Немецкий экспрессионизм.

Немецкий авангард начал с «оживления» абстрактных изображений. Все четверо его крупнейших представителей (В. Эггелинг, Х. Рихтер, О. Фишингер, В. Рутманн) были художниками-абстракционистами. В 1919 году Эггелинг первым из них снял «Вертикально-горизонтальную мессу», потом в сотрудничестве с Рихтером — «Вертикально-горизонтальную симфонию» (1920) и, наконец, «Диагональную симфонию» (1922). А «Ритм 21, 24 и 25» (1926) Рихтера, «Опусы, 1-4» (1923-1925) Рутманна, «Упражнения 6-8 и далее» (1929-1932) Фишингера экспериментировали с кинематографическим ритмом, используя движение абстрактных картинок и во многом прокладывая путь современной анимации. Эггелинг умер в 1925 году. Фишингер и Рихтер с конца 1930-х годов работали в США, где Рихтер всерьез занимался вопросами теории искусства кино. Рутманну удалось вырваться за пределы абстракционистского авангарда, используя его лучшие приемы, когда он снял фильмы «Берлин — симфония большого города» (1927) и «Мелодия мира» (1929), ставшие классикой мирового кино.

Для Германии период после Первой мировой войны был временем истерии, цинизма, глубокого отчаяния. Все моральные ценности были уничтожены. В искусстве это нашло отражение в таком направлении, как «экспрессионизм», в формах которого воплотились различные идеологические тенденции — от мистики и пессимизма до острой социальной критики. Художники, скульпторы, литераторы, а затем и кинематографисты отвергали изображение внешней реальности с тем, чтобы выразить внутреннее «Я». Экспрессионизм (от лат. expressio — выражение), направление в литературе и искусстве 1-й четверти 20 в., провозгласившее единственной реальностью субъективный духовный мир человека, а его выражение — главной целью искусства. Стремление к «экспрессии», обостренному самовыражению, напряженности эмоций, гротескной изломанности, иррациональности образов, наиболее ярко проявилось в культуре Германии и Австрии (писатели Г. Кайзер, В. Газенклевер в Германии, Ф. Верфель в Австрии, художники Э. Нольде, Ф. Марк, П. Клее в Германии, О. Кокошка в Австрии, австрийские композиторы А. Шенберг, А. Берг, немецкие кинорежиссеры Ф. В. Мурнау, Р. Вине, П. Лени). В рамках экспрессионизма возникли ранние образцы абстрактного искусства (В. В. Кандинский); у ряда художников, прежде всего немецких, экспрессионизм получил яркую антивоенную и антиимпериалистическую окраску (Э. Барлах, Ж. Грос, О. Дикс). То, чем для мирового кино был монтаж, для кинематографа Германии тех лет стал свет. Немецкий экспрессионизм, с наибольшей силой проявившийся в фильмах «Кабинет доктора Калигари» (режиссер Р. Вине, 1920), «Носферату, симфония ужаса» (режиссер Ф. Мурнау, 1922), «Доктор Мабузе – игрок» (режиссер Ф. Ланг, 1922), тяготел к изображению мистических и фантастических сюжетов. Чтобы создать ощущение сновидческой, галлюцинаторной реальности, требовались специфические визуальные эффекты, которые и были в большом количестве предложены фильмами этого направления. Вновь после Мельеса важным кинематографическим элементом становятся условные театральные декорации. Они обычно исполнены под несомненным влиянием театральной эстетики немецкого театрального режиссера М. Рейнхардта и создают неповторимую таинственную атмосферу многих фильмов. Однако сами эти декорации не были бы столь эффектны, если бы не специфическое драматическое освещение, также характерное для театра Рейнхардта. Оно не случайно воспринято немецким кинематографом того времени, многие представители которого были непосредственными учениками талантливого режиссера. В немецком экспрессионизме впервые кино обретает цветность: до изобретения цветной пленки появляются фильмы, раскрашенные вручную. Светопись стала настолько неотъемлемой частью кино в Германии, что многие ленты, формально уже не принадлежавшие экспрессионизму, тем не менее, несли на себе явный отпечаток этого направления. Таковы и грандиозные фильмы Ф. Ланга («Нибелунги», 1924, «Метрополис», 1926), и мелодрамы социального направления «камершпиле» («Осколки» Л. Пика, 1921, «Последний человек» Ф. Мурнау, 1925) и многие другие картины. Традиции экспрессионизма сохранялись вплоть до прихода к власти нацистов. Последними фильмами этого направления можно считать «М» (1931) и «Завещание доктора Мабузе» (1933) Ф. Ланга. Изобразительная специфика фильмов и теоретическое осмысление кинематографа в донацистской Германии имели очень важные формальные следствия. Во-первых, внимание кинематографистов было сосредоточено на иных, нежели монтажно-выразительных средствах, а во-вторых, особый интерес был проявлен к актерской игре и ее специфике в кино. Выразительная игра актеров Э. Яннингса, К. Фейдта, В. Крауса, П. Лорре – необходимая часть образов экспрессионизма в кино.

Первым подлинным произведением киноэкспрессионизма стал фильм Роберта Вине «Кабинет доктора Калигари», рассказывающий историю юноши-сомнамбулы (Конрад Фейдт), который под гипнотическим воздействием человека, именующего себя доктором Калигари (Вернер Краус), вынужден совершать по ночам ужасные преступления. Однако реальность всего происходящего на экране ставится под сомнение, ибо, как выясняется в конце фильма, безумный доктор, от лица которого ведется повествование, является пациентом психиатрической лечебницы. Молодые драматурги Карл Майер и Ханс Яновиц за шесть недель написали сценарий и представили его на рассмотрение Эрику Поммеру — продюсеру и главе студии Decla Bioscop. Первоначально режиссером «Кабинета...» должен был быть уже маститый Фриц Ланг, но Поммер решил, что тот должен закончить обещавший коммерческий успех фильм «Пауки». Так режиссером фильма стал Роберт Вине. Художник-постановщик фильма Вальтер Рериг предложил, чтобы свет и тени были нарисованы на декорациях. Такое решение показалось Поммеру просто диким, это выглядело, по его мнению, как возвращение к искусственности театра. Но после представления серии пробных кадров продюсер поддержал художника. Тревожная атмосфера создавалась благодаря полутемной комнате, призрачно бледному свету луны, контрастному освещению и деформированным, скошенным декорациям. Актеры также внесли экспрессионистический дух в грим и костюмы. Вернер Краус подчеркнул форму и длину носа, покрыл волосы слоем жира, а Конрад Фейдт наложил глубокие тени под глазами. Исполнительница женской роли - Лил Даговер сделала легкую уступку экспрессионизму в одежде, но ее очарование вносило мягкую ноту во все абсурдное и ужасное в этом фильме.

ВИНЕ Роберт (1881-1938), доктор философии, театральный актер, драматург, кинорежиссер. Главные фильмы: «Кабинет доктора Калигари» (1919), «Генуина» (1920), «Раскольников» (1923), «Иисус Назаретянин, царь иудейский» (1923), «Руки Орлака» (1924, в сов. прокате «Пляска нервов»).

ПАБСТ (Pabst) Георг Вильгельм (1885-1967), немецкий режиссер австрийского происхождения. Сын железнодорожного служащего, собирался стать инженером, но увлекшись искусством, два года учился в Венской академии декоративного искусства. С 1906 актер в европейских театрах, играл и ставил немецкие пьесы в Нью-Йорке. В годы первой мировой войны интернирован во Франции и работал театральным режиссером. Затем ставил в Вене, уехал в Берлин и с 1921 — в кино (актер, ассистент режиссера, сценарист фильмов К. Фрелиха). Через два года дебютировал как режиссер. В 1925 поставил известную ленту «Безрадостный переулок», соединив серьезную социальную тему с мелодраматическим сюжетом и элементами экспрессионистской стилистики. Ряд последующих картин Пабста считается «драматизацией» основных положений теории психоанализа З. Фрейда: «Тайны одной души» (1926); «Ящик Пандоры» (1929); «Дневник падшей» (1929). Интерес к социальным проблемам выражается то в экранизации романа И. Эренбурга «Любовь Жанны Ней» (1927), то в сотрудничестве с Арнольдом Фанком («Белый Ад Пиц Палю» (1929). На рубеже 30-х годов Пабст выступает с несколькими социально-критическими фильмами, сделанными в стиле натурализма. «Западный фронт, 1918 год» (1930) — одна из немногих в те годы антивоенных лент, запоминается точностью изображения жизни на фронте и в тылу; экранизация брехтовской «Трехгрошовой оперы» (1931) вызывает общественный скандал очевидными ассоциациями с событиями в Веймарской республике, а картина «Солидарность» (1932) о трагедии в шахте на франко-германской границе становится экранным призывом к международной солидарности трудящихся. С приходом нацистов Пабст покидает Германию, но его французские (киноопера «Дон Кихот» с Ф. Шаляпиным в главной роли (1933); шпионская драма «Мадемуазель Доктор» (1937) и голливудские работы, например, «Современный герой» (1934) лишены эмоциональной силы и стилистического своеобразия. Перед началом второй мировой войны вернулся в Германию, где снял несколько «нейтральных» фильмов. Первая послевоенная лента Пабста «Процесс» по Ф. Кафке (1947) посвящена проблеме антисемитизма и награждена премией за режиссуру на МКФ в Венеции-48. В своих последних картинах пытался осмыслить трагедию нацистской Германии, это фильмы «Последний акт» (1956) и «Это случилось 20 июля» (1955).

МУРНАУ (Murnau) Фридрих Вильгельм (1889-1931), (настоящая фамилия Плумпе) немецкий режиссер театра и кино. Наиболее известные фильмы: "Носферату - симфония ужаса" (1922, в сов. прокате "Вампир Носферату"), "Тартюф" (1926), "Последний человек" (1925, в сов. прокате "Человек и ливрея") и др. C раннего детства мечтал о театре. Изучал изобразительное искусство и историю литературы в Гейдельбергском и Берлинском университетах. Был принят в «Немецкий театр» М. Рейнхардта — сначала актером, затем ассистентом режиссера. В годы Первой мировой войны Мурнау был военным летчиком, затем попал в Швейцарию, где работал для немецкого посольства. По возвращении в 1919 году в Германию, он попробовал свои силы в качестве кинорежиссера и дебютировал фильмом «Мальчик в голубом». Мировая слава пришла с девятым фильмом «Носферату — симфония ужаса» (1922, в советском прокате «Вампир Носферату»). Всего Мурнау снял 22 фильма, но большая часть ранних картин: «Мальчик в голубом»; «Двуликий Янус» (1920; по мотивам «Доктора Джекилла и мистера Хайда» Р. Л. Стивенсона) — утеряны. Экранизируя роман Б. Стокера «Гость Дракулы», Мурнау не избежал влияния экспрессионистской стилистики, которая вошла в моду после «Кабинета доктора Калигари» (1919, режиссер Р. Вине) и соответствовала атмосфере и сюжету. Однако он отказался от деформации предметного мира, которая поражала зрителей в «Калигари», и поместил действие «Носферату» в привычную, на первый взгляд, обстановку. Ощущение ужаса и сверхъестественности ситуаций внушалось с помощью «внутреннего зрения» главного героя, передавалось зловещими контрастами черного и белого, композицией кадра, неожиданными пластическими деталями и оригинальными техническими приемами (использование кусков негатива, вмонтированных в сцену первой встречи героя с Носферату). Экспрессионизм в этом фильме стал взглядом на действительность, выражением апокалипсического ужаса перед приближением неведомой катастрофы, идущей изнутри, из подсознания человека. Другим шедевром, закрепившим место Мурнау в мировой киноэлите, стал его «Последний человек» (1924, по сценарию К. Майера; в советском прокате «Человек и ливрея»). Вершина немецкого направления «мещанской драмы», эта лента без привычных для немого кино надписей идеально воплощала тезис Майера и его единомышленников о фильме, который выражает в движении внутренний мир переживающего драму человека. Превратив камеру в очевидца и рассказчика этой драмы, Мурнау нашел столь гибкие и разнообразные способы пластического рассказа (движение камеры, подбор актеров и даже типажей в эпизодах, съемки ручной камерой и продуманный монтаж), что этого режиссера считают предшественником О. Уэллса, У. Уайлера и М. И. Ромма, которые ввели в 1930-е годы в обиход глубинную мизансцену. Экранизации «Тартюфа» Мольера и «Фауста» И. В. Гете (оба — 1926) не обладали остротой социальной тематики и эмоциональностью «Последнего человека», но оставались образцом искусства режиссера и актеров. Переехав в 1927 в Голливуд, Мурнау выпускает там немецкий по мироощущению и экспрессионистский по стилистике «Восход солнца» (1927, сценарий К. Майера по Г. Зудерману, премия «Оскар» за художественные достоинства постановки), который резко выделяется на фоне американской продукции. В 1930 приступает к съемкам совместного с Р. Флаэрти фильма «Табу», поэтического рассказа об обитателях Таити, и заканчивает его самостоятельно после конфликта со знаменитым документалистом. За неделю до премьеры жизнь Мурнау нелепо оборвалась в автомобильной катастрофе.

ЛАНГ (Lang) Фриц (1890-1976) немецкий кинорежиссер, сценарист и продюсер. В 1935-58 работал в США. Наиболее известные фильмы: "Нибелунги" (1924), "Метрополис" (1926), "Ярость" (1936), "Палачи тоже умирают" (1942), "Тысяча глаз доктора Мабузе" (1960) и др. Родился в Вене в семье архитектора. По желанию отца изучал архитектуру, но вскоре уехал в Мюнхен, а затем в Париж, где предпочел посвятить себя живописи. Путешествовал по Малой Азии, Северной Африке, России, Китаю, Японии и Индонезии, зарабатывая рисованием и продажей открыток. Вернувшись в Париж в 1913, работал художником, дизайнером одежды и карикатуристом. С началом войны уехал последним поездом в Вену, ускользнув от французской полиции, и был призван в армию рядовым. Получив четыре ранения и ослепнув на правый глаз, он был демобилизован в 1916 и, долго оправляясь от ранений в госпитале, начал писать рассказы и киносценарии. Несколько его сценариев были куплены немецкими студиями, и он вскоре уехал в Берлин, где перепробовал ряд киноспециальностей, в том числе актера на эпизодических ролях. В 1919 снял свой дебютный фильм «Полукровка». Картина о человеке, которого губит любовь к женщине, положила начало одной из постоянных тем Ланга (сам фильм утерян). Уже третья его лента — «Пауки» (первая часть 1919, вторая 1920), приключенческий триллер о преступной организации, стремящейся к мировому господству, — принесла режиссеру шумный коммерческий успех. Продюсеры потребовали от него немедленно приступить к съемкам второй части, из-за чего ему пришлось отказаться от другого задуманного проекта, фильма «Кабинет доктора Калигари», снятого в итоге Робертом Вине. Ланг внес некоторый вклад в разработку сценария, в частности, придумав обрамляющие эпизоды, превращающие основную, экспрессионистскую часть фильма в историю, рассказанную сумасшедшим. Картина «Усталая смерть» (1921), одна из лучших ранних работ Ланга, получила высокую оценку критиков и окончательно выдвинула его в число ведущих немецких режиссеров. Тема ленты — неумолимость рока и обреченность всех человеческих усилий; Ланг позднее сказал, что все его фильмы были посвящены борьбе человека с судьбой. Следующий фильм «Доктор Мабузе, игрок» (две части, 1922) вновь рассказывал о преступлениях маньяка, стремящегося к власти над миром. Эта тема была популярна в немецком кино того времени, но никто не решал ее в таких ярких образах, как Ланг, с такой визуальной и стилистической свободой, динамизмом и юмором. Его завораживала криминальная и патологическая психология, и он продолжал развивать эту тему на протяжении всей жизни, снова и снова обращаясь к жанру триллера и раздвигая его рамки в соответствии со своим пессимистическим и фаталистским мировоззрением. Эпический и чрезвычайно дорогостоящий фильм «Нибелунги» (1924; ч. 1 — «Зигфрид», ч. 2 — «Месть Кримхильды») был основан на средневековой легенде, нашедшей позднее место в арийской мифологии нацизма. Чуждый арийской идее, Ланг вновь развивал здесь тему неотвратимой судьбы, препятствующей человеческим начинаниям. В том же году во время поездки в Америку, под впечатлением от нью-йоркских небоскребов, он задумал следующую ленту, «Метрополис» (1926). Ее постановка чуть не разорила студию «УФА»; это был на тот момент самый дорогой фильм в истории немецкого кино. Колоссального размаха антиутопия о строго регламентированной жизни в индустриальном обществе будущего, управляемом роботами, не стала лучшей картиной Ланга. Фильм часто увязает в абсурде и претенциозности, однако мастерство его художественного дизайна и стиля остается бесспорным. Для постановки триллера «Шпионы» (1928) Ланг создал собственную компанию. Первый звуковой фильм режиссера — «М» (1931) — затронул новую для кино тему. Это был психологический триллер о маньяке, убивающем детей. Преступный мир объединяется для его поимки и устраивает над ним импровизированный суд, сцена которого превращается одновременно в ошеломляющей глубины анализ патологической психики и в тревожную аллегорию общества, стоящего на грани массового психоза — фашизма. В фильме «Завещание доктора Мабузе» (1933) Ланг вложил фашистские лозунги в уста негодяев. Картина была запрещена Геббельсом; вызвав режиссера к себе, чтобы сообщить ему о запрете, рейхсминистр пропаганды одновременно предложил ему от имени фюрера руководство немецкой киноиндустрией. В тот же вечер Ланг, мать которого была еврейкой, уехал во Францию, оставив все свое имущество, сбережения и жену, сценаристку Теа фон Харбу, вступившую вскоре в нацистскую партию. Сняв один фильм во Франции, Ланг переехал в США, где студийная система Голливуда резко контрастировала с его привычкой к полному контролю над своими постановками. Лишь в 1936 ему удалось снять «Ярость», драму о психологии толпы и о том, как насилие неизбежно порождает новое насилие. Критики признали фильм шедевром, но это не облегчило положение Ланга в Голливуде. Он постепенно перешел на более коммерческие проекты, но и в них обращался к своим традиционным темам. Он доказал свою режиссерскую разносторонность несколькими блестящими вестернами («Возвращение Фрэнка Джеймса», 1940; «Ранчо Дурная слава», 1952 и др.), но предпочитал жанр триллера: «Охота на человека» (1941), «Ведомство страха» (1944, по Грэму Грину) и др. Одной из его лучших картин стал ироничный триллер «Женщина в окне» (1944). Картина «Большая жара» (1953) стала этапной в переходе кино к более реалистичному изображению насилия на экране. С течением времени Лангу становилось все труднее бороться с произволом продюсеров, и в 1956 он решил не работать больше в Голливуде. Поездка в Индию, где он намеревался снять романтический костюмный фильм, оказалась неудачной. Он сделал в Германии две приключенческие ленты по сценариям, написанным еще в 1921, и в 1960 поставил последнюю картину «Тысяча глаз доктора Мабузе», еще раз вернувшись к своему самому знаменитому персонажу. В 1963 он сыграл самого себя в фильме Ж. Л. Годара «Презрение». Вернувшись затем в США, он провел свои последние годы в уединении в особняке в Беверли-Хиллз, ведя дневник и увлекаясь мыльными операми.

Актеры:

Дитрих (Dietrich) Марлен (1901 — 1992), немецкая и американская актриса. Настоящие имя и фамилия — Мария Магдалене фон Лош. В 1920-е годы пыталась поступить в театр М. Рейнхардта, выступала в хоре передвижного ревю, исполняла эпизодические роли на сцене и в кино в фильмах «Безрадостный переулок» (1925), «Современная Дюбарри» (1926) и др. Певичка Лола-Лола, ради которой почтенный учитель гимназии бросает работу и становится марионеткой в фильме Дж. Штернберга «Голубой ангел» (1930), была далеко не ролью Дитрих в кино, но именно она принесла актрисе мировую славу и голливудский контракт. Успех объяснялся не только привлекательностью нового типа современной женщины - сексуальной вамп или внешними данными Дитрих. Ее Лола олицетворяла вызов, брошенный человеческим «подпольем» миру, который вместе с моралью прошлого отбросил и духовные ценности. В США Штернберг и Дитрих развивали найденный в «Голубом ангеле» (1930) тип современной женщины в фильмах «Марокко» (Morocco, 1930); «Шанхайский экспресс» (1932); «Белокурая Венера» (1932); «Дьявол — это женщина» (1935), но полуудачи последних картин привели к разрыву с режиссером. Дитрих пыталась выступать в фильмах различных жанров и в совершенно разных ролях. На деле же она повторяла блистательный оригинал, что было особенно явно в вестернах конца 30-х годов, таких как «Дестри снова в седле» (1939). Актрисе больше повезло в комедии «Желание» (1936), но этот опыт не имел продолжения. В годы войны Дитрих, которая приняла американское гражданство (1939), выступала с антинацистскими программами по радио и выезжала на передовую с концертами для солдат и офицеров (награждена американской Медалью Свободы, удостоена звания Рыцаря французского Почетного Легиона). В 50-е годы, не получая сколько-нибудь значительных ролей, вернулась на эстраду и имела грандиозный успех в шоу, объединившем ее наиболее популярные песни многих лет. В кино поразила силой и интеллигентностью трактовки своих героинь в фильмах «Свидетель обвинения» (1958, Кристина Воул) и «Нюрнбергский процесс» (1961, вдова генерала). В последний раз появилась на экране как певица в картине «Просто жиголо»/«Прекрасный жиголо — несчастный жиголо» (1978). Написала несколько умных и откровенных книг воспоминаний («Азбука Марлен Дитрих», 1962, «Только с моей жизни», 1978, «Марлен Дитрих о Марлен Д.», 1984). Дитрих присутствует за кадром в посвященной ей ленте «Марлен» (1983) М. Шелла.

Вегенер Пауль (1874 — 1948), немецкий актер театра и кино. Работал в Немецком театре с режиссером М. Рейнхардтом. Один из создателей немецкого кино. Снимался в фильмах: «Голем», «Живые Будды», «Пражский студент» и др.

Яннингс (Jannings) Эмиль (1884 — 1950), немецкий актер. В 16 лет оставил дом, чтобы стать матросом, а через два года появился на профессиональной сцене. В 1906 был приглашен в театр М. Рейнхардта и завоевал твердое положение к моменту дебюта в кино, например «В окопе» (1914), где поначалу снимался в коммерческих фильмах. В 1919—1923 сыграл в фильмах Э. Любича и Д. Буховецкого серию ролей властных, хитрых, «плотоядных» персонажей, например Людовик ХV в «Мадам Дюбарри» (1919); Генрих VШ в «Анне Болейн», (1920); Дантон в одноименной ленте (1921); Петр I в «Петре Великом» (1923); Нерон в «Камо грядеши», 1924). Умение Яннингса проникать в психологическую суть характера и выражать ее на экране принесло ему успех в ряде экранизаций классики, например, Дмитрий в «Братьях Карамазовых» (1920); «Отелло» (1922); «Тартюф» (1926); Мефистофель в «Фаусте» (1926). В 1927—1928 снимался в Голливуде, получил премию «Оскар» за участие в картинах «Последний приказ» (1928) и «Путь всякой плоти» (1927). Казалось, для Яннингса не существует жанровых границ, и он способен сыграть любую роль, однако пик его славы связан с тремя блистательными работами (швейцар в «Последнем человеке» Ф. Мурнау (1924); цирковой артист в «Варьете» Э. Дюпона (1925); учитель гимназии в «Голубом ангеле» Дж. Штернберга (1930). Трагедия рядового человека, раздавленного городской цивилизацией в фильме Мурнау соседствует с крахом личности, столкнувшейся с неподвластной ему силой инстинктов в «Варьете» и «Голубом ангеле». Актер изображает агонию среднего немца с такой глубиной и граничащей с театральным пафосом силой, что в его героях можно усмотреть призрак ожидающих Германию грозных перемен. Но в отличие от большинства своих коллег Яннингс становится на сторону нацизма, снимается в ряде пропагандистских лент, таких как «Роберт Кох, победитель смерти» (1939); «Дядюшка Крюгер», 1941), получает звание «Государственного артиста» и возглавляет фирму «Тобис». После войны занесен в «черные списки» и заканчивает жизнь в одиночестве.

Фейдт (Veidt) Конрад (1893 — 1943), немецкий актер. С 1913 года — в театре М. Рейнхардта. В 1917 дебютировал в кино в фильме «Когда говорят мертвецы», снимался в «просветительских» лентах Рихарда Освальда, таких как «Проституция», 1917—1918; «История Диды Ибсен», 1918; «Иной, чем другие» (1919). Первой всемирно известной ролью Фейдта стал сомнамбула Чезаре в картине «Кабинет доктора Калигари» (1919). Нервное и экспрессивное исполнение небольшой роли не только отвечало требованиям экспрессионистской стилистики, но и передавало трагическую раздвоенность персонажа, ставшего орудием в руках маньяка и преступника. Фейдт занял ведущее место в кино Германии благодаря появлению в длинной череде сложных психологических ролей, требовавших способности передавать внутренний мир необычной, порой демонической личности с помощью ограниченных возможностей немого экрана. Выразительные руки актера, живые и думающие глаза, «говорящие» движения передавали уникальность каждого из персонажей (дьявол в «Курфюрстендам», 1920; Нельсон в «Леди Гамильтон» и князь Эшнапура в «Индийской гробнице», 1921; король Ричард III, лорд Байрон и Паганини в одноименных исторических биографиях, 1922—1923; Иван Грозный в «Кабинете восковых фигур», 1924; Орлак в ленте «Руки Орлака», 1925). В 1926 после исполнения заглавной роли в фильме «Пражский студент» подписал контракт с Голливудом (в числе многих ролей сыграл Гуинплена в картине «Человек, который смеется» (1928), но после появления звука вернулся в Берлин. С приходом к власти фашизма переехал в Англию, снимался в лентах разных жанров («Вечный жид», 1933; «Еврей Зюсс» (1934); «Вильгельм Телль», 1934; «Под красной мантией» (1936); «Путешествие во мраке» (1937); «Багдадский вор» (1940). В годы второй мировой войны снимался в антифашистских фильмах в США («Касабланка», 1943), где и умер от сердечного приступа.

Лорре (Lorre) Петер (1904 — 1964), немецкий и американский актер. Настоящие имя и фамилия — Ласло Левенштайн. По национальности венгерский еврей. После семи лет работы в театре и незамеченного дебюта в кино в 1928, сыграл свою первую большую роль в фильме Фрица Ланга «М» (M, 1931, Германия), где создал страшный, психологически убедительный портрет маньяка, убивающего детей. Успех картины, впервые затронувшей подобную тему, сделал Лорре знаменитым. После прихода к власти нацистов он уехал из страны, снялся в Англии в фильме Альфреда Хичкока «Человек, который слишком много знал» (1934), затем переехал в Голливуд. Лорре обладал необычной внешностью (маленький рост, меланхоличное лицо, глаза навыкате), благодаря которой ему досталось амплуа негодяев, одновременно зловещих и жалких. Сразу по приезде в Америку в 1935 сыграл две из числа своих лучших ролей — в фильмах «Безумная любовь» и «Преступление и наказание» (роль Раскольникова). Позднее играл характерные роли в таких лентах, как «Мальтийский сокол» (1941), «Касабланка» (1942), «Мышьяк и старые кружева» (1944) и во множестве триллеров, часто в паре с Сиднеем Гринстритом: «Маска Димитриоса» (1944) и др. В 1951 поставил в Германии по собственному сценарию антифашистский фильм «Пропавший», в котором также сыграл главную роль. До конца жизни снимался в США, в основном во второсортных картинах. Исключением был ряд фильмов Роджера Кормана по рассказам Эдгара По: «Страшные истории» (1962) и др.