Студопедия

КАТЕГОРИИ:

АвтомобилиАстрономияБиологияГеографияДом и садДругие языкиДругоеИнформатикаИсторияКультураЛитератураЛогикаМатематикаМедицинаМеталлургияМеханикаОбразованиеОхрана трудаПедагогикаПолитикаПравоПсихологияРелигияРиторикаСоциологияСпортСтроительствоТехнологияТуризмФизикаФилософияФинансыХимияЧерчениеЭкологияЭкономикаЭлектроника



В мае 1872 года В. Г. Перов специально ездил в Петербург, чтобы по заданию Третьякова написать портрет Ф.М. Достоевского.




Читайте также:
  1. D. 20.1.1). - Завещание есть правомерное выражение воли, сделанное торжественно для того, чтобы оно действовало после нашей смерти.
  2. I. Профессия, специальность и квалификация работника
  3. А) Если на систему оказано воздействие, то она будет действовать таким образом, чтобы уменьшить влияние этого воздействия
  4. Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой
  5. АКТУАЛЬНОСТЬ ПСИХИАТРИИ ДЛЯ ВРАЧЕЙ ОБЩЕЙ ПРАКТИКИ И ДРУГИХ СПЕЦИАЛЬНОСТЕЙ
  6. Альтернативные издержки любого блага определяются тем количеством других благ, которыми надо пожертвовать, чтобы получить дополнительную единицу данного блага.
  7. ВВЕДЕНИЕ В СПЕЦИАЛЬНОСТЬ
  8. ВВЕДЕНИЕ В СПЕЦИАЛЬНОСТЬ
  9. Весь наш облик показывает то, как мы хотим, чтобы о нас думали...

«Сеансы были немногочисленны и непродолжительны, но Перов был вдохновлен вставшей перед ним задачей. Известно, что Третьяков относился к Достоевскому с особенной любовью. Перову писатель во многом был близок. Художник создал портрет-картину. Она была настолько убедительна, что для будущих поколений образ Достоевского как бы слился с портретом Перова. Вместе с тем портрет остался историческим памятником определенной эпохи, переломной и трудной, когда мыслящий человек искал решения основных социальных вопросов.

Портрет исполнен в едином серовато-коричневом тоне. Достоевский сидит на стуле, повернувшись в три четверти, положив ногу на ногу и сжав колено кистями рук с переплетенными пальцами. Фигура мягко тонет в полумраке темного фона и тем самым отдалена от зрителя. С боков и в особенности над головой Достоевского оставлено значительное свободное пространство. Это еще более отодвигает его вглубь и замыкает в себе. Из темного фона пластично выступает бледное лицо. Достоевский одет в расстегнутый серый пиджак из добротной тяжелой материи. При помощи коричневых брюк в черную полоску оттеняются кисти рук. Перову в портрете Достоевского удалось изобразить человека, чувствующего себя наедине с самим собою. Он всецело погружен в свои мысли. Взгляд углублен в себя. Худое лицо с тонко прослеженными светотеневыми переходами позволяет ясно воспринять структуру головы. Темно-русые волосы не нарушают основной гаммы портрета.

В колористическом отношении интересно отметить то, что серый цвет пиджака воспринимается именно как цвет и вместе с тем передает фактуру материи. Его оттеняет пятно белой рубашки и черного в красную крапинку галстука.

Портрет Достоевского и современниками был достаточно оценен и считался лучшим из портретов Перова.

РЕПИН:

Репиным была создана огромная галерея портретов, охватывающая все слои русского общества, начиная с мужиков и кончая сановниками. Но главным в портретном искусстве Репина оставалась тема передвижнического портрета 70-х годов - «люди, дорогие нации».

Портреты Репина поражают прежде всего их несходством друг с другом, богатством и разнообразием характеристик. К числу лучших портретов Репина принадлежат «Портрет писателя А.Ф. Писемского» (1880) и «Портрет композитора М.П. Мусоргского» (1881).



Эти два портрета контрастны друг другу: один представляет человека желчного, саркастического, а другой - человека детски чистой и богатырски широкой души. Портреты противоположны друг другу и в своем колорите. Репин не только не считал цвет посторонним задаче психологической выразительности, но считал его могущественным средством ее решения.

Уже в «Протодиаконе» его жаркий колорит связан с внутренним содержанием образа. В еще большей степени «психологичность» репинского цвета можно почувствовать в светлой цветовой гамме портрета Мусоргского.

Картина Репина «Отдых» (1882) изображает жену художника В.А. Репину. Это один из наиболее поэтических образов репинского искусства, удивительный для его времени своей гармоничностью.

 

19.

На вторую половину XIX в. в России приходится творческий расцвет исторической живописи. Наиболее значительными художниками, оказавшими влияние на данное направление были И. Е. Репина, В. И. Сурикова, В. М. Васнецова, А.П. Рябушкина, входившие в состав «Товарищества передвижников».

Илья Ефимович Репин (1844—1930) родился в городе Чугуев, в семье военного поселенца. Ему удалось поступить в Академию художеств, где его учителем стал П. П. Чистяков, воспитавший целую плеяду знаменитых художников (В. И. Сурикова, В. М. Васнецова, М.А. Врубеля, В.А. Серова). Многому научился Репин также у Крамского. В 1870 г. молодой художник совершил путешествие по Волге. Многочисленные этюды, привезенные из путешествия, он использовал для картины “Бурлаки на Волге” (1872).
Репин был очень разносторонним художником. Его кисти принадлежит ряд монументальных жанровых полотен. Пожалуй, не меньшее впечатление, чем “Бурлаки”, производит “Крестный ход в Курской губернии”. Яркое голубое небо, пронизанные солнцем облака дорожной пыли, золотое сияние крестов и облачений, полиция, простой народ и калеки — все уместилось на этом полотне: величие, сила, немощь и боль России.
Во многих картинах Репина затрагивалась революционная тематика (“Отказ от исповеди”, “Не ждали”, “Арест пропагандиста”). Революционеры на его картинах держатся просто и естественно, чуждаясь театральных поз и жестов. На картине “Отказ от исповеди” приговоренный к смерти словно бы нарочно спрятал руки в рукава. Художник явно сочувствовал героям своих картин.
Ряд репинских полотен написан на исторические темы (“Иван Грозный и его сын Иван”, “Запорожцы, сочиняющие письмо турецкому султану” и др.). Репин создал целую галерею портретов. Он написал портреты - ученых (Пирогова и Сеченова), - писателей Толстого, Тургенева и Гаршина, - композиторов Глинки и Мусоргского, - художников Крамского и Сурикова. В начале XX в. он получил заказ на картину “Торжественное заседание Государственного совета”. Художнику удалось не только композиционно разместить на полотне такое большое число присутствующих, но и дать психологическую характеристику многим их них. Среди них были такие известные деятели, как С.Ю. Витте, К.П. Победоносцев, П.П. Семенов Тян-Шанский. Малозаметен на картине, но очень тонко выписан Николай II.



Василий Иванович Суриков (1848—1916) родился в Красноярске, в казачьей семье. Уже в годы учения обратившись к исторической живописи, Суриков стремился преодолеть условность академического искусства, вводя в свои композиции бытовые мотивы, добиваясь конкретной историчности архитектурного фона и деталей, убедительности свободной группировки фигур. Расцвет его творчества приходится на 80-е гг., когда он создал три самые знаменитые свои исторические картины: “Утро стрелецкой казни”, “Меньшиков в Березове” и “Боярыня Морозова”.
Суриков хорошо знал быт и нравы прошлых эпох, умел давать яркие психологические характеристики. Кроме того, он был прекрасным колористом (мастером цвета). Достаточно вспомнить ослепительно свежий, искрящийся снег в картине “Боярыня Морозова”. Если же подойти к полотну поближе, снег как бы “рассыпается” на синие, голубые, розовые мазки. Этот живописный прием, когда два три разных мазка на расстоянии сливаются и дают нужный цвет, широко использовали французские импрессионисты.



ВАСНЕЦОВ Виктор Михайлович (1848, с. Лопьял - 1926, Москва). Учился в Петербурге в Рисовальной школе Общества поощрения художеств (1867-68) у И. Н. Крамского и в АХ (1868-75), действительным членом которой стал в 1893. С 1878 член «Товарищества передвижников».

В годы учёбы выполнял рисунки для журналов и дешёвых народных изделий. В 1870-е гг. выступил с небольшими жанровыми картинами, тщательно написанными преимущественно в серовато-коричневой цветовой гамме. В сценках уличной и домашней жизни мелких купцов и чиновников, городской бедноты и крестьян Васнецов с большой наблюдательностью запечатлел различные типы современного ему общества ("С квартиры на квартиру", 1876, "Военная телеграмма"). В 1880-е гг., оставив жанровую живопись, создавал произведения на темы национальной истории, русских былин и народных сказок, посвятив им почти полностью всё своё дальнейшее творчество. Одним из первых русских художников обратившись к русскому фольклору, Васнецов стремился придать эпический характер своим произведениям, в поэтической форме воплотить вековые народные идеалы и высокие патриотические чувства. Васнецов создал картины "После побоища Игоря Святославича с половцами" (1880), "Алёнушка" (1881), проникнутая искренней поэтичностью, "Иван-царевич на сером волке" (1889), "Богатыри" (1881-98), исполненные веры в богатырские силы народа, "Царь Иван Васильевич Грозный". В 1883-85 Васнецов выполнил монументальное панно "Каменный век" для Исторического музея в Москве, в 1885-96 большую часть росписей Владимирского собора в Киеве. В росписях Владимирского собора Васнецов пытался внести духовное содержание и эмоциональность в традиционную систему церковной монументальной живописи, которая во 2-й половине 19 века пришла в полный упадок. Живопись Васнецова в зрелый период, отличаясь стремлением к монументально-декоративному художественному языку, приглушённому звучанию обобщённых цветовых пятен, а порой и обращением к символике, предвосхищает позже получивший распространение в России стиль "модерн".

 

Рябушкин Андрей Петрович - великий русский художник. Родился 17 октября 1861 года в с. Станическая Слобода. Работал в жанре исторической и жанровой живописи. Его картины в большинстве своём описывают Московский быт времён 17 века. Когда в 14 лет будущий великий художник осиротел, его талант к изобразительному искусству заметил А. Х. Преображенский, который и дал ему тот самый билетик в жизнь. Преображенский увёз молодое дарование в Москву и определил в училище. Вскоре после этого Рябушкин бросил училище и уехал в Петербург для того, что бы поступить в Академию Художеств. В своих работах Рябушкин изображает не только быт Москвы 17 века, но и различные деревенские темы, которыми увлёкся в последние годы своей жизни. Одной из лучших его картин считается " Свадебный поезд в Москве ", которая была написана в 1901 году.

В работе над картинами Андрей Рябушкин был очень требователен к себе: вначале делал множество эскизов, и те, которые ему не нравились – попросту сжигал. Этим объясняется то, что в наследии художника сохранилось около двух тысяч эскизов, хотя их могло быть в несколько раз больше. Только после того, как все фрагменты мозаики становились на свои места, идея обретала целостность, художник переносил свои мысли на холст. Основным мотивом произведений Андрея Рябушкина становится изображение русской женщины, воплотившей в себе национальные семейные традиции. В своих работах художник этот образ несколько идеализирует, облагораживает, используя в качестве инструмента реализации своих идей цвет и ритмику картины. Позднее тематика несколько поменялась - художник обратился к былинным и сельским мотивам.

 

20.

Во второй половина 19 века происходит отделение пейзажной живописи в самостоятельный полноправный вид искусства. Вопреки прогнозам, относительно того что роль пейзажа будет уменьшаться, в 90-е годы 19 в. она возросла, как никогда. Среди всех направлений преобладал лирический “пейзаж настроения”, ведущий свою родословную от Саврасова и Поленова.

“Передвижники” совершили подлинные открытия в пейзажной живописи. Алексей Кондратьевич Саврасов (1830—1897) сумел показать красоту и тонкий лиризм простого русского пейзажа. Его картина “Грачи прилетели” (1871) заставила многих современников по-новому взглянуть на родную природу.

Федор Александрович Васильев (1850—1873) прожил короткую жизнь. Его творчество, оборвавшееся в самом начале, обогатило отечественную живопись рядом динамичных, волнующих пейзажей. Художнику особенно удавались переходные состояния в природе: от солнца к дождю, от затишья к буре.


Архипа Ивановича Куинджи (1841—1910) привлекала живописная игра света и воздуха. Таинственный свет луны в редких облаках, красные отсветы зари на белых стенах украинских хат, косые утренние лучи, пробившиеся сквозь туман и играющие в лужицах на раскисшей дороге, — эти и многие другие живописные открытия запечатлены на его полотнах.


Своей вершины русская пейзажная живопись XIX века достигла в творчестве ученика Саврасова Исаака Ильича Левитана (1860—1900). Левитан — мастер спокойных, тихих пейзажей Человек очень робкий, стеснительный и ранимый, он умел отдыхать только наедине с природой, проникаясь настроением полюбившегося пейзажа.
Однажды приехал он на Волгу писать солнце, воздух и речные просторы. Но солнца не было, по небу ползли бесконечные тучи, и прекращались унылые дожди. Художник увидел неповторимую поэтичность этой погоды и обнаружил особую прелесть сиреневых красок русского ненастья. С той поры Верхняя Волга и маленький городок Плес прочно вошли в его творчество. В тех краях он создал свои “дождливые” работы: “После дождя”, “Хмурый день”, “Над вечным покоем”. Там же были написаны умиротворенные вечерние пейзажи: “Вечер на Волге”, “Вечер. Золотой плес”, “Вечерний звон”, “Тихая обитель”.
В последние годы жизни Левитан обратил внимание на творчество французских художников-импрессионистов (Э. Мане, К. Моне, К. Писарро). Как и они, он предпочитал работать не в мастерской, а на воздухе (на пленэре, как говорят художники). Как и они, он высветлил палитру, изгнав темные, землистые краски. Как и они, он стремился запечатлеть мимолетность бытия, передать движения света и воздуха.“Картины Левитана требуют медленного рассматривания, — писал большой знаток его творчества К. Г. Паустовский, — Они не ошеломляют глаз. Они скромны и точны, подобно чеховским рассказам, но чем дольше вглядываешься в них, тем все милее становится тишина провинциальных посадов, знакомых рек и проселков”.

Шишкин Иван Иванович (1832-1898)
Певцом русского леса, эпической широты русской природы стал Иван Иванович Шишкин (1832—1898). Русский художник – один из самых значительных пейзажистов-"передвижников". Особое значение имели для него натурные впечатления, полученные в родных местах (куда он не раз наезжал), а также на острове Валаам и в окрестностях Петербурга и Москвы. Для ранней живописи художника ("Вид на острове Валааме", 1858) характерна еще некоторая дробность композиционных и цветовых решений. Позднее пространство картины, зоны неба и земли составляют у него убедительное светотональное единство. Вступив в пору творческой зрелости в 1870-е годы, Шишкин (в таких, к примеру, вещах, как "Сосновый бор», Мачтовый лес в Вятской губернии", 1872; "Рожь", 1878) воссоздавал приметы конкретного мотива, ботанически точные детали почвы и растительности, в то же время достигая монументальной эпичности общего эффекта. Он обычно избегает переходных состояний природы, фиксируя ее в состоянии высшего летнего расцвета, и с особой любовью пишет наиболее мощные и стойкие породы деревьев типа дубов и сосен – в их стадии зрелости, старости и смерти в буреломе.

 

21.

Символизм (от франц. simbolism, от греч. simbolon — знак, символ) — художественное направление, появившееся во Франции в конце 60 - начале 70-х гг. 19 в., (первоначально в литературе, а затем и в других видах искусства - изобразительном, музыкальном, театральном) и вскоре включившее в себя иные явления культуры — философию, религию, мифологию.

Среди сюжетов преобладали сцены евангельской истории, полумифические-полуисторические события средневековья, античная мифология.

В Английском искусстве наиболее ярким явлением этой эпохи стало творчество «Братства прерафаэлитов» — первого в истории английской живописи объединения художников. Общество основанное тремя художниками- Уильям Холмен Хант (1827— 1910), Данте Габриэл Россетти (1828-1882) и Джон Эверетт Миллес (1829—1896). Молодые художники не хотели изображать людей и природу отвлечённо красивыми, а события — далёкими от действительности, и, наконец, им надоела условность официальных мифологических, исторических и религиозных произведений. Определение «прерафаэлиты» они выбрали, чтобы подчеркнуть противостояние стилю итальянского художника Высокого Возрождения Рафаэля Санти и выразить интерес к творчеству итальянских мастеров. Романтики по своей сути, прерафаэлиты открыли и мир образов средневековой английской литературы, ставшей для них постоянным источником вдохновения. Художники полагали, что нельзя изображать посторонних людей, поэтому всегда выбирали в качестве моделей друзей или родственников. Они внесли изменения и в традиционную технику живописи: использовали чистые цвета, писали без подмалёвка по сырому белому грунту. На загрунтованном холсте прерафаэлиты намечали композицию, наносили слой белил и убирали из него масло промокательной бумагой, а затем писали поверх белил полупрозрачными красками. Выбранная техника позволила добиться ярких, свежих тонов и оказалась такой долговечной, что их работы сохранились в первозданном виде до наших дней.

Во франции:

Гюстав Моро (фр. Gustave Moreau) (6 апреля 1826, Париж — 18 апреля 1898, Париж) — французский художник, представитель символизма. Моро был учеником Теодора Шассерио в школе изящных искусств в Париже. В ранних работах ощутимо влияние Э. Делакруа: восхищение красотой женского тела, пристрастие к роскошным нарядам и вещам. Однако, в отличие от Делакруа, у Моро женские образы воплощают роковую, подчас гибельную силу («Эдип и сфинкс», 1864; «Елена у ворот Трои», 1880). Библейские или мифологические героини его полотен («Венера, выходящая из волн», 1866; «Галатея», 1881; «Ева», 1880—85; «Пасифая», 1880—90) являются, подобно фантастическим видениям, в мерцании волшебного света, в великолепных одеждах или обнажённые, в драгоценных украшениях, которые подчёркивают их красоту («Фея и грифон», 1876; «Венеция», 1885). Столь же драгоценны сияющие светоносные краски и эмалевая, тщательно отделанная поверхность картин Моро, которые он иногда покрывал воском, а также использовал процарапывание, имитировавшее тончайшую ювелирную резьбу. В композициях почти нет действия. Героини Моро пребывают в царственной неподвижности, являя себя окружающим, позволяя любоваться своей красотой и лишь иногда одним единственным скупым движением демонстрируя свою колдовскую власть. Так, во властно простёртой вперёд руке Саломеи («Видение», 1876) воплотилась магическая энергия жеста-заклинания, вызывающего из небытия и материализующего в пространстве голову Иоанна Крестителя. Некоторые поздние акварельные эскизы Моро предвосхищают свободной игрой цветовых пятен абстрактное искусство.

Пьер Пюви де Шаванн (1824-1898), французский художник. Родился 14 декабря 1824 в Лионе. Под влиянием Шассерио Пюви де Шаванн выработал свой монументальный стиль декоративной живописи. Для его произведений характерны жесткая организация композиции и размещение фигур в пейзаже параллельными планами. Художник оставался в оппозиции современным ему направлениям в живописи: реализму и импрессионизму. Он был идеалистом, однако его работы нельзя назвать иллюстрацией отвлеченных идей и понятий, скорее это их символическое воплощение. Посредством ритмизованного движения и сдержанного колорита Пюви де Шаванн достигал замечательного художественного единства своих композиций. Пюви де Шаванн посвятил себя монументально-декоративной живописи, написал серию панно Житие св. Женевьевы, покровительницы Парижа, для парижского Пантеона (1874-1878; 1898); три композиции Священная роща, Видение античности и Христианское вдохновение для украшения лестницы Дворца искусств в Лионе (1883-1886); Аллегории наук и искусств в амфитеатре Сорбонны (1887) и др. Последней его работой стал цикл картин для Публичной библиотеки в Бостоне (Музы, приветствующие Гения Просвещения, 1893-1895).

Рене Франсуа Огюст Роден (1840, Париж — 1917, Медон, близ Парижа). Французский скульптор, график. Уже ранним работам Родена ("Человек со сломанным носом", 1864, “Бронзовый век”, 1876, "Иоанн Креститель", бронза, 1878) присущи смелость образных и пластических исканий, философская глубина замысла, жизненность в передаче сложных движений, энергичная моделировка объемов. В 1884-1888 Роден создал для города Кале скульптурную группу "Граждане Кале" (бронза; установлена в 1895), суровое героико-драматическое звучание которой, сложная эмоциональная атмосфера и ощущение внутренней напряженности героев воссозданы с помощью беспокойного ритма композиции, контрастов статичных и динамичных фигур, материальной весомости пластических масс, экспрессии поз и жестов. С 1880 года и до конца жизни Роден работал над горельефной композицией "Врата ада", символически воплощавшей мир человеческих страстей. Отдельные темы этой композиции Роден разрабатывал как самостоятельные произведения (острогротескная фигура "Та, которая была прекрасной Ольмьер", 1885; пронизанная ярким эмоциональным порывом группа "Поцелуй", 1886; исполненная пластической мощи, драматизма и духовного величия статуя "Мыслитель", 1888).


Дата добавления: 2014-12-30; просмотров: 12; Нарушение авторских прав







lektsii.com - Лекции.Ком - 2014-2021 год. (0.027 сек.) Все материалы представленные на сайте исключительно с целью ознакомления читателями и не преследуют коммерческих целей или нарушение авторских прав
Главная страница Случайная страница Контакты