ИСКУССТВО ФРАНЦИИ

Переходный характер эпохи XVIIIв. определил сложность французской художественной культуры: господство позднего барокко, рококо и академизма и утверждение классицизма, предромантизма и реализма.

Во Франции, где новые формы искусства возникали особенно быстро, важным событием художественной жизни стали Салоны – публичные выставки, которые организовывала парижская Королевская академия живописи и скульптуры при поддержке двора. Произведения для Салона отбирала специальная комиссия, попасть туда было непросто. Успех на выставке означал для художника настоящее признание, поэтому представить в Салон свои произведения стремились мастера из разных стран. Постепенно Париж занял лидирующее положение в общеевропейской художественной жизни.

Характерными для XVIII в. явлениями были вычленение эстетики в отдельную дисциплину и развитие художественной критики, отражавшей основные тенденции, борьбу течений в искусстве.

Архитектура.Вархитектуре XVIIIв. существовали два диаметрально противоположных стиля – рококо с чувственно-свободными формами и классицизм со строгостью и простотой объемов.

Сооружения в стиле рококо, в основном городские особняки французской аристократии, по сравнению с барокко отличались еще большей пышностью, декоративностью и динамичностью. Однако рококо не было придворным искусством: ему чужды торжественность барокко и его тесная связь с Католической церковью.

Как правило, высокая ограда отделяла особняк (во Франции их называли отелями) от города, комнаты часто имели криволинейные очертания, они располагались не анфиладой, как в особняках XVIIв., а образовывали свободные композиции. Окна были очень большими; и интерьеры богато декорировались. Примеры архитектуры рококо: отель Сюбиз в Париже, ансамбль трех площадей в городе Нанси в Лотарингии и др.

Классические традиции использовал в своем творчестве архитектор Ж.А. Габриэль (1698 –1782). Спроектированный им дворец Малый Трианон (1762 – 1764) в Версале предназначался для занятий сельским хозяйством. Изящное здание кубической формы имеет четыре фасада, разные по декору, но одинаковые по стилю. Снаружи и внутри дворец производит впечатление простоты и одновременно изысканности и парадности. В декоре использованы в основном колонны и пилястры прямоугольной формы. Правый и задний фасады выходят в английский пейзажный парк, а к левому фасаду примыкает французский регулярный парк.

Наиболее значительное произведение Габриэля – площадь Людовика XVв Париже (ныне площадь Согласия). Ее особенность заключается в том, что она открыта городскому пространству: с запада и востока к ней примыкают аллеи проспекта Елисейские поля и парка Тюильри, а с юга – набережная Сены, только с северной стороны площадь ограничивают здания дворцов. Интересно отметить, что в 1836 г. в центре площади Людовика XVустановили египетский обелиск из храма фараона Рамсеса II в Фивах. Он до сих пор находится на этом месте.

Париж XVIII в. был архитектурным центром классицизма во Франции (церковь Св. Женевьевы, театр Одеон, рынок зерна, Монетный двор, отель Сальм и др.). Большое значение в рассматриваемый период придавалось так называемой «говорящей», или «бумажной», архитектуре – утопическим проектам, направленным на преобразование мира, которые никогда не были осуществлены. Например, Э.Л. Булле (1728 – 1799) создал около 100 проектов на основе геометрически правильных форм (сферы, конуса, куба). Самый знаменитый из них – кенотаф[17] Ньютона (1784), где

Ж.А. Габриэль. Малый Трианон. Версаль

огромная сфера напоминает о форме Земли и яблока, которое, согласно преданию, помогло ученому открыть закон всемирного тяготения.

К.Н. Леду (1736 – 1806) соорудил на въездах в Париж таможенные заставы в виде монументальных триумфальных сооружений с колоннами и фронтонами. Архитектор планировал обнести весь город трехметровой стеной, но она не была построена, так же как и идеальный город будущего в Шо, в плане представляющий собой эллипс и пропагандирующий новую социальную модель общества всеобщего благоденствия.

Скульптура.С начала века скульптура в значительной мере зависела от принципов убранства интерьера рококо и приобретала декоративный характер. Пластическое начало уступило в ней место живописному. Моделировка форм становилась мягкой благодаря тончайшим переходам светотени.

С середины XVIII в. скульптура стала более реалистичной: появилось тяготение к строгости, простоте и лаконичности. В поисках героических образов художники обратились к античности, однако французские скульпторы не были склонны канонизировать ее. В искусстве классицизма усиливается монументальная и героическая патетика.

Творчество Жана Антуана Гудона (1741 – 1828) связано с революционной эпохой. Он создал скульптурные портреты выдающихся деятелей своего времени (Д. Дидро, Ж.Ж. Руссо, Ю. Франклина, К.В. Глюка и др.), отличающиеся психологизмом, многогранностью характеристик и верой в человека. Герои Гуд она целеустремленны, активны. Он не только точно передавал портретные черты, но и воплощал богатство духовной жизни, изменчивость настроений. Шедевр Гудона – мраморная статуя Вольтера, сидящего в кресле. Издали Вольтер кажется немощным стариком, углубившимся в себя, а при ближайшем рассмотрении образ значительно меняется: вырастает до гиганта мысли, символа эпохи.

Живопись.Выдающимся мастером рококо был Жан Антуан Ватто (1684 – 1721). Художник работал в жанре пасторали, в котором театральные ассоциации сочетаются с впечатлением от живой природы, теплого воздуха, серебристого света. Пейзажный фон, грациозные фигуры, очень близкие итальянской комедии масок, тонкий колорит, насыщенный светом, – вот признаки художественной манеры Ватто. Его картины не датированы. «Праздник любви» изображает парк со статуей Афродиты, в котором расположились группы любезных дам и кавалеров. Элегическое настроение звучит хрупкой мелодией трепетных созвучий зеленых и голубых, розовых и жемчужно-серых, лиловых и красных тонов, сложенные мелкими мазками, они вибрируют на поверхности картины. Печальны, полны неприметного очарования портретные образы – «Савояр», «Меццетен», «Финетт».

Одна из лучших работ Ватто «Отплытие на остров Киферу» (см. цв. вкл.) принесла ему звание академика. Образы картины чрезвычайно музыкальны. Кажется, что исполняется какой-то медленный танец, в ритме которого дамы и кавалеры движутся по склону холма к ладье, отплывающей на Киферу – остров любви, где, по преданию, родилась Афродита. Движение направлено от правого края картины с фигурой богини и высокими деревьями парка в центр асимметричной композиции. Действие растворяется в золотистом мареве, мягкий, рассеянный свет струится сквозь кроны деревьев. Природа наделена такой же степенью одушевленности, трепетности, как и фигуры людей.

Очеловечивание природы в культуре рококо скажется в любви к паркам и садам. Но Ватто считал единство природы и искусства иллюзией, отсюда грусть и ирония в настроении его картин («Общество в парке», «Затруднительное предложение»).

Последнюю картину – вывеску для антикварной лавки своего биографа и друга Жерсена - Ватто, обычно недовольный собой, очень ценил. На полотне показан интерьер художественной лавки: посетители рассматривают картины, слуги укладывают в ящик купленные вещи, небольшая группа людей беседует. Акценты в картине расставлены равномерно: в ней можно увидеть еще один вариант «галантного празднества», а можно обратить внимание на милую естественность группы, занятой разглядыванием собачки и дружеской беседой.

Характер искусства французского рококо и широту сфер его распространения отражает творчество Франсуа Буше (1703 – 1770). Хорошей школой в начале пути стало для него исполнение 125 гравюр по рисункам Ватто. Отдавая дань граверному искусству, Буше публикует альбомы «Книга фонтанов» (1736) и «Китайские мотивы» (1740). Позже художник занялся иллюстрированием книг Мольера.

Значителен объем выполненных Буше монументально-декоративных работ – это обязательная сторона творчества мастера рококо. Художник украшает интерьеры дворцов Версаля и Шуази, Марли и Стокгольмского дворца, отеля Сюбиз, Национальной библиотеки.

Деятельность Буше затронула и театральное искусство: он участвует в создании декораций для оперных спектаклей и, что очень интересно, расписывает веера. Еще одна специализация художника рококо – создание картонов (эскизов) для тканых ковров – гобеленов. Буше занимает пост художественного руководителя мануфактуры Гобелена (имя владельца стало названием изделий), делает эскизы для шпалерной мануфактуры Бове. Заслуживают внимания его картины для серии шпалер «Любовь богов». Буше выступает и как скульптор, выполняя модели статуэток для Севрской мануфактуры фарфора. Влияние его на этот жанр будет сказываться долгие годы.

С 1765 г. Франсуа Буше назначается Людовиком XV на должность главного художника и в этом качестве дает уроки рисования всесильной фаворитке монарха маркизе де Помпадур. В его творчестве отчетливо проступает декоративный характер искусства рококо, предполагающий синтетическое единство живописи, скульптуры и архитектуры. Не случайно исследователи подчеркивают интерьерно-оформительский успех искусства Буше. Он всегда умел подчинить свою манеру общему стилю коллективного творчества.

Продолжением традиций Буше является творчество Жана Опоре Фрагонара (1732 – 1806). Он не отказывается от мифологических сюжетов, но они для него лишь повод перевести разговор в более интимное русло («Похищение рубашки Амуром», «Купающиеся наяды»). Фрагонар темпераментен, порой лукав и насмешлив. Мастер обладает талантом импровизатора, свободой легкого мазка, но не выходит за рамки декоративизма рококо.

Рокайльной изысканностью отличается одна из самых популярных работ Фрагонара 1760-х годов – «Качели» («Счастливые возможности качелей», 1767 – 1768) (см. цв. вкл.). Тема была выбрана по просьбе заказчика, который хотел видеть на картине свою возлюбленную. В заросшем уголке парка резвится на качелях прелестная женщина, а в кустах роз прячется и подглядывает счастливый влюбленный. Взлетающая фигурка на качелях, сломанный куст роз создают идиллическую атмосферу, в которой словно оживают скульптуры крылатых амуров на постаментах. Фривольность и чувственность, жеманность и нега, лукавство и радость наполняют эту картину Фрагонара.

В картине 1780-х годов «Поцелуй украдкой» Фрагонар обнаруживает те же качества, что и в работах предыдущих двух десятилетий.

Искусствоведы говорят о большом жанровом диапазоне творчества художника: он пишет пейзажи, натюрморты, бытовые сцены, портреты, декоративные панно. За всем этим, видимо, стоит желание мастера как можно полнее охватить мир и точнее выразить самого себя. В его манере слишком много личностного, поэтому его творчество выходит за рамки стиля рококо.

Художник успешно работал в графике и создал много выразительных рисунков, набросков сепией и карандашом. Фрагонар – автор тематических иллюстраций к «Сказкам» Лафонтена, «Неистовому Роланду» Ариосто, «Дон Кихоту» Сервантеса.

Новый расцвет классицистической живописи приходится на вторую половину XVIII – первую четверть XIX в. и касается в первую очередь творчества Жака Луи Давида (1748 – 1825). Классицизм этого времени носит название революционный или просветительский. Античная идея о том, что человек – результат общественного воспитания и должным образом образованный, он в состоянии создать и поддерживать правильный гражданский порядок, актуальна для философии середины XVIII в. Мыслители этой эпохи пишут о великой роли патриота в жизни страны, об образовании и воспитании человека, о равенстве всех перед разумом и разумными основаниями общественного устройства.

Доктрина просветительского классицизма, с одной стороны, была основана на правилах и «священных» традициях античности и предполагала высокую миссию искусства в пропаганде великих идей прошлого, но, с другой стороны, эпоха Просвещения желала видеть в избранных для картин сюжетах прямые аналогии современным идеям. Жак Луи Давид счастливо соединил в своем творчестве обе стороны просветительского классицизма.

В 1784 г. Давид написал «Клятву Горациев», отразив в сюжете античной истории события своего времени. В картине эффектно передана решимость братьев Горациев идти в бой за свою отчизну – в едином порыве они все трое выступили вперед, выбросив руки в римском воинском приветствии навстречу отцу, протянувшему им оружие. Три брата-близнеца Горации решили своим поединком с тремя братьями из соседнего племени закончить войну Рима с соседями. Двое пали в битве, а третий убил противников и обеспечил победу Риму. Среди погибших врагов был жених сестры Горациев. Сестра начала оплакивать любимого, а брат, сочтя эту скорбь преступлением, убил ее. Народ приговорил победителя к смерти, но по просьбе отца решил помиловать при условии «очищения» от убийства. Сюжет не скрывает конфликта гражданского служения и личного чувства.

Монументальность сцены, концентрирующей внимание на гражданском самоотречении братьев и отца, подчеркивает, что самопожертвование есть самое совершенное в природе человека. Драма личного и общественного должна решаться в пользу последнего. Величественный фон в виде трехчастной аркады повышает значимость происходящего, а контрастная группа горюющих женщин намекает на

Ж.Л. Давид. Клятва Горациев

трагическую смерть Горациев.

Атмосфера революции 1789 г. определяет появление ряда картин аналогичной идейной направленности. Значительность событий античной истории всегда была для мастеров классицизма несопоставима с современными событиями, в которых они не видели никакого величия. Давид был первым художником-классицистом, который пошел наперекор этой тенденции. Например, полотно «Смерть Марата» (1793) было основано на реальных событиях. Художник бывал у одного из вождей якобинцев Ж.П. Марата, видел, как он работал, находясь в ванной, потому что страдал от кожной болезни. Спустя полтора месяца после переворота якобинцев 13 июля 1793 г. Марат был заколот в своей квартире дворянкой по имени Шарлотта Корде. Не являются вымыслом художника залатанные простыни, ящик, заменяющий стол, однако сам Марат, обезображенный болезнью, под клетью художника превращается в настоящего античного героя.

На протяжении всех революционных лет Давид пишет портреты современников, обратившись к жанру, чрезвычайно значимому для Просвещения. Мастера интересуют психологическое состояние модели, ее социальное положение. Давид был придворным живописцем Наполеона Бонапарта. Он создал такие картины, как «Коронование императора Наполеона I и императрицы Жозефины» (1806 – 1807), «Присяга армии Наполеону после раздачи Орлов на Марсовом поле в декабре 1804 г.» (1810), портреты императора.