средствами. Шумы, ворвавшиеся в мир вместе с новой техникой, так очаровали футуристов, что они стремятся передать это их в своих работах. Первая выставка итальянских футуристов прошла в Париже в В России футуризм отчётливее всего выразился в литературе, например творчество Маяковского и некоторых других поэтов. В изобразительном искусстве русский футуризм не вылился в целостную художественную систему.

40. ФУТУРИЗМ . ОБРАЗНО-ПЛАСТИЧЕСКИЙ ЯЗЫК. ПРЕДСТАВИТЕЛИ. Футуризм – 1910-20г. художественно авангардческое движение в поэзии и живописи, главным образом в Италии и России. Футуристов интересовало не содержание, а форма. Они придумывали новые слова, использовали жаргон, язык плаката и афиш. задача: отказ от традиций, разрыв с идеологией и этическими взглядами предшественников. Футуристы принимали будущее с восторгом и оптимизмом, абсолютизировали внешние признаки технич.цивилизации в качестве новых ценностей. Упоенные новейшими достижениями техники, они стремились вырезать традиционную культуру ножом техницизма, урбанизма и новой науки. В изобразительном искусстве футуризм отталкивался от фовизма, заимствуя у него цветовые находки, и от кубизма, у которого перенял художественные формы. Главные художественные принципы — скорость, движение, энергия, которые некоторые футуристы пытались передать достаточно простыми приёмами. Для их живописи характерны энергические композиции, где фигуры раздроблены и пересекаются острыми углами Они стремятся активизировать зрителя, как бы поместить его в центр своих работ и их динамизм перенести в психику зрителя. Знакомство с достижениями физики и психологии приводит футуристов к стремлению изображать не сами предметы, а образующие их энергетические, магнитные, психические поля. стремление ввести в изобр.искусство звук. Первая выставка итальянских футуристов прошла в Париже в 1912 и затем проехала по худож.центрам Европы (Лондон, Берлин, Брюссель т т.д.) в Россию выставка не добралась, но русские сами подхватили идеи футуризма. В России футуризм после живописи особенно отразился в литературе ( Хлебников, потом Маяковский ), В изобразительном искусстве русский футуризм не вылился в целостную художественную систему. Этим термином скорее обозначались самые разные тенденции русского авангардизма – постсезаннизм, декоративный вариант кубизма, неопримитивизм, поиски, созвучные экспрессионизму, фовизму, дадаизму, опыты абстрактного формообразования. футуризм как художественно-эстетическое движение завершился с началом Первой мировой войны. Балла, Джакомо. ИТАЛИЯ. Балла - представитель первой волны футуристического искусства, на чьем творчестве учились У. Боччони и А. Северини. художник присоединяется к худ. группировке Маринетти, основателя футуризма. Он выступает соредактором «Манифеста художников-футуристов» переносит футуризм на другие области искусства: скульптуру и прикладное искусство - театральный дизайн и костюм. Боччони, Умберто. Итальянский художник, ученик Балла. соавтор «Технического манифеста футуристической живописи».Боччони увлечен идеей передачи движения в среде. В Париже Боччони сблизился с кубистами, это отразилось в творчестве. Особенно скульптуре. выступил автором «Манифеста футуристической скульптуры». Боччони был самой яркой и одаренной личностью в футур.движении. В 1915 г. ушел на Первую мировую войну и погиб. В России первыми футуристами стали художники братья Бурлюки. Давид Бурлюк — основатель в своём имении колонии футуристов «Гилея». Сплотил вокруг себя Маяковского, Хлебникова, Кручёных,Бенедикт Лившиц, Елена Гуро . В первом манифесте «Пощёчина общественному вкусу» призыв: «Бросить Пушкина, Достоевского, Толстого и проч. и проч. с парохода современности». Терентьев- художник. Каменский- поэт, один из первых русских авиаторов. кубофутуризм — направление, в котором в разное время работали такие художники, как Малевич, Бурлюк, Гончарова, Розанова,и др.
  41. АБСТРАКТНОЕ ИСКУССТВО.ОБРАЗНО-ПЛАСТИЧ. ЯЗЫК, ПРЕДСТАВИТЕЛИ. Направление нефигуративного искусства, отказавшегося от изображения реалистич.форм. Символ модернизма, абстрактное искусство, появилось в 1910-е годы, основав новую традицию, не связанную с изображением. Отказ от мимесиса, освободил искусство от необходимости подражать реальности и открыл возможности для эксперементов с формой и цветом, что осуществляли многочисленные представители авангарда. Рождение абстракции относится ко времени создания Кандинским - "Первой абстрактной акварели", датированной 1910 годом, возможно задним числом, поскольку настоящей датой появления абстракции следует считать выход его статьи "О духовном в искусстве" Последовательная трансформация реальности - что впервые стали делать импрессионисты и постимпрессионисты - закономерно привела к появлению абстрактного искусства. С самого начала абстрактное искусство развивалось в двух направлениях. Первое направление – геометрическая абстракция, для неё характерны правильные, четко очерченные конфигурации. В этом направлении работали русский художник Казимир Малевич, голландец Пит Мондриан, француз Робер Делоне. Второе направление – лирическая абстракция. Художники, работающие в этом направлении, предпочитали свободно текущую форму, наполненную мерцающими, пульсирующими цветами. Художники: В.Кандинский, К.Малевич,П.Мондриан,Д.Балла,П.Клее, Ф.Леже, А. Родченко.
  42. Творчество Василия Кандинского. Василий Кандинский происходил из семьи купцов, потомков сибирских каторжан. в гимназические годы начал заниматься музыкой и живописью. В 30 лет Кандинский бросил карьеру юриста и уехал из Москвы в Мюнхен учиться искусству. Столица Баварии считалась тогда одним из центров европейского искусства. Там Кандинский стал активным участником местной художественной сцены, организатором (совместно с Ф. Марком) объединения «Синий всадник» (1911) – главного оплота раннего немецкого экспрессионизма, и одним из пионеров абстрактного искусства. Художник так и проработал всю жизнь в Европе, за исключением периода с 1914 по 1921 год. После революции Кандинский не мог ужиться в России, его позвали преподавать в новой школе искусств «Баухауз», он согласился. Это помогло стать ему всемирно знаменитым художником российского происхождения. Значение творчества Кандинского выходит за рамки открытия абстрактной «манеры»: он, наряду с Малевичем, является создателем основ современного искусства. Его книга «О духовном в искусстве» (1911) – без преувеличения самая влиятельная художественная теория столетия. Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу». В искусстве авангарда художник приобретает неограниченную власть над зрителем, и Кандинский первым взял эту власть. Путь Кандинского к абстракции лежал через символизм и экспрессионизм: он был одним из немногих русских художников, кто пренебрег эффектным кубистическим приемом. С 1909 года Кандинский делит свои работы на «импрессии» (выражение впечатлений от природы), «импровизации» (выражение впечатлений он «внутренней природы») и «композиции» (пик сознательных творческих амбиций). Композиция, для Кандинского, синоним творчества. Ее наивысшим воплощением стала абстракция, хотя художник пришел к ней не сразу. Абстракция для Кандинского не была однажды принятым решением о строительстве нового мира, как чуть позднее для Малевича и его последователей. Картины Кандинского вплоть до 1920-х годов сохраняют намеки на изображения даже в самых радикальных работах. Кандинскому всегда хотелось «не глядеть на картину со стороны, а самому вращаться в картине, в ней жить». Того же «вращения» художник требует и от зрителя. Когда Фашисты закрыли Баухауз, он перебрался во вранцию. Занимался творчеством до самой смерти.
  43. ТВОРЧЕСТВО КАЗИМИРА МАЛЕВИЧА российский и советский художник-авангардист польского происхождения, педагог, теоретик искусства, философ. Основоположник супрематизма — одного из наиболее ранних проявлений абстрактного искусства новейшего времени. в первую очередь известный своей неоднозначной и вызывающей много дискуссий работой "Черный квадрат". В Советском Союзе на протяжении многих лет имя художника находилось под негласным запретом. Сам Малевич в течение своей жизни также немало способствовал тому, чтобы максимально запутать факты личной и творческой биографии. В 1910 году принял участие в первой выставке «Бубнового валета». Потом «Ослиный хвост» и прочие. Малевич оформил ряд изданий русских футуристов. Его живопись этих лет демонстрировала отечественный вариант футуризма, получивший название «кубофутуризм»: кубистическое изменение формы, призванное утвердить самоценность и самостоятельность живописи, соединилось с принципом динамизма, культивируемым футуризмом [«Точильщик (Принцип мелькания)» Работа над декорациями и костюмами к постановке в конце 1913 футуристич. оперы «Победа над Солнцем» была осмыслена Малевичем как становление супрематизма. В живописи в это время художник разрабатывал темы и сюжеты «заумного реализма», использовавшего алогизм, иррациональность образов как инструмент разрушения традиционного искусства; алогическая живопись, выражавшая заумную реальность, была построена на шокирующем монтаже разнородных пластических и образных элементов «Дама на остановке трамвая» «Авиатор» «Комп. с Моной Лизой», «Англичанин в Москве» Малевич написал первую брошюру «От кубизма к супрематизму». Новый живописный реализм. Это книжечка- манифест Малевич не совсем напрасно волновался по поводу своего изобретения. Сотоварищи его круто воспротивились тому, чтобы объявить супрематизм наследником футуризма и объединиться под его знаменем. Свое неприятие они объясняли тем, что еще не готовы безоговорочно принять новое направление. Черный квадрат словно вобрал в себя все формы и все краски мира, сведя их к пластической формуле, где доминируют полюсность черного (полное отсутствие цвета и света) и белого (одновременное присутствие всех цветов и света). Подчеркнуто простая геометрическая форма-знак, не увязанная ни ассоциативно, ни пластически, ни идейно ни с каким образом, предметом, понятием, уже существовавшими в мире до нее, свидетельствовала об абсолютной свободе ее создателя. Черный квадрат знаменовал чистый акт творения, осуществленный художником-демиургом. «Новым реализмом» называл Малевич свое искусство , которое считал ступенью в истории всемирного художественного творчества.
  44. Русский авангард. Кубофутуризм. Русский авангард представляет собой сложное, разнородное и противоречивое направление, развивавшееся в России с 1910 по 1932 гг. и включавшее в себя множество течений абстрактного, нефигуративного и беспредметного искусства. Он возник под влиянием французского кубизма и фовизма, итальянского футуризма и немецкого экспрессионизма, оказав затем в свою очередь огромное, во многом определяющее воздействие на все искусство западного модернизма и авангарда. Эволюция русского авангарда позволяет условно выделить в нем три периода. Первый приходится на 1910-1915 гг. и известен под именем кубофутуризма.Второй длится с конца 1915 г. по 1924 г. и означает расцвет, наивысший подъем авангарда. К кубофутуризму в эти годы добавляются супрематизму конструктивизму производственное искусство и другие течения. Третий период охватывает 1925-1932 гг., когда авангард распространяется на все виды искусства. однако в целом он постепенно сходит на нет и в 1932 г. в связи с роспуском всех независимых объединений прекращает свое существование. Становление русского авангарда происходит на фоне исключительно интенсивной артистической жизни — как внутренней, гак и внешней, — которую Россия вела с конца прошлого века. В эти годы устраиваются многочисленные выставки новейших течений зарубежного искусства. Многие русские художники совершают паломничество в Париж и другие западные центры. В Мюнхене возникает группа «Синий всадник» (1911), в которой активную роль играют русские художники (В. Кандинский, М. Ве- ревкина, А. Явленский). В самой России царит великое многообразие художественных движений. Основными центрами формирования русского авангарда были петербургский «Союз молодежи» (1909-1917) и московский «Бубновый валет» (1910-1916), куда входили многие будущие авангардисты: Н.И. Альтман, В.Д. и Д.Д. Бурлюки, К.С. Малевич, В.Е. Татлин, П.Н. Филонов, М.З. Шагал, А.А. Экстер. Первым собственно авангардистским объединением стала основанная в 1912 г. Д. Бурдюком «Гилея», куда вошли некоторые из вышеназванных, а также поэты В.В. Маяковский. В. Хлебников. А.Е. Крученых. В отличие от западного русский авангард смог объединить кубизм и футуризм в кубофутуризм, а внутри него — живописцев, поэтов и критиков, среди которых тон задавали поэты. Их общей идейно-эстетинеской основой было предчувствие скорых и неизбежных потрясений. результатом которых станет рождение нового мира и новою человечества. Отсюда — разрушение или причудливое смешение традиционных жанров и стилей, отрицание эстетического вкуса, стремление футуристов выделить поэтический язык в чистом виде, освобождая его от общепринятых смыслов и значений, от всего, что связывает его со старым миром, или же создать совершенно новый, «заумный» язык — с новыми словами, грамматикой и синтаксисом. Главными фигурами кубофутуризма в поэзии были В.В. Маяковский (1893-1930) и В. Хлебников (1885-1922). Первый обрушил свою «атаку» на традиционное классическое искусство, а также на современные ему течения модернизма — символизм и акмеизм. Его новый язык отличает яркая экспрессивность, он наполнен глубоким драматизмом, мощным энергетизмом и острым динамизмом, имеет оригинальное графическое построение благодаря использованию «столбика» и «лесенки» В. Хлебников стал одним из самых радикальных реформаторов поэтического языка. В равной мере у него проявилась неодолимая страсть к эксперименту. Он также был горячим поборником максимального сближения науки и поэзии, видя в этом путь создания «новой мифологии» и «сверхъязыка» будущего человека. В. Кандинский разрабатывает отличный от кубофутуризма вариант нефигуративной живописи, вдохновляясь экспрессионизмом и называя ее абстрактной. Свое понимание такой живописи он изложил в работе «О духовности в искусстве» М. Шагал также не порывает с традиционной живописью, соединяя ее с неопримитивизмом и экспрессионизмом, испытывая влияние кубизма, футуризма и сюрреализма. Его яркие, красочные, фантастические, граничащие с
  абсурдом картины — «Я и деревня», «Над городом» и др. — часто навеяны библейскими темами и сюжетами, поэтизируют повседневную жизнь. П. Филонов в своем «аналитическом искусстве» разрабатывает оригинальную теорию «органической формы». Испытывая влияние экспрессионизма и кубофутуризма и используя язык геометрических форм, он также не отказывается от фигуративности. Новизна его метода заключается в том, что составляющие его картины элементы и формы органически зависимы между собой

 


Дата добавления: 2014-12-30; просмотров: 219; Нарушение авторских прав







lektsii.com - Лекции.Ком - 2014-2021 год. (0.033 сек.) Все материалы представленные на сайте исключительно с целью ознакомления читателями и не преследуют коммерческих целей или нарушение авторских прав
Главная страница Случайная страница Контакты