Рождение Голливуда. 3 страница

ФЛЕМИНГ (Fleming) Виктор (1883 — 1949), американский режиссер. Бывший автогонщик и фотограф, в кино пришел в 1910 в качестве ассистента оператора. С 1911 работал с режиссером А. Дуэном, в 1915 перешел в фирму «Трайэнгл» и работал под наблюдением Д. У. Гриффита. Был оператором двух фильмов А. Дуэна с участием Д. Фэрбенкса. Участник Первой мировой войны, занимался аэрофотосъемкой в разведке. В 1919 вернулся в Голливуд и дебютировал в качестве режиссера двумя лентами с участием Фэрбенкса: «Когда клубятся тучи» и «Неженка». В 20-е годы снимал фильмы в разных жанрах, постепенно завоевывая репутацию крепкого профессионала. Лучшие работы Флеминга приходятся на звуковой период, когда его профессионализм, умение работать с актерами, любовь к крепким сюжетам и напряженному действию заявляют о себе рядом коммерчески успешных картин. Лучше всего режиссеру удаются типично «американские» фильмы действия, образы сильных по натуре и естественных в поведении героев, изображение человеческих отношений в напряженной и опасной обстановке, хотя Флеминг снимает и мелодрамы и даже мюзиклы, например, знаменитый «Волшебник из Оз» (1939, считается его шедевром). Сторонник четкого акцентированного монтажа, он не боится некоторого мелодраматизма и наигрыша, умеет сочетать драматические и комедийные краски. Высшим достижением Флеминга считается экранизация романа М. Митчелл «Унесенные ветром» (1939, 9 премий «Оскар», в том числе за фильм и режиссуру), хотя съемки начинал Дж. Кьюкор, а параллельно с ним работали С. Вуд и У. Кэмерон Мензиес. Среди других популярных работ режиссера: приключенческая драма «Красная пыль» (1932), экранизации приключенческой классики «Остров сокровищ» (1934, по Р. Л. Стивенсону) и «Отважные капитаны» (1937, по Р. Киплингу), драмы из жизни летчиков — «Летчик-испытатель» (1938, номинация на «Оскар» за лучший фильм года), «Парень по имени Джо» (1943). Последние ленты Флеминга, такие как: «Приключение» (1946); «Жанна дАрк» (1948) не имели успеха.

ФЛАЭРТИ (Flaherty) Роберт (1884-1951), американский кинорежиссер. Основоположник американского документального кино. Родился в одном из маленьких городов штата Мичиган на границе США и Канады. Его отец, горняк и золотоискатель, часто уходил в длительные экспедиции и брал маленького Роберта с собой. В 1910, окончив колледж и начальные курсы горной школы, Флаэрти участвует в поисковых исследовательских походах, во время которых вел дневник. В Гудзоновом заливе он снимает впервые киноматериал из жизни канадских эскимосов, который во время монтажа был испорчен. Найдя субсидии для киноэкспедиции у одной торговой компании, Флаэрти осенью 1919 возвращается на Север и снимает будущий фильм «Нанук с Севера», премьера которого состоялась в 1922 и принесла славу режиссеру. Картина явила не только выразительные сцены из неведомого цивилизованному миру почти первобытного быта северных народов, но и сформировала новый взгляд кинематографиста на реальность. Флаэрти не стремился к воспроизведению на экране мелких подробностей жизни своего героя, его волновала скрытая образная сущность внешне простых сцен бытия семьи Нанука. Поэтическая камера документалиста создает на экране величественную картину противостояния хрупкого, но наделенного могучей жаждой жизни человека и почти мистической, грозной стихии Севера. Многие зрители и сегодня видят в фильме воплощение мифологической притчи о вечном конфликте Человека и Природы. Мировой успех фильма «Нанук с Севера» привлек внимание к Флаэрти голливудской компании «Парамаунт», которая заключает с ним контракт. Режиссер отправляется в Полинезию и снимает фильм «Моана южных морей» (1926), где остаются центральными проблемы отношения Человека и Природы. Однако жизнь юноши Моаны в мягких климатических условиях юга лишена напряженной конфликтности. И, несмотря на утонченную поэтическую пластику и изысканность киномонтажа, фильм не имел коммерческого успеха. Такова судьба и снятых в том же году лент «24-долларовый остров» (1927) и «История горшечника» (1925). Продюсеры делали попытки объединить работу Флаэрти с работами других режиссеров. Так были сняты картины «Белые тени южных морей» (1931) с Ф. Мурнау. Компромисс был чужд таланту Флаэрти и не принес удачи. В первом фильме Флаэрти принадлежат лишь несколько эпизодов. Постановку «Табу» (1931) режиссер довел до конца, но сентиментальный сюжет и мелодраматические страсти актеров были чужды художественным принципам документалиста. По приглашению главы английской школы документального фильма Дж. Грирсона Флаэрти приезжает в Англию и после совместной с Грирсоном ленты «Индустриальная Британия» (1932) снимает лучший свой фильм «Человек из Арана» (1934). Здесь вновь он обращается к жизни удаленных от цивилизации рыбаков на далеком острове в Северном море, предлагая зрителю увидеть за повседневными трудными буднями простых людей скрытый философский пафос вечного противостояния одухотворенной Жизни и слепой Стихии. Сокровенная тема Флаэрти раскрывается в неторопливом чередовании эпизодов борьбы рыбаков за существование, в образной пластике, в четких графических композициях. В 1934 фильм получил премию на МКФ в Венеции. После малоудачной попытки создать игровую картину вместе с английским режиссером З. Кордой «Маленький погонщик слонов» (1937) по Р. Киплингу Флаэрти удается снять самостоятельную работу лишь в 1941. По заказу американского департамента земледелия режиссер снимает картину «Земля» (1941), где с горечью и публицистическим пафосом говорит не только о трагедии разорившихся фермеров, но и о страдании самой земли, пораженной эрозией. Экологический пафос работы Флаэрти не был принят правительством, и фильм был запрещен. Последняя лента Флаэрти «Луизианская история» (1948, премия на МКФ в Венеции) снималась по заказу нефтяной компании и вновь позволила режиссеру создать глубокую и образную философскую притчу, где живая душа мальчика как бы примиряет вечный конфликт технического прогресса и природы. Творчество Флаэрти осталось и по сей день притягательным художественным миром, где реальность преображается мощным талантом художника в невероятно емкие кинообразы, которые, сохраняя ауру естественной жизни, побуждают размышлять о Вечности.

ШТРОГЕЙМ (Штрохейм) (Stroheim) Эрих (1885 -1957), американский кинорежиссер, актер, сценарист.Родился в Вене, в небогатой еврейской семье и начинал свой путь в шляпной мастерской своего отца (согласно распространенному мифу, он происходит из аристократического рода Штрогеймов фон Норденвалей). Эмигрировав в США, Штрогейм перепробовал самые разные профессии, пока не попал в 1914 в Голливуд. Снимаясь в эпизодах в фильмах Д. У. Гриффита, он исполнял также обязанности ассистента режиссера и военного консультанта. В ряде лент, например, «Сердца мира» (1918) повторял придуманный им образ «гунна», жестокого и насмешливого прусского офицера с моноклем, — «человека, которого вы любите ненавидеть». После окончания войны уговорил хозяина «Юниверсл» К. Леммле дать ему постановку. Режиссерский дебют Штрогейма «Слепые мужья» (1919) имел успех как благодаря тщательности режиссуры, достоверности атмосферы и натуральности актеров, так и откровенности некоторых сцен. Сатирическое изображение европейской аристократии и высшего света, чье обаяние очаровывает наивных американок, которые хотели бы вырваться из пут викторианской морали, например, «Глупые жены» (1922), льстило американской публике, а глубина и сложность штрогеймовских персонажей выделяла его картины на фоне голливудской продукции. Вслед за трилогией о семейных отношениях, куда вошла и «Дьявольская отмычка» (1920), Штрогейм обращается к роману Ф. Норриса «Мак Тиг» и на гребне славы и признания ставит свой лучший фильм «Алчность» (1923—1925). Непримиримый конфликт с продюсером (он начался еще в период съемок «Глупых жен»: картину сократили на треть, а режиссера обвинили в расточительстве; следующую картину, «Карусель» (1923) заканчивал другой режиссер в связи с тем же обвинением) не помешал Штрогейму снимать мрачную историю моральной деградации главного героя и его жены в полном соответствии с оригиналом, добиваясь натуралистической достоверности деталей и атмосферы, сообщая им символическое звучание. Сатира на американский культ «просперити» и полное злого сарказма изображение обывателя сделали режиссера изгоем в глазах голливудских баронов. Непривычное сочетание сверхнатуралистической сочности с гротескным преувеличением превращало «Алчность» в метафору американского образа жизни и вызвало ярость «патриотов», назвавших картину «отвратительным эпосом сточных канав». Сверхдлинный фильм (42 части) был сокращен до10 частей. Несмотря на скандал в связи с «Алчностью», Штрогейм смог поставить «Веселую вдову» (1925, по мотивам оперетты Ф. Легара), использовав сценарий как повод для злой сатиры на светское общество и его лицемерную мораль. Режиссер продолжил свою атаку на представленную Веной Габсбургов жизнь верхов в картине «Свадебный марш» (1928), а в «Королеве Келли» (1928) высмеял розовые идиллии и мифы Голливуда 20-х годов. Обе ленты заканчивали другие режиссеры, как и последний американский проект «Прогулка по Бродвею» (1932), который был переснят и вышел год спустя под названием «Хэлло, сестра!» (1933). А Штрогейм был вынужден переехать во Францию, появляясь в ряде фильмов в ролях злодеев и оставив несколько актерских шедевров, например, фон Рауфенштейн в «Великой иллюзии» (1937). В годы войны вернулся в США и снимался в антифашистских картинах, в том числе в «Северной звезде». Последняя крупная роль в кино — во многом перекликающийся с его собственной судьбой образ бывшего кинорежиссера, ныне дворецкого у стареющей звезды в фильме Б. Уайлдера «Сансет бульвар» (1950).

УОЛШ (Walsh) Рауль (1887 — 1980), американский режиссер, продюсер, актер. Сын портного, мальчишкой убежал в море и перепробовал ряд экзотических профессий в юности. С 1910 играл на сцене. С 1912 работает в компании «Байограф», снимаясь у Гриффита и исполняя функции ассистента режиссера. В 1914 Гриффит доверяет Уолшу постановку фильма «Жизнь генерала Вильи» о герое Гражданской войны в Мексике, где, по преданию, снят сам Панчо Вилья. Наиболее известная из экранных ролей Уолша этого периода — убийца Авраама Линкольна, актер Джон У. Бут в гриффитовском «Рождении нации» (1915), хотя он появлялся на экране и до конца 20-х годов. За свою долгую карьеру Уолш снял более 120 фильмов и заслужил репутацию высокопрофессионального и в высшей степени многоликого мастера, успешно осуществлявшего постановку фильмов таких разных жанров, как экранизации классической и современной литературы, гангстерский фильм*, военная драма, приключенческий фильм. Мастер «фильма действия», Уолш предпочитал насыщенные событиями и напряженные сюжеты, эмоциональных волевых персонажей. Атмосфера его картин запоминалась почти сентиментальной нежностью в сочетании с жесткой реалистичностью, а также лаконичными и образными мазками в обрисовке душевного мира его героев. Один из самых «мужских» режиссеров Голливуда, Уолш работал с такими звездами Голливуда, как Дуглас Фэрбенкс-старший, Эррол Флинн, Джеймс Кэгни, Гэри Купер, Кларк Гейбл и даже Хамфри Богарт, добиваясь от любого естественности, достоверности и точности внешнего рисунка роли. Среди многочисленной продукции Уолша выделяются несколько классических шедевров, один из которых — немой фильм «Багдадский вор» (1924) с Д. Фербенксом в главной роли, где изобретательное использование комбинированных съемок позволило передать экзотическую атмосферу Востока в павильонах Голливуда, а спортивность и пластичность исполнителя главной роли сообщала этой сказке убедительность и обаяние. Вошла в историю американского кино и киноверсия знаменитой бродвейской пьесы «Какова цена славы» (1926) — один из первых американских фильмов, где всерьез трактуется тема Первой мировой войны. Известна и посвященная Второй мировой войне лента Р. Уолша «Цель — Бирма» (1945), но лучшим из его звуковых фильмов по праву считается ставший классикой жанра гангстерского фильма правдивый и горький рассказ об Америке конца 20-х годов «Бурные двадцатые»/«Судьба солдата в Америке» (1939).

ЛЮБИЧ (Lubitsch) Эрнст (1892 — 1947), немецкий и американский режиссер и продюсер. С 16 лет выступал в кабаре и мюзик-холлах. В 1911 принят в театр Макса Рейнхардта. С 1913 снимается в кинокомедиях, с 1914 — ставит короткометражные фильмы по своим сценариям и исполняет в них главные роли. Первая серьезная картина Любича — экзотическая драма «Глаза мумии Ма» (1918) с П. Негри и Э. Яннингсом в главных ролях. Его следующая работа — «Кармен» (1918) с П. Негри, которая будет звездой многих его исторических и экзотических киноспектаклей, таких как «Мадам Дюбарри» (1919); «Анна Болейн» (1920); «Сумурун» (1920). Лучшей лентой режиссера в немецкий период становится «Принцесса устриц» (1919) — сатира на американские нравы, в которой уже узнаваема «рука Любича»: иронически схваченные и легко запоминающиеся характеры персонажей, неожиданные и по составу событий, и по кинематографичности их подачи эпизоды, которые комментируют сюжет, особая атмосфера фривольности на грани допустимого. В 1923 Любич переехал в США и поставил для М. Пикфорд «Розиту» после чего вернулся к жанру легких комедий о светской жизни — «Брачный круг» (1924) и «Запретный рай» (1924), «Целуй меня вновь» (1925) и «Веер леди Уиндермир» (1925), «Принц студентов» (1927). Действие большинства картин Любича разворачивалось где-то в Европе, хотя его сатира затрагивала такие небезопасные темы, как стремление к обогащению и новая свобода в отношениях между полами. Появление звука сделало фильмы режиссера, такие как «Улыбающийся лейтенант» (1931); «Если бы у меня был миллион» (1932); «Веселая вдова» (1934) еще более элегантными за счет остроумных диалогов и музыки. Добившись в избранном жанре совершенства (подражания Любичу многочисленны, но лишь Б. Уайлдер иногда приближается к своему учителю), режиссер с 1935 выступает в качестве продюсера. Среди последних работ Любича — «Восьмая жена Синей Бороды» (1938), «Ниночка» (1939, с Г. Гарбо в главной роли), антифашистская комедия «Быть или не быть» (1942), «Небеса могут подождать» (1943). Фильм «Эта леди в горностае» (1948) закончил О. Преминджер, За восемь с половиной месяцев до смерти после шестого инфаркта Любича наградили специальным дипломом «Оскар» за творческую карьеру.

ДИТЕРЛЕ (Dieterle) Уильям (1893 — 1972), американский кинорежиссер. По происхождению немец. Как режиссер дебютировал 1923 году фильмом «Man by the Roadside / People Along the Way». Поставил фильмы: «Повесть о Луи Пастере» (1936), «Жизнь Эмиля Золя» (1937), «Блокада» (1938, о гражданской войне в Испании), «Хуарес» (1939), «Дубровский» (1959) и др. Всего поставил 72 фильма.

ШТЕРНБЕРГ (Sternberg) Джозеф (1894 — 1969), американский режиссер, сценарист, оператор. Родился в Вене в бедной еврейской семье (баронский титул «фон Штернберг» был впоследствии добавлен голливудскими продюсерами ради рекламы), в возрасте семи лет попал в США. Заканчивал школу в Вене, но в 1911 начал карьеру в кино в Америке в качестве реставратора пленки, затем монтажера, сценариста, ассистента режиссера. В 1917—1918 — в войсках связи США. Поставил ряд военно-учебных фильмов. С 1924 — в Голливуде, где заканчивал картины режиссеров-неудачников. В 1925 поставил фильм «Охотники за спасением» поразив Голливуд яркостью пластических образов и необычностью атмосферы. По заказу Чаплина снял фильм «Чайка» (1926) с Э. Первиэнс в главной роли, но Чаплин так и не выпустил его в прокат. Успех к Штернбергу пришел в 1927 после выхода на экран «Подполья», первой голливудской ленты о гангстерах. Слабость сюжетной конструкции искупалась своеобразием и необычностью визуального решения, выразительностью композиций, контрастов света и тени. Экспрессивным по манере получилась еще одна внешне более социальная картина «Доки Нью-Йорка» (1928) об обитателях «дна» общества. Был приглашен на немецкую студию УФА, где в 1930 Штернберг поставил в свой шедевр — фильм «Голубой ангел» (по роману Г. Манна «Учитель Гнус»). Великолепная игра Э. Яннингса, фактический дебют М. Дитрих, которая под руководством режиссера создала новый тип современной женщины-вамп, запоминающаяся атмосфера скрытого порока и торжества инстинктов, тонкое использование стилистических открытий немецкого кино заставляли видеть в Штернберге нового гения. Последующие работы режиссера, который повторял найденный Дитрих тип в новых версиях драматически неубедительных приключений ее героини в фильме «Марокко» (1930), «Шанхайский экспресс» (1932); «Белокурая Венера» (1932); «Дьявол — это женщина» (1935), разочаровали публику. После разрыва с «Парамаунт» Штернберг снимает экранизацию «Преступление и наказание» (1935), оставляет в Англии свой самый амбициозный проект «Я, Клавдий» и возвращается в США, где в 40-е годы его немногочисленные работы не имеют успеха. В 1953 в Японии выходит его фильм «Анатаан»/«Сага об Анатаане», считающийся лучшей работой последнего периода. Конец жизни Штернберга проходит в уединении, его автобиография «Веселье в китайской прачечной» (1965) полна горькой иронии.

ВИДОР (Vidor) Кинг (1894 — 1982), американский режиссер. Сын преуспевающего владельца фабрики пиломатериалов из Техаса был влюблен в кино с юных лет, работал билетером в кинотеатре, пытался снимать и продавать местную хронику. В 1915 вместе с молодой женой Флоренс Арто направился на завоевание Голливуда. В отличие от жены, ставшей кинозвездой, Флоренс Видор сам снимался в массовке, работал студийным клерком и без успеха писал сценарии. В 1919 дебютировал фильмом «Поворот на дороге». До 1923 снимал недорогие психологические драмы с участием жены для своей независимой компании. Присоединившись к МГМ, в 1925 завоевал репутацию великого режиссера антивоенной драмой «Большой парад», передав как эпический размах военных действий, так и агонию личности, чей наивный оптимизм не выдерживает реалий бессмысленной войны. Успех картины объяснялся также и оригинальностью режиссуры — смелостью многоплановых композиций кадра, ритмического монтажа и использованием кинометафор. Американский юмор, сентиментальность и известный наив не испортили следующей большой ленты Видора — «Толпа» (1928), своеобразной истории Золушки навыворот. Фильм стал важным шагом в развитии реалистического направления в кино США и в освоении выразительных возможностей монтажного кинематографа. В первых звуковых работах режиссера, такие как «Аллилуйя», (1929); «Уличная сцена» (1931); «Хлеб наш насущный» (1934), сохраняется интерес к значительным проблемам, и продолжаются эксперименты с использованием монтажа и звука. Однако Видор снимает также и популярные картины разных жанров, такие как «Чемпион» (1931); «Стелла Даллас» (1937); «Северо-западный проход» (1940); «Дуэль на солнце» (1946), но ни одна из этих профессиональных картин не поднимается до уровня его ранних постановок. В 50-е годы Видор осуществил (при участии М. Солдати) небесспорную, но запоминающуюся удачным актерским исполнением и массовыми сценами экранизацию «Войны и мира» (1956), а после провала фильма «Соломон и царица Савская» (1959) переходит на преподавательскую работу на кинофакультете Калифорнийского университета, создает экспериментальные ленты. На оскаровской церемонии в 1979 награжден почетной премией за «беспрецедентные кинематографические достижения творца и новатора». Лауреат юбилейных призов на МКФ в Москве—79 и Венеции—82.

ФОРД (Ford) Джон (1895 — 1973), американский режиссер. Настоящие имя и фамилия — Шон Алоизиус ОФини или ОФирна. Тринадцатый, последний ребенок в семье ирландского иммигранта, владельца салуна. После окончания школы в 1913 уехал в Голливуд к брату, который работал в киностудии «Юниверсал» в качестве актера, сценариста и режиссера. Рабочий сцены и помощник реквизитора, затем трюкач и дублер своего брата, в 1915 Шон был одним из статистов в эпической ленте Д. Гриффита «Рождение нации». С 1915 — ассистент режиссера и актер в фильмах брата, взявшего псевдоним Фрэнсис Форд. В 1917—1920 в качестве режиссера снял для «Юниверсал» более 30 фильмов, большую часть из которых составляли вестерны с участием актера Гарри Кэри. В 1920 переходит в «Фокс» и до 1923 снимает под псевдонимом «Джек Форд», обращаясь преимущественно к жанру вестерна, более всего отвечавшему его восприятию мира и иерархии ценностей: четкие критерии добра и зла, верность долгу, дружбе, семейной традиции, мужество в самой безнадежной ситуации. Два фильма Джона Форда 20-х годов — вестерн «Железный конь» (1924, эпическая история строительства трансконтинентальной железной дороги) и военная драма «Четыре сына» (1928) относятся к числу лучших работ режиссера. Наряду с наличием традиционных приемов жанра (драматизм сюжета, внешняя динамика действия, натурные съемки и т. д.) фильмы отличались нехарактерной для приключенческих лент психологизацией характеров действующих лиц. Не только главные герои, но и второстепенные персонажи получились выразительными и запоминающимися. Уже здесь проявилась сильная черта всего творчества Форда — его умение работать с актерами. Недостатком же почти всех ранних фильмов режиссера было отсутствие добротной драматургической основы. Возникшее в начале 1930-х гг. творческое содружество с талантливым сценаристом Д. Николсом открыло в этом смысле весьма плодотворные перспективы, что особенно отчетливо проявилось в фильме «Осведомитель» (1935, премия «Оскар»). Режиссер, экранизируя известный роман Л. О'Флаэрти, сконцентрировал все внимание на показе психологии предателя, продавшего за деньги своего товарища и постепенно начавшего осознавать значение совершенного проступка. Умелое создание атмосферы надвигающейся трагедии, точное использование шумов и музыки, выразительное использование деталей принесли фильму заслуженную славу. Но все же расцвет Форда приходится на звуковой период, когда он становится живым классиком американского кинематографа. Вопреки распространенному мнению Форд, поставивший 112 лент за почти 60 лет работы в Голливуде, снимал не только вестерны, но и детективы («Полицейский Рили», 1928), комедии («Вверх по реке», 1930), спортивные фильмы («Приветствие», 1929) и фильмы о войне, такие как «Мужчины без женщин» (1930); «Потерянный патруль» (1934), исторические («Мария Шотландская», 1936) и приключенческие («Ураган», 1937) фильмы. Однако слава Форда связана с вестернами, которые он ставил до конца жизни: «Дилижанс»/ «Путешествие будет опасным» (1939); «Моя дорогая Клементина» (1946); «Форт Апач» (1948); «Она носила желтую ленту» (1949); «Рио Гранде» (1950); «Человек, который застрелил Либерти Вэланса» (1962); «Осень чейеннов», где режиссер сумел по-новому взглянуть на взаимоотношения белых переселенцев и индейцев, показав последних не агрессивными варварами, как прежде, но пострадавшей стороной (1964), и с серией социально-критических фильмов конца 30-х — начала 40-х годов, таких как «Гроздья гнева» (1940, по роману Д. Стейнбека); «Табачная дорога» (1941, по Э. Колдуэллу); «Как зелена была моя долина» (1941). Изображая социальные конфликты тридцатых, Форд противопоставляет хищническому прогрессу цивилизации идеалы рядового человека — веру в Бога, верность родственным узам, честный труд, любовь к природе. При всей идеализации прошлого Форд показывает неизбежность и законность бунта низов против безжалостно-безликого мира банков, монополий и больших городов. Все же идеальной средой для любимых персонажей режиссера — прямолинейно-наивных, непреклонных в симпатиях и антипатиях «рыцарей» добра, чести и справедливости — оказывается ковбойский фильм, атмосфера второй половины девятнадцатого века, эпоха освоения Дальнего Запада. В этом исторически реальном пространстве и времени, допускающем условную обрисовку людей и событий, находит приют мечта Форда, его Америка, извечная, по режиссеру, борьба между добром и злом, ставящая личность перед выбором и определяющая ценность человека вопреки официальной морали и «табели о рангах» (типичный и лучший пример — «Дилижанс»). Война и человек на войне также оказываются вполне реалистичной рамкой для эпического романтизма Форда. В годы Второй мировой войны Форд возглавлял киноотдел ВМС США и потерял глаз в ходе съемок документального фильма «Битва за Мидуэй» (1942, премия «Оскар»). Среди работ Форда военных лет — документальный фильм «7 декабря» (1943, премия «Оскар») и игровая лента об американцах в первые дни боевых действий на Филиппинах «Их было не вернуть» (1945). Награжденный впервые премией «Оскар» за фильм об ирландском восстании 1916 года «Осведомитель» (1935), Форд не раз удостаивался этой премии за фильмы «Гроздья гнева» (1940); «Как зелена была моя долина» (1941); «Тихий человек» (1952, также приз МКФ в Венеции). В 1971 в связи с ретроспективой фильмов Форда на МКФ в Венеции был награжден почетной премией. Фильм «Человек, который убил Либерти Вэланса» (1962) стал реквиемом его постоянному, только уже постаревшему и помудревшему романтическому герою. Таким был и сам постановщик, продолжавший упорно работать, несмотря на почти полную слепоту и прогрессирующий рак, от которого он и умер в маленьком калифорнийском городке.

УЭЛЛМАН (Wellman) Уильям (1896 — 1975), американский режиссер. В первую мировую войну воевал во Французском иностранном легионе и эскадрилье Лафайетт. После войны бывший ас отказался от места коммивояжера и снимался в Голливуде в сценах воздушных боев. С 1923 года ставит вестерны, а в 1927 выпускает знаменитый фильм о войне в воздухе «Крылья» — первый в истории Голливуда главный лауреат «Оскара». В последующие три десятилетия снимает десятки отмеченных профессионализмом лент, среди которых попадаются значительные работы — гангстерская картина «Враг общества» (1931), где дебютирует Дж. Кегни, романтическая драма «Звезда родилась» (1937, «Оскар» за лучший сюжет У.Уэллмана и Р.Карсона), сатира «Ничего святого» (1937), антивестерн «Случай в Окс-боу» (1943), прославленный фильм о войне «История рядового Джо» (1945, по фронтовым дневникам Э. Пайла). Не придерживаясь определенных тем, проблем и персонажей, Уэллман чаще всего обращался к любимой авиации в фильмах «Молодые орлы» (1930); «Центральный аэропорт» (1933); «Люди с крыльями» (1938); «Выше всех» (1954); «Эскадрилья Лафайетт» (1958). Он также поставил модный романтический фильм об Иностранном легионе «Красавчик Жест» (1939) и отдал дань антикоммунизму агиткой «Железный занавес» (1947).

Актеры:

Берримор (Barrymore) Этель (1879 — 1959), американская актриса. Этель Берримор дебютировала на сцене в 15 лет, с 1900 выступила на Бродвее, где утвердилась в качестве «первой леди американской сцены». В кино с 1914 в фильмах самых разных жанров. С 1919 по 1930 работала исключительно в театре. В 1932 с огромным успехом сыграла императрицу Александру Федоровну в фильме «Распутин и императрица» (1932), но затем вернулась в театр. В 1944 получила «Оскар» за лучшее исполнение второстепенной женской роли в фильме «Только одинокое сердце». Трижды выдвигалась на премию «Оскар» за роли в фильмах «Спиральная лестница» (1946), «Дело Парадин» (1948) и «Пинки» (1949).

Бара Теда (Theda Bara; наст. Теодосия Гудмен, Goodman) (1890 — 1955), американская актриса немого кино. О происхождении этой красавицы-брюнетки с огромными темными глазами и чувственным ртом практически ничего не известно. Короткое время она выступала на сцене под псевдонимом Теодосия де Коппе и сниматься начала на заре создания Голливуда. В рекламных целях актриса придумала легенду, что она дочь арабского шейха (ее псевдоним представляет собой анаграмму от Arab Death) и экзотическую биографию. Правда и вымысел в ее жизни переплелись, и сейчас уже невозможно отделить одно от другого. Первый большой успех пришел к ней в фильме «Это была глупость» (1915). Найденная в этом фильме маска женщины-вамп, приносящей несчастья мужчинам и живущей лишь для собственных чувственных удовольствий, стала использоваться актрисой и в дальнейшем. Практические во всех своих фильмах она варьировала характер роковой, красивой, холодной и жестокой женщины, которая доводит мужчин до гибели. В течение следующих трех лет она снялась более чем в 40 картинах. Ее героини казались многим символом новой женской свободы, пришедшей в 20 веке. Демонические женщины и изощренно-порочные красавицы в исполнении Теды Бары представали перед зрителем в фильмах «Клеопатра» (1917), «Камелия» (1917), «Мадам Дюбарри» (1917), «Когда женщина грешит» (1918), «Саломея» (1918), «Песня сирены» (1918). Манерность и выспренняя мелодраматичность Бары быстро приелись. После окончания Первой мировой войны ее популярность пошла на спад, попытка стать звездой бродвейских театров успеха не имела. В 1921 году она вышла замуж за режиссера Чарльза Брабина. Вернувшись впоследствии в кинематограф, Бара была оттеснена более молодыми конкурентками по амплуа — Наташей Рамбовой, Аллой Назимовой, Полой Негри. В середине 1920-х годов Теда Бара прекратила кинокарьеру.

Пикфорд (Pickford) Мэри (1893-1979), американская киноактриса. Мировую известность получили фильмы, в которых П. варьировала сентиментальный образ скромной, добродетельной девушки-подростка: "Бедная маленькая богачка", "Длинноногий папочка", "Полианна"и др. Настоящие имя и фамилия — Глэдис Мэри Смит. Родилась в Канаде. Актерскую карьеру начала с пятилетнего возраста в театре. В 1909 году дебютировала в кино у Дейвида Уорка Гриффита, благодаря которому сформировался ее экранный образ девочки-ангелочка с белокурыми локонами и доверчивым взглядом, но режиссер требовал от Пикфорд полной отдачи на съемочной площадке как от взрослой актрисы. Она была воплощением викторианских добродетелей, но при этом тонко снимала нарочитую патетику мягким юмором и природным обаянием. На экране сама танцевала, стреляла, скакала верхом, плавала. Мэри Пикфорд можно назвать первой кинозвездой. Зрители искали ее на афишах под псевдонимом «Золотые локоны», чтобы вновь и вновь видеть актрису в разных вариантах «Золушки», дождавшейся к финалу своего счастья. Ни ей, ни зрителям не хотелось расставаться с подобными персонажами — и Мэри Пикфорд уже в зрелом возрасте продолжала оставаться инженю (в зените славы она сыграла свои лучшие роли этого плана в «Полианне» (1920) и «Маленьком лорде Фаунтлерое» (1921). Только создав вместе с мужем Дугласом Фэрбенксом, а также с Дейвидом Гриффитом и Чарльзом Чаплином собственную студию «Юнайтед Артистс», она постепенно перешла на взрослые роли. Хотя за свою первую звуковую ленту «Кокетка» (1929) Пикфорд удостоилась «Оскара», актриса чувствовала себя в новом амплуа неуютно. В 1932 году она предприняла отчаянную попытку создать образ современницы, но попытка не удалась, как не удался и ее последний фильм «Секреты» (1933). В возрасте сорока лет Пикфорд ушла из кино. Еще в 1927 году она приезжала в Советский Союз — ажиотаж, сопутствовавший визиту, увековечен в фильме «Поцелуй Мэри Пикфорд», где она оказалась в кадре с Игорем Ильинским. Историю своей жизни актриса описала в автобиографической книге «Свет и тень» (1955), и вторую половину жизни прожила в тени, вдали от людей, некогда наградивших ее титулом «Возлюбленной Америки». В 1970 году подарила Американскому киноинституту 50 немых лент со своим участием. За три года до смерти, будучи уже 83-летней, Пикфорд была отмечена специальной премией «Оскар» за карьеру.