Студопедия

КАТЕГОРИИ:

АвтомобилиАстрономияБиологияГеографияДом и садДругие языкиДругоеИнформатикаИсторияКультураЛитератураЛогикаМатематикаМедицинаМеталлургияМеханикаОбразованиеОхрана трудаПедагогикаПолитикаПравоПсихологияРелигияРиторикаСоциологияСпортСтроительствоТехнологияТуризмФизикаФилософияФинансыХимияЧерчениеЭкологияЭкономикаЭлектроника



Театральный костюм, его история и особенности.




Читайте также:
  1. X. Одичание и история
  2. X. Одичание и история
  3. X. ОДИЧАНИЕ И ИСТОРИЯ
  4. X. Примитивизм и история
  5. XVI. ТАИНСТВЕННАЯ ИСТОРИЯ В ОТДЕЛЕНИИ ГОСБАНКА
  6. XXIII. ТАИНСТВЕННАЯ ИСТОРИЯ В ОТДЕЛЕНИИ ГОСБАНКА
  7. А) це був той костюм, котрий я купив у Парижі
  8. АЕ: А как вы считаете, история любви Никки и Хелен еще долго будет «жить» в британском обществе? Влиять на взгляды людей?
  9. Биография Сталина и история страны: 1879–1938
  10. Биография Сталина и история страны: 1938–1943

Возникновение театрального костюма как такового своими корнями восходит к древности. С давних времен существует театральный костюм в театре Древнего Востока. В Китае, Индии, а также Японии классический театральный костюм носит символический и условный характер. В театре также имеет значение символика украшений, узоров на ткани и цвет.

Костюмы в театре обычно создаются для каждого представления и для определенного актера, но бывают и такие театральные костюмы, которые являются неизменными и в общих чертах одинаковыми для всех трупп.

Европейский театральный костюм впервые появился в Древней Греции, где, как всем известно, и зародился театр как таковой и в последующем развился и, претерпевая множество изменений, превратился в современный. Основным в греческом театре был костюм, повторяющий повседневную одежду греков. Также для театрального представления были необходимы большие маски с различной мимикой, чтобы зрителям издалека были видны эмоции актеров и обувь на высоких подставках - котурнах. Каждый костюм в греческом театре имел особый цвет, например, указывал на принадлежность к определенному роду деятельности или положению. Театральный костюм менялся в зависимости от замысла пьесы.

Здесь стоит раскрыть суть понятия «театральный костюм».

В Большой советской энциклопедии приводится следующее определение: «костюм в театре (от итал. Costume – обычай) – один из важных компонентов оформления спектакля — одежда, обувь, головные уборы, украшения и др. предметы, которые используются актёром для характеристики сценического образа, создаваемого им на основе общего режиссёрского замысла; необходимое дополнение к костюму — грим и причёска»[http://dic.academic.ru/dic.nsf/bse/99078/Костюмhttp://dic.academic.ru/dic.nsf/bse/99078/Костюм] Костюм в театре является особой областью творчества художника, в которой он может воплотить огромное количество образов, передать характер персонажа. Театральный костюм формирует представление зрителя о личности персонажа, помогает проникнуться духом той эпохи, понять характерные черты, отраженные во внешнем облике актера.

Театральный костюм по определению Захаржевской Р.В.- это «составная сценического образа актера, это внешние признаки и характеристика изображаемого персонажа, помогающие перевоплощению актера; средство художественного воздействия на зрителя»[].



С течением времени в театре сложились три основных вида театрального костюма: персонажный, игровой и одежда действующего лица. Они существовали с самого появления театра, хотя им и не были даны четкие определения, сохранились эти виды костюмов и до сегодняшнего современного театра.

«Персонажный костюм это изобразительно-пластическая композиция, являющаяся частью образа актера- исполнителя. Костюм является неотделимой частью персонажа, приводится в движение и озвучивается актером»[http://www.krugosvet.ru/enc/kultura_i_obrazovanie/teatr_i_kino/KOSTYUM_TEATRALNI.html]. Примитивные прообразы персонажного костюма были неотъемлемой составляющей обрядов и ритуалов во многих странах мира. Иногда костюм может полностью скрывать фигуру актера.

Игровой костюм - это средство преображения внешнего вида актера и важный элемент исполнения роли. В обрядовых и фольклорных представлениях игровой костюм чаще всего носил гротесково-пародийный характер, например, когда нужно было подчеркнуть, высмеять, парадировать или указать на нелепость ситуации. Мужчин переодевали в женщин, и наоборот, люди изображали разных животных. Для изготовления такого костюма пригодны любые материалы, которые могли подчеркнуть образ персонажа. Использовали различные материалы и предметы одежды: шапки - ушанки, тулупы, кожухи, различные искусственные украшения, бусины, бубенцы.



Костюм, как одежда действующего лица, является основным в спектакле, именно на основе этого костюма создаются костюмы персонажные и игровые. В театре всегда находила отражение современная мода. Например, в практике театра часто использовали костюмы подобные одежде того времени, в период которого показывался спектакль. Начало такой прием берет еще со времен древнегреческого театра и присутствует в театре до сегодняшнего дня. Создание данного типа костюма осуществлялась на основе движения от формы приближенных к внешнему виду одежды (в театре возрождения) к большему сходству с историческими, национальными костюмами, достижению точности и подлинности. Позже, в театре натурализма костюма начинает полностью соответствовать характеру персонажа, передает с наибольшей точностью его душевное состояние, внешний облик все четче передает составляющие образа. Костюм всегда был и остается особой областью творчества художников, которые прорабатывают и изобретают не только фантастические костюмы, но даже, казалось бы, из самой обычной бытовой одежды создают поистине произведения искусства.

Театральный костюм является важной и неотъемлемой частью любого театрализованного представления. Театр, пожалуй, самый публичный вид искусства, а значит и рассчитан в большей степени на эффектность. Обычно выходя из зала, зрители так характеризуют представление: это было зрелищно, отличная актерская игра, замечательные декорации, отличная постановка. Из всего этого мы видим, что почти все стороны театрального представления затронуты работой художника.



Во времена фольклорных представлений и обрядов мастерами костюмов являлись безымянные мастера, часто скоморохи самостоятельно придумывали себе наряд и воплощали его в жизнь подручными, недорогими и доступными средствами. Театр не всегда был публичным, формировался он в этом направлении достаточно долго. Профессиональных актеров было мало, и представления осуществлялись в основном актерами-самоучками. Законы, защищавшие обеспеченные слои общества, знать и землевладельцев, боролись с бродягами, в том числе и актерами, чтобы пресечь побеги от работы с низкой заработной платой, это мешало росту профессионалов в театре.

В эпоху феодализма искусство театра отражается в представлениях бродячих артистов. Костюм в их представлениях выглядел так же, как костюм их современников из бедных слоев населения, но был украшен яркими лентами и бубенцами. В это время возникают представления, называемые мистериями, характерной чертой постановок была пышность, яркость, декоративность, также они не делились на акты и моралите. Спектакли становятся придворным зрелищем, красивым и увлекательным. Декорация присутствовала одна, которая не менялась на протяжении всего представления, в отличие от современного театрализованного представления. Основным требованием к театральному костюму в мистерии было богатство, роскошь, причем неважно для главных или второстепенных ролей, костюм был условным, избегал детализации. Костюм для моралите был более скромным в силу назидательного содержания.

Как и все виды искусства, огромный скачек в развитии театра произошел в эпоху Возрождения, вместе с тем претерпел значительные изменения и театральный костюм, на что сильно повлияла мода того времени, а также сценография. Актеры комедий высмеивали обидчиков, давали остроумную, меткую и иногда злую характеристику героям представлений. Позже, во второй половине ХVI века костюм в театре стал близким аристократическому стилю в одежде, в зависимости от роли это мог быть наряд шутовского содержания. Театральными костюмами уже занимались умельцы, получившие образование: портные, художники, декораторы, на эти профессии появлялся спрос.

Основным жанром классического театра в XVII веке была трагедия, актеры облачались в костюмы, повторяющих бытовую одежду придворных и слуг, на оформление пьесы влияли вкусы и интересы аристократии. Людовик XIV в 1662 своим выступлением на празднике в Версале дал распространение в европейском театре новому виду костюма для трагических героев на сто лет вперед, появившись в стилизованном «римском» костюме, созданном на основе придворного костюма с добавлением кирасы и короткой юбочки. Женские костюмы были отражением современности, однако, более украшенными и расшитыми, чем в быту.

Во всех трудах по истории костюма, выделяется период Мольера, а так как мода всегда находила отражение в театре, этот период и для театрального костюма стал значимым. В театральном костюме стали проявляться реалистичные тенденции, Мольер в своих постановках облачал актеров в современные костюмы разных слоев населения. Важным достижением в развитии театрального костюма был отказ от вычурности и пышности актером Д. Гарриком, он стремился свести костюм к соответствию исполняемой роли, раскрытию характера героя, помогающий понять его сущность.

Для нашей работы особенно интересен вклад Вольтера в историю театрального костюма – стремление к исторической, национальной и этнографической точности. Отказ от пудренных париков, массивных драгоценных украшений, в чем его поддержала актриса Клерон. В процессе реформы, видоизменился стилизованный «римский» костюм, отказавшись от традиционной тоннеле, ушла чрезмерная пышность, стесняющая движения.

В XVIII веке костюм окончательно меняется, порывая со старыми традициями костюм, становится исторически достоверным и выполняется по эскизам художников, уделяется большое внимание гриму, прическе, однако историческая точность достигается лишь в отдельных деталях. Только к XIX веку в связи с развитием режиссерского искусства костюм стремятся связать с замыслом пьесы, соблюдают дух эпохи в создании спектакля. Известно, что драматурги лично принимали участие в постановке пьесы и следили за соблюдением сюжета, также они брали на себя ответственность за эскизы декораций и костюмов, привлекая в помощь известных художников. Среди авторов эскизов костюмов Э.Делакруа, П. Гаварни, П. Деларош Л. и К. Буланже, А. Девериа и др. В этот период с особым трепетом относились к достоверности и точности, хотя добивались ее далеко не все.

В Англии, исторической точности театрального костюма уделяли большое внимание актер У.Ч. Макреди, актриса Э. Вестрис. Некоторые режиссеры в исторических спектаклях старались точно изобразить место действия, воссоздать костюмы в точном соответствии тому времени, уделялось большое вниманию гриму и прическе. Естественно, что такое целенаправленное стремление к подлинности, историчности и точности не могло не привести в всплеску отрицания. К концу XIX века многие видные режиссеры и художники стремятся отринуть рутину натурализма и борются с реализмом в искусстве, что приводит к возврату условности и стилизации. Это происходило, потому что считалось, что театр должен нести в жизнь что- то новое, сказочное, не реальное, а не повторять обыденность человеческой жизни.

Позже, уже к началу ХХ века театральными костюмами начинают заниматься именитые и известные художники, привнося в этот вид искусства отражение своего творчества, формируя законы выполнения костюма, работая первооткрывателями. На современном этапе развития театрального искусства художники стремятся не только отразить в своих работах замысел пьесы, но и сделать театральные костюмы самостоятельным произведением искусства, выразиться, дать себе волю к фантазии, проявить свое видение творчества.

Из истории театрального костюма мы видим, как ревностно относились к этому виду искусства художники, поэтому важность роли театрального костюма в искусстве не подвергается сомнению. В нашем исследовании мы уделили особое внимание следующим художникам, занимавшимся созданием эскизов для театрализованных представлений: Л.Бакст, А.Бенуа, Н. Рерих, А. Экстер (см. приложение №1). На протяжении всего времени развития театрального костюма мы видим, как знаменитые художники и безымянные мастера трудились над созданием художественного образа, представляли даже из обычного костюма творения искусства, работали творчески, стараясь каждой деталью поведать зрителю о неповторимости и важности данного персонажа. Театральный костюм является сплавом множества искусств, в его создании участвует множество мастеров разной направленности, один создает эскиз, второй декорирует вышивкой, третий занимается аксессуарами и бутафорией. Существуют определенные этапы работы над созданием театрального костюма.

Перед тем как приступить к созданию театрального костюма, художник должен задаться вопросом: что ему нужно создать, для кого и как? Ответы на эти вопросы подразумевают у опытного художника знания об атмосфере и образе спектакля, наличие ответственности перед зрителями и отличное знание аудитории, а также знание всех приемов и техник, с помощью которых он сможет все выразить. Несмотря на то, что театральный костюм является самостоятельным произведением искусства, он, как и все в спектакле, подчинен общему сюжету. Идея, замысел находится в центре всего, диктует содержание каждого персонажа, его социальный статус, нравственную сторону его личности и соответственно его внешний облик, ведь все это взаимосвязано. В театральной практике выделяют три этапа работы над созданием костюма: работа с литературой, накопление материала по общей теме спектакля, работа над эскизом и, наконец, выполнение эскиза в материале, воплощение в фактуре. При решении общего костюмного оформления спектакля, при выборе техники в работе над эскизами костюмов, и даже при выборе материала и фурнитуры художник по костюму руководствуется главной идеей спектакля. Идея, выраженная в сценарии, подчиняет себе все: костюмы, декорации, характеристики героев.

Важным условием в работе художника по костюму – добиться единства идеи спектакля и ее воплощения. Важным в театральном костюме является создание сценического образа. Сценический образ в театральном костюме состоит из режиссерского замысла, драматургической основы, динамики, ритма. Динамика образа и эволюция характера персонажа и всего происходящего на сцене побуждает художника несколько раз менять внешность актера на сцене, причем не только костюм, но и грим и прическу. Костюм должен помогать доносить зрителю малейшее изменение в образе актера.

Костюм самая важная часть театрализованного представления, ведь он ближе всего связана с актером. Не стоит забывать, что костюм является внешним выражением характера персонажа, неотъемлемой частью сценического образа и создает особую атмосферу вокруг актеров, важную не только для исполнения роли, но и для зрителей. Нередко есть черты персонажа, оставшиеся в подтексте пьесы, зрители узнают о них по костюму и его отдельным деталям. Иногда костюм должен сливаться с образом, создаваемым актером, но бывает и так, что выступает противоречием персонажу. Например, в самом начале спектакля, мы видим актера, изображающего хорошего человека, ведет он себя прилично и высоконравственно, но костюм его настораживает зрителя, и действительно, к концу пьесы он оказывается злодеем или предателем. Также, занимаясь работой над эскизами, не стоит забывать об индивидуальности актера, многогранности и сложности его характера.

Таким образом, выразительными средствами театрального костюма являются следующие характеристики:

-художественный сценический образ состоит из режиссерского замысла, драматургической основы, динамики, ритма.

- является самостоятельным произведением искусства

- стремится к исторической, национальной и этнографической точности

- является внешним выражением характера персонажа;

- рассчитан в большей степени на эффектность.

 

 


Дата добавления: 2015-09-13; просмотров: 276; Нарушение авторских прав







lektsii.com - Лекции.Ком - 2014-2021 год. (0.011 сек.) Все материалы представленные на сайте исключительно с целью ознакомления читателями и не преследуют коммерческих целей или нарушение авторских прав
Главная страница Случайная страница Контакты