ИСКУССТВО ДРЕВНЕЙ ГРЕЦИИ

Древняя Греция, или, как она звучит на греческом, Эллада, подарила миру великое античное искусство. Античным искусством также называют искусство Древнего Рима и тех стран и народов Древнего мира, которые развивались под влиянием древнегреческой традиции. Античная цивилизация (1-е тыс. до н.э. – V в. н.э.) стала основой последующего развития всей европейской культуры.

Расцвет античной цивилизации совпал с упадком египетской цивилизации. Античное искусство не было столь религиозным, как древнеегипетское. Греки гордились своим демократическим строем, предполагающим активность каждого гражданина и равную ответственность всех граждан: он возвеличивал свободную гражданскую личность.

Чувство меры, гармонии и симметрии было присуще мироощущению древних греков. Изобразительное искусство считалось одним из видов ремесла, при этом художники пользовались почетом как искусные мастера своего дела.

Основные периоды развития искусства Древней Греции: архаика (VIII – VI вв. до н.э.), классика (V – первые три четверти IV в. до н.э.), эллинизм (конец IV – I в. до н. э.). Греческую классику принято делить на раннюю (первая половина V в. до н.э.), высокую (вторая половина V в. до н.э.) и позднюю (конец V – IV в. до н.э.).

Древнегреческое искусство не мыслилось иначе, чем в ансамбле: архитектура, скульптура, вазопись, живопись, изделия прикладного искусства дополняли друг друга, создавая художественный образ эпохи. Художники постигали красоту, изучая человеческое тело. В его строении, движениях они открывали закономерности пропорций, ритм и равновесие. Для эллинов прекрасный человек был главной темой искусства.

Одним из основных источников сведений об античной эпохе являются поэмы «Илиада» и «Одиссея». Их авторство приписывают слепому странствующему певцу Гомеру, который жил в XII – VII вв. до н.э. Ученые считают, что они были записаны примерно в IX – VI вв. до н.э. В них широко представлены образы греческих богов-олимпийцев.

Мифологическая основа древнегреческого искусства. Мифология была источником, постоянно питавшим греческое искусство. В мифах воплотились представления древних греков об устройстве мира и о его правителях. Мифологические титаны и боги наделялись сверхъестественными способностями. Древним грекам казалось, что от богов зависит весь ход жизни. Считалось, что они присутствуют всюду: на земле, воде, небе, деревьях и в горах.

Титаны и титаниды были детьми бога неба Урана и богини земли Геи. Первоначально их было двенадцать: шесть братьев (Океан, Кой, Крий, Гиперион, Иачет, Кронос) и шесть сестер (Тейя, Рея, Мнемосина, Феба, Фемида, Тефида). Позднее к ним стали причислять и их потомков, например Прометея, сына Иапета. Титан Прометей почитался за то, что принес людям огонь, раскрыл им секреты различных ремесел и искусств. Прометей стал воплощением отваги и стойкости, воли к свободе и человеколюбия.

Борьба титанов с Зевсом и другими богами Олимпа издавна вдохновляла художников, писателей и музыкантов. Образы греческих богов запечатлевали на барельефах, в росписях ваз и стен. В их честь устраивали праздники, возводили храмы, высекали статуи, пели гимны.

Зевс – сын Кроноса и Реи, верховный бог, повелитель всех небожителей и смертных. Остальные боги должны были подчиняться ему, хотя делали это не всегда охотно. Зевс изображался в виде красивого бородатого мужчины во цвете лет, иногда на троне. Его взгляд был преисполнен гордого сознания собственной несокрушимой силы. Символами величия и силы Зевса были щит, скипетр и громовые стрелы, иногда орел. В представлении древних греков этот бог неба и света посылал людям гром, молнии и дождь.

Гера – жена Зевса, покровительница брака. Атрибутом Геры был павлин. Ее изображали в виде высокой, величавой женщины в венце или диадеме.

Арес – сын Зевса и Геры, свирепый, беспощадный бог войны, ненавистный даже своему отцу. Обычно Арес изображался сильным молодым мужчиной в шлеме, с щитом в руке, в исходной позиции для выпада. Гомер в «Одиссее» рассказывает, что Арес был возлюбленным прекрасной Афродиты.

Гефест – сын Зевса и Геры, бог огня, покровитель кузнечного ремесла, изображался широкоплечим и хромым. Гефест был супругом Афродиты. Гефест в своей мастерской – излюбленный сюжет живописи.

Афродита – богиня любви и красоты, которая согласно мифам родилась из морской пены. Ее изображали цветущей женщиной с длинными кудрявыми волосами, иногда вооруженной, в ранний период – в одеянии, а с IV в. до н.э. обнаженной. Любимым местопребыванием богини был Кипр. По преданию, всюду, где она появлялась, под ее ногами вырастали прекрасные цветы. Красоте Афродиты покорялись все – боги, люди и даже звери.

Гермес – сын Зевса, бог пастбищ и стад, торговли, дорог, вестник богов. Как бог скотоводства изображался с бараном на плечах (в христианстве это изображение стало символом доброго пастыря), как покровитель странников и вестник богов – в дорожной шляпе и в крылатых сандалиях.

Деметра – богиня земли, земледелия и плодородия. Ее представляли в виде красивой женщины в венке из колосьев, с мягкими чертами лица и волосами цвета спелой пшеницы, держащей корзину плодов, колосья и факел. В мифе о Деметре отражена извечная борьба жизни и смерти, поэтому ее изображали скорбящей матерью или старухой, оплакивающей дочь Персефону, похищенную Аидом.

Аид – владыка царства мертвых, брат Зевса и Посейдона. Изображали Аида могучим мужем, восседающим на троне с двузубцем или жезлом в руке. У его ног обычно лежал трехглавый пес Кербер (Цербер). Аид был обладателем волшебного шлема, делающего его невидимым. Этим шлемом пользовались Афина и Персей, добывший с его помощью голову горгоны Медузы.

Аполлон – лучезарный бог искусств, грозный стреловержец, охранитель жизни и порядка. Колчан со стрелами, лира и лавровый венок – его непременные атрибуты. Золотые стрелы Аполлона не знают промаха и летят на огромное расстояние, подобно лучам солнца. Он – бог-прорицатель, потому что солнце, освещая небо и землю, видит все, что там происходит. Аполлон – самый прекрасный из богов; победитель тьмы и злых духов; покровитель красоты. Он бог гармонии и искусств, прежде всего музыки и пения, предводитель муз, богинь искусства. Никто из олимпийцев не мог превзойти его в игре на музыкальных инструментах.

Артемида – дочь Зевса, сестра Аполлона, богиня луны, покровительница животных и охоты. Артемида изображалась красивой девушкой с луком и стрелами или в длинной одежде с факелом в руке.

Дионис – бог растительности, покровитель виноградорства и виноделия. Первоначально изображался пожилым, бородатым мужчиной, позднее – прекрасным юношей с гроздью винограда в руках. Культ Диониса выражал радостное, праздничное, эмоциональное начало в искусстве в отличие от гармонического, строгого и разумного начала, которое олицетворял бог Аполлон.

Посейдона, бога морей, представляли в виде крепкого обнаженного бородатого мужчины с трезубцем в руках, порой на морской раковине, запряженной морскими конями. Наиболее известным является изображение спора Посейдона с Афиной в западной части Парфенона.

Музы – девять дочерей Зевса и богини памяти Мнемосины – были покровительницами искусств и наук. Это прекрасные богини, с чистыми сердцами, дивными голосами. Они пели на пирах Олимпа нежные песни. Музам воздавались большие почести, и культ их был распространен повсюду. Каждой из них придали особенные черты и отвели определенный круг деятельности.

Клио – муза истории, изображалась со свитком пергамента в руке.

Каллиопа – муза эпоса, держит в руках навощенные дощечки или свисток и палочку для письма.

Мельпомена – муза трагедии. Ее атрибуты: трагическая маска, котурны, венок из плюща и виноградные листья в знак того, что трагедии разыгрывались впервые на празднествах Вакха (Диониса), а также палица или меч.

Талия – муза комедии. Комическая маска, венок из плюща, пастуший посох, музыкальный инструмент, напоминающий гусли, – ее обычные принадлежности.

Терпсихора – муза танцев. Она увенчана лаврами и ударяет по струнам большой лиры наподобие арфы, вдохновляя этими звуками танцующих.

Эрато – муза любовной поэзии и мимики, она держит в руках легкую, небольшую лиру.

Евтерпа – муза лирической поэзии и музыки, изображалась всегда с флейтой.

Полигимния (Полимния) – муза красноречия и гимнов, у нее нет никаких атрибутов, ее легко узнать среди сестер по задумчивому взгляду. Она закутана в одежды и опирается о скалу.

Урания – муза астрономии, у ног ее находится глобус, а в руках она держит палку-радиус, который употреблялся древними астрологами.

Так же как и остальные боги, музы имели свои храмы. Один из них – храм Муз, или Мусейон, был крупнейшим художественным и научным центром всего греческого мира. Подобные учреждения создавались и в других странах и послужили основой современным музеям.

Рассказывали греческие мифы и о выдающихся героях, совершающих подвиги ради людей, например, таких, как Одиссей, Геракл, Персей, Ахилл, Ясон, Эдип, Тезей и др. Они не обладали бессмертием богов, но отличались сверхъестественной физической силой, бесстрашием, мужеством. Многие из них – дети богов и смертных женщин.

Орфей – сын музы Каллиопы и Аполлона, величайший певец и музыкант. Он почитался как герой, так как у греков героями считались не только те, кто побеждал в бою, но и великие артисты, музыканты, художники. Его мелодичный голос и чарующая игра на лире оказывали чудесное воздействие.

Согласно мифу корабль «Арго» сам спустился на воду, очарованный игрой Орфея; деревья и скалы наклонялись, чтобы лучше слышать божественного музыканта; реки переставали течь; дикие звери становились внезапно ручными и ложились у его ног. Во всей природе воцарялись мир и согласие.

Орфей прославился не только своим искусством, но и преданной любовью к молодой жене Эвридике.

Отличительная черта древнегреческой мифологии – очеловечивание образов богов и героев. В них греки воплощали свое представление о совершенном человеке, о господстве разума, закона, гармонии.

Архаика

Архаика (середина VIII– конец VI в. до н.э.) – период образования греческих полисов – рабовладельческих городов-государств. В архаический период возникли основные виды и формы греческого искусства. В эту эпоху создавались массивные, монументальные каменные постройки и условные застывшие в одинаковых позах каменные статуи. Произведения живописи и рельефы, темами которых являлись мифологические сюжеты, отличались плоскостным характером и декоративным геометрическим рисунком. Сохраняя монументальность и целостность, греческое искусство эпохи архаики постепенно приобрело яркие самобытные черты.

Архитектура.Эстетический канон в древнегреческом искусстве строился на сочетании красоты и гармонии. Художники искали математически выверенные пропорции тела человека, а зодчие – архитектурного сооружения.

В архаический период был создан основной тип древнегреческого храма – периптер (прямоугольное в плане здание с колоннадой вокруг него).

Архитектура храма основана на ясной и целесообразной тектонике несущих и несомых частей. Его художественный строй отмечен торжественной строгой простотой и гармонической законченностью. Храм богато украшался скульптурами. На восточной стороне обычно располагалась статуя божества, которому был посвящен храм. Знаменитый периптер дорического ордера – храм Гефестейон в Афинах (V в. до н.э.).

Одним из величайших достижений греческих архитекторов было изобретение ордерной системы. Ордер в классической архитектуре – порядок соотношения несущих и несомых частей здания, представляющий собой архитектурно-художественный образ стоечно-балочной конструкции. Ордер делится по вертикали на три основные части: опору, несущую и несомую системы. Опора может существовать в виде подия[8] под колоннами – многоступенчатого стереобата[9], но может быть оформлена иначе. Несущая система – это стена или колонна. Несомая система – это антаблемент, находящийся сверху. Он представляет собой архитектурный образ системы горизонтальных балок и в свою очередь делится по вертикали на три части: нижняя – архитрав, лежащий на капителях[10] колонн или на стене; средняя – фриз; верхняя – выступающий вперед и завершающий систему карниз. В архитектуре Древней Греции сложились ордера, различавшиеся по стилю: дорический, ионический, коринфский.

Дорический и ионический ордера возникли в период архаики. Дорический ордер получил распространение на материковой Греции, а ионический был связан с культурой островной и малоазийской Греции. Дорический ордер встречается в храмах Геры в Олимпии, Аполлона в Коринфе, Деметры в Посейдонии и др. Постройки ионического ордера – храмы Артемиды в Эфесе, Геры на острове Самос, а также (с некоторыми изменениями) храмы в святилище в Дельфах.

Дорический ордер - самый прочный и тяжелый на вид. В этом ордере колонна не имеет базы и стоит прямо на стилобате[11]. Ее пропорции обычно приземисты и мощны. Одна треть колонны имеет энтазис - равномерное утолщение, которое создает ощущение упругого сопротивления тяжести антаблемента. Колонна состоит из сужающегося кверху ствола, прорезанного желобками (каннелюрами), и капители, _:завершающей ствол. Капитель составляют эхин - круглая каменная подушка и абака – квадратная невысокая плита, принимающая давление антаблемента. Дорическую колонну принято сравнивать с образом героя, а сам ордер символизирует его силу. Этот ордер как «тяжелый» помещался преимущественно внизу архитектурного сооружения.

Архитрав дорического ордера – гладкий. Фриз украшают триглифы и метопы. Триглифы по своему происхождению восходят к выступающим торцам деревянных балок и разделены на три полосы вертикальными желобками. Метопы – прямоугольные плиты – заполняют промежутки между триглифами. На поверхности метопы обычно помещается рельефный декор, который в архитектуре античной Греции носил характер сюжетной сцены, но впоследствии свелся к декоративному мотиву. Антаблемент завершается карнизом.

Ионический ордер занимает среднее положение между дорическим и более легким коринфским ордером. Он сложился к концу VII в. до н.э. Колонна ионического ордера выше и тоньше по своим пропорциям, чем дорическая колонна. Ионическая колонна символизирует грациозность женщины. Она имеет базу, а эхин ее капители образует два изящных завитка – волюты. Архитрав разделен по горизонтали на три полосы, отчего кажется легче. Фриз сплошной лентой опоясывает весь антаблемент. Карниз богато декорирован. Коринфский ордер - самый легкий из трех ордеров греческой системы (возник в V в. до н. э., в эпоху классики). Коринфская колонна еще тоньше и стройнее, чем ионическая. Ее можно сравнить с образом прекрасной девушки. Увенчана колонна коринфского ордера пышной корзинообразной капителью с растительным орнаментом из листьев аканта. В многоэтажных постройках этот ордер располагали сверху.

Ордер был общей системой правил и эстетических норм, но древние зодчие при возведении каждого храма применяли их творчески. Строители учитывали цели постройки, согласовывая ее с окружающей природой или с другими зданиями архитектурного ансамбля.

Греческие мастера тщательно выбирали место для строительства храмов, с удивительным мастерством добивались единства архитектуры и окружающего ландшафта. В эпоху архаики стали строить большие святилища: Аполлона в Дельфах, Геры в Олимпии, где обряды совершались на основе древнейших ритуалов. Постепенно эти святилища превратились в крупные центры искусства.

Скульптура эпохи архаики была тесно связана с архитектурой. Она обычно украшала религиозные комплексы и фронтоны зданий. Живопись тоже предназначалась для украшения архитектуры – расписывались стены, рельефы, статуи.

а б в

Греческие архитектурные ордера: а – ионический; б – дорический; в – коринфский

Распространенное представление, будто греческие храмы всегда были белыми, на самом деле ошибочно. Как дорические, так и ионические храмы, строившиеся в период архаики в основном из известняка, раскрашивались красным и синим цветами в соответствии с архитектоникой сооружения.

Архитекторы Древней Греции учитывали свойства строительных материалов в применении к особенностям конструкции здания. Первоначально храмы сооружались из дерева и сырцового кирпича, а с конца VI в. до н. э. – из мрамора.

Наряду с храмами строились различные общественные сооружения: дома для собраний, стадионы, театры и др.

Древнегреческие архитекторы использовали для строительства театра естественный склон холма, на котором один над другим уступами были расположены зрительные ряды. Театр сооружался без крыши и состоял из трех основных частей: орхестры - круглой площадки, где выступали актеры, танцоры и хор, театрона - мест для зрителей и скены – строения для переодевания актеров, хранения реквизитов и т.д. Театры были достаточно большими сооружениями, вмещавшими несколько тысяч человек.

Скульптура. Сложными путями развивалась архаическая скульптура. Вплоть до середины VI в. до н.э. создавались строго фронтальные статуи богов, словно застывшие в торжественном покое. Таковы статуи «Артемида» с острова Делос и «Гера» с острова Самос.

Лица греческих скульптур не передавали индивидуальных черт, так как они изображали не конкретных людей, а воплощали обобщенные образы, обладающие духовной красотой, портреты героев и богов. К греческому типу лица можно отнести следующие черты: правильный овал, прямая линия носа, продолжающая линию лба; продолговатый разрез глаз; полные выпуклые губы, причем верхняя губа тоньше нижней; подбородок крупный и круглый; волнистые волосы мягко и плотно облегают голову, не скрывая правильной округлой формы. Лицо озаряет знаменитая «архаическая улыбка», выражающая состояние жизнерадостности и уверенности, которым проникнут весь образный строй статуй.

Архаический Аполлон всегда молод, ведь только в этот период жизненные силы находятся в полном расцвете. Он обнажен, стоит прямо, но одна нога выдвинута вперед, словно готовясь к движению. Анатомическое строение фигуры показано четко и обобщенно. Лицо лишено индивидуальности, углы рта чуть приподняты, взгляд ничего не выражает. Для архаических скульптур использовался желтоватый мрамор с зернистой поверхностью, дающий нежные переходы светотени. Это создавало впечатление живого тела, казалось, что скульптуры дышат.

Знаменательно, что уже в архаический период скульптурные изображения богов практически не отличаются от скульптур людей. Архаические Аполлоны и куросы (атлеты и воины) похожи друг на друга. Художники искали средства для создания типических прекрасных образов человека, органически объединяя частное и общественное, жизненное и идеальное.

Излюбленным образом греческих художников был обнаруженный стройный юноша-атлет. Можно с уверенностью сказать, что греческая скульптура родилась на стадионе – там с победителей лепили статуи. По правилам все должны были быть нагими.

Скульптуры, росписи на стенах и вазах помогают нам представить, как одевались древние греки. И женщины и мужчины носили хитоны – простую одежду из куска льняной ткани (зимой из шерсти), задрапированную и сколотую на плечах специальными пряжками – фибулами. Несмотря на богатство отделки, хитон был домашней одеждой, и выходить в нем на улицу считалось неприличным, поэтому поверх хитона надевали плащ пеплос. По форме и способу драпировки пеплос напоминал хитон, но был длиннее и с большим количеством складок.

Молодые прекрасные девушки – коры - изображались в хитонах и пеплосах, так как красота обнаженного женского тела еще не воспевалась в искусстве. Рассмотрим статую коры в старинном хитоне, изящно задрапированном складками. Хотя мелкие складочки переданы условно, орнаментально, они имитируют мягкое волнообразное движение материи. Сложная прическа и головной убор также изображены орнаментально. Скульптор удачно использовал мрамор разного цвета для фигуры и одежды.

Большинство знаменитых древнегреческих статуй известно нам по римским копиям, имеющимся во многих музеях мира. Однако копии далеко не всегда передавали

Курос. Статуя

красоту оригиналов. Греческая скульптура дошла до нашего времени частично, в основном в обломках и фрагментах. Однако следы, нанесенные прошедшими веками, даже придали ей какую-то особую поэзию. Взор пустых глазниц, утративших вставные зрачки, стал волнующе-таинственным. Когда-то волосы мраморных девушек подкрашивали золотистым цветом, щеки розовым, глаза синим. Но яркие краски стерлись, открыв естественную красоту белого мрамора. Остатки скульптур и обломки архитектуры заставляют живее работать воображение, дорисовывать нарушенную картину, представлять то, что когда-то было.

Со второй половины VI в. до н.э. в скульптуре начали более последовательно выступать реалистические тенденции в изображении человека, свидетельствуя о приближении глубоких перемен в общественной жизни и художественной культуре Греции.

Вазопись.Подлинные произведения древнегреческой живописи до нас почти не дошли. В архаический период одной из самых развитых областей искусства была вазопись.

Развитие вазовых росписей шло от строгого геометрического стиля, возникшего в доархаический период. Схематические фигурки, напоминающие знаки, длинными рядами заполняли всю поверхность, образуя причудливый декор. Особенно выделялся орнамент в виде изломанной под прямым углом линии – меандр. Он был похож на морские волны и мог бесконечно продлеваться в любую сторону. Роспись носила ритуальный характер. Например, на амфоре из Депилона (VIII в. до н.э.) изображено оплакивание покойника, лежащего на ложе. Черные силуэты человеческих фигурок с высоко поднятыми руками помещены в центре, а все остальное пространство заполняют геометрические узоры, расположенные рядами. Подобные амфоры достигали полутора метров в высоту, они служили надгробием. Похожая копия меньшего размера с пеплом покойного закапывалась в землю. Эти сосуды стояли на одной оси.

Позже (VII в. до н.э.) появился чернофигурный стиль вазописи. Большую роль при этом сыграли технические усовершенствования афинских гончаров. Для росписи сосудов они стали использовать черный лак и слегка подкрашивали охрой глину, которая после обжига приобретала ровный оранжево-красный цвет. Черные фигуры отчетливо выделялись на таком фоне. Детали фигур могли быть процарапаны или дорисованы белой и пурпурной краской. Постепенно на стенках сосудов стали изображать довольно сложные композиции (см. цв. вкл.). Поиски новых выразительных возможностей вазописи были продолжены в классический период.

Ранняя классика

Искусство ранней классики (первая половина V в. до н.э.) еще называют строгим стилем. Эта эпоха была периодом становления демократии в греческих полисах. Греция вела борьбу против могучей Персидской державы. Для строгого стиля характерно изображение сцен битв и напряженных драматических действий.

Архитектура.Выдающимся архитектурным памятником ранней классики стал величественный ансамбль святилища Зевса в Олимпии (468 – 456 гг. до н.э.). Храм был построен из известняка, его фронтоны и фризы были отделаны мрамором. Здесь находилась знаменитая статуя Зевса из золота, слоновой кости и дерева работы Фидия, считавшаяся одним из семи чудес света.

Дорический фриз храма украшали 12 метоп, впервые в искусстве Греции представлявших единый цикл – 12 подвигов Геракла. Сюжеты, где персонажи представлены в движении, в динамичных позах («Критский бык», «Чистка Авгиевых конюшен»), сочетаются с более лиричными сценами.

Интересны скульптурные группы на фронтонах: западный украшала сцена битвы лапифов с кентаврами, восточный – сцена состязания Пелопса и Эномая.

Мифические племена лапифов и кентавров были родственными: у их истоков стояли родные братья. Лапифы стали цивилизованным народом, а кентавры остались полулюдьми-полуконями. Кентавры изображены могучими стариками с длинными бородами. На свадьбе царя лапифов Пирифоя приглашенные кентавры, выпив вина, пытались похитить женщин, в том числе невесту. Лапифы вступили с ними в бой. Всей сцене присуща невероятная экспрессия. Бой становился тем ожесточеннее, чем дальше от центра фронтона, где находится Аполлон. Его прекрасное лицо полно решимости и силы, а резкий повелительный жест знаменует победу лапифов.

Битвы с кентаврами и амазонками были популярнейшими темами в греческом искусстве, в частности в храмовой скульптуре (Парфенон, Галикарнасский мавзолей и др.).

На восточном фронтоне изображен миф о царе Пелопоннеса Эномае, который во время состязания с женихами своей дочери в беге на колесницах убивал их копьем в спину, и Пелопсе, победившем царя и погубившем его. Характерно, что для воплощения на фронтоне выбран момент, когда все герои застыли в ожидании исхода состязания. Зрителю предлагалось задуматься: что значит власть? В чем смысл жизни, борьбы и победы? Эти вопросы звучали и в трагедиях Эсхила и Софокла, ставившихся тогда в греческом театре.

Начиная с 776 г. до н.э. в Олимпии в честь Зевса каждые четыре года стали устраивать Олимпийские игры, которые обычно проводились в июне – сентябре. На это время прекращались войны.

Среди архитектурных достопримечательностей Олимпии – развалины гимнасия, где атлеты готовились к Олимпийским играм, остатки стадиона, на котором проводились игры, и один из старейших греческих храмов – храм Геры. У подножия холма Пронос находится древнее святилище и музей, в котором хранятся реликвии, обнаруженные при раскопках на территории Олимпии. Это фрагменты фронтонов знаменитого храма Зевса Олимпийского, Ника скульптора Пэония, Гермес с младенцем Дионисом скульптора Праксителя и др.

Скульптура.Греки жили в окружении богов и героев, изваянных из мрамора и отлитых из бронзы. Статуи стояли в храмах и на площадях, возле них проходили шествия, праздники, спортивные игры. У скульптур ранней классики героические лица с выразительными профилями, «архаическая улыбка» исчезла, образы стали более строгими. Им как нельзя лучше соответствовала темная бронза (бронзовое литье появилось в Греции в VI в. до н.э.) – большинство статуй было выполнено именно из этого материала.

Одним из шедевров строгого стиля является статуя «Дельфийский возничий» (автор неизвестен). Юноша изображен в полный рост. Можно предположить, что он управляет квадригой (колесницей, в которую запряжена четверка лошадей), так как у него в руках поводья. На юноше длинный хитон, складки которого напоминают каннелюры колонн. Прекрасное лицо было проработано очень тщательно. Глаза инкрустированы, опушены бронзовыми ресницами. Ноздри и зубы возницы были покрыты серебром, а губы, – вероятно, золотом. Тщательно выверены пропорции фигуры. Возница стоит спокойно, но в этом спокойствии – сдержанная сила и энергия, концентрация воли перед состязанием на колесницах.

Героический идеал ранней классики получил яркое воплощение в бронзовой статуе Посейдона, готовящегося метнуть копье. Взгляд скульптуры очень выразителен благодаря инкрустации глаз смальтой. Живое, естественное движение значительно запечатлено в скульптуре «Мальчик, вынимающий занозу».

Мифологическая тема продолжает занимать ведущее место в искусстве рассматриваемого периода, но в образах богов, прежде всего раскрывается идеал красоты и силы реального человека. Характерный пример – рельеф с изображением рождения Афродиты из пены морской (так называемый «Трон Людовизи»). В симметричной композиции еще чувствуются отголоски архаического искусства. На боковых сторонах мраморного трона помещены обнаженная девушка, играющая на флейте, и женщина в длиной одежде перед курильницей. Особенно выразительна центральная композиция, где нимфы поддерживают выходящую из воды Афродиту.

Мирон. Дискобол

Облегающая ее тело влажная одежда ложится тонкими складками, напоминающими струйки воды. Точно передан характер встречного движения: нимфы склонились вниз, а богиня устремлена вверх.

Среди известных ваятелей ранней классики выделяется скульптор Мирон. Его работы реконструированы по римским копиям и описаниям античных авторов. Он создал много статуй юношей-атлетов. Мирон был мастером передачи мгновенных состояний. Ему даже удалось изобразить известного бегуна Лада, умершего в момент достижения победы. Статуя сделана с учетом особенностей зрительного восприятия искаженных пропорций: лицо юноши, если его рассматривать спереди, асимметрично, при этом голова расположена в сильном наклоне.

Метание диска издавна было очень распространенным в Греции видом состязаний. Скульптура Мирона Дискобол передает напряжение мускулов атлета перед броском: секунда – и диск полетит. Поза свидетельствует об огромной внутренней энергии. Дискобол показан обнаженным, так как на Олимпийских играх юноши состязались без одежд. Согласно преданию это вошло в обычай, когда один бегун сбросил с себя одежды, чтобы опередить соперников, и победил. Скульптура была отлита из бронзы, но до нас она дошла в виде римской мраморной копии. Мирону не было необходимости вводить уродливые подпорки под руками, у ног и между пальцами рук, которые обычно использовали для придания прочности мраморным копиям. Помимо прочности бронза обладала еще одним ценным качеством: ее темно-золотистый цвет соответствовал загару. К сожалению, большая часть дошедших до нас римских копий – мраморные, а не бронзовые, и поэтому не представляется возможным говорить о первоначальной моделировке формы, так как многое привнесено римскими копиистами. Очень выразительна скульптурная группа Мирона «Афина и Марсий», стоявшая на афинском Акрополе. В мифе рассказывается, что Афина, изобретательница флейты, бросила инструмент, потому что ее исказившееся при игре лицо рассмешило Афродиту и Геру. Она прокляла того, кто подниметфлейту, однако лесной божок Марсий поднял ее и научился виртуозно играть.

Афина глядит на флейту, собираясь уходить, а Марсия переполняют эмоции: он морщит лоб в некрасивой гримасе, откидывает руки и подпрыгивает, взмахивая конским хвостом. Тело его, тем не менее, стройно и атлетично. Мирон впервые так ярко сопоставляет два характера: сдержанность Афины и неукрощенный, страстный нрав Марсия. Эта скульптурная группа была, очевидно, последним произведением Мирона, которого считают создателем позднего строгого стиля.

Вазопись. Особого расцвета в период ранней классики достигла вазопись краснофигурного стиля. Фигуры стали обводить контуром и оставлять незакрашенными, а все остальное пространство покрывали черным лаком. Внутри красного силуэта прорисовывали тонкими линиями детали фигур, черты лица, прическу, складки одежды. Это позволило добиться более реалистического изображения, свободы движений и сложных ракурсов. На этих сосудах было меньше мифологических персонажей и больше бытовых сценок, точно схваченных художниками. Вазопись поражала разнообразием жизненных сюжетов, которые изящно сочетались с формой сосудов и орнаментом. Порой узорами украшали донца, горла, ручки, подчеркивали места перехода форм. Иногда мастера одну и ту же сцену на одной стороне изделия изображали в чернофигурном, а на другой – в краснофигурном стиле.

Афины были ведущим центром изготовления и росписи различных сосудов: амфор для масла и вина, кратеров для смешивания вина с водой (так было принято на греческих пирах), киликов для питья и др. Изображения строго были подчинены форме сосудов. Керамические изделия высоко ценились, существовал даже обычай писать на вазе имя ее создателей – гончара и живописца.

Евфроний. Пелика с ласточкой

Крупнейший из известных мастеров краснофигурной вазописи Евфроний создал замечательные по тонкости и красоте рисунка композиции. Такова «Пелика с ласточкой», на стенках которой изображена встреча весны юношей, мужчиной и мальчиком. Картинка обрамлена поясом чернофигурного орнамента.

Мастер Бриг, прекрасный рисовальщик, удачно разместил на дне килика жанровую сценку, назидательно повествующую о вреде злоупотребления вином. Брик прославился динамичными композициями и умением оживить рисунок деталями.

На вазе «Орфей, играющий на лире» показано, как четверо воинов слушают музыку Орфея. Склоненная фигура справа от Орфея ритмически соответствует крайней слева: здесь мы видим юношу, склонившегося к плечу соседа. В свою очередь фигура этого соседа, стоящего прямо, перекликается с фигурой воина, находящегося с правого края. Чередованием поз создается тонкий ритмический рисунок. Воздействие этого рисунка подобно музыке: чувства музыканта и слушателей передаются с помощью ритмических созвучий поворотов головы, положений рук, разнообразных линий.

Высокая классика

К середине V в. до н.э. искусство Греции вступило в полосу расцвета. Искусство зрелой классики отличают духовность и энергия. После персидских войн отстраивали города и возводили храмы.

Город Афины в эпоху высокой классики стал признанным центром культуры и искусства античного мира. В центре города был возведен замечательный памятник – Акрополь.

Архитектура и скульптура.Афинский Акрополь вызывал восхищение не только эллинов, но и соседних народов. Холм, где он стоит, очень высокий и крутой, с трех сторон отвесные скалы недоступны для подъема. Архитекторы мастерски использовали всю поверхность холма для создания уникального ансамбля. Акрополь был и укреплением, и святилищем, и общественным центром. Здесь хранилась государственная казна, помещались библиотека и пинакотека (хранилище произведений античной живописи).

Вход на Акрополь – это Пропилеи, массивные ворота, прерывающие величественными колоннами высокие крепостные стены. Планировка Акрополя на первый взгляд совершенно свободна, но в ней все продумано и выверено, симметричность заменена более сложными принципами равновесия. Справа от Пропилеи – небольшой храм Ники Аптерос, слева – приземистая и гораздо большая по размерам пинакотека. А на центральной площади справа – величественный Парфенон, слева – небольшой и изысканный Эрехтейон. Так обе стороны ансамбля уравновешиваются: Эрехтейон перекликается с храмом Ники, а Парфенон – с левым крылом Пропилеев.

Храм Ники Аптерос (Бескрылой Победы) стоит на выступе оборонительной стены Акрополя. Афиняне пожелали изобразить ее бескрылой, чтобы она не могла улететь из их города. Храм был обнесен балюстрадой – ограждением, состоящим из невысоких плит с рельефами сцен жертвоприношений. О мастерстве древнегреческих скульпторов можно судить, например, по сохранившемуся фрагменту «Ника, развязывающая сандалию». У фигуры Ники утрачена голова, но выразительность древнегреческой скульптуры заключалась не столько в лице, сколько в движениях тела, выявленных текучими линиями складок одежды. Совершенство пропорций рождает совершенный образ. Скульптор запечатлел краткий миг движения склонившейся фигуры богини. Живая естественность и лиризм образа Ники противостоят типичному для высокой классики величавому покою и открывают новые горизонты в развитии пластики.

Одним из символов культуры античной Греции, подлинным архитектурным шедевром является Парфенон. Это главный храм Акрополя, посвященный покровительнице города богине Афине Парфенос. Он виден под углом от Пропилеи. Парфенон воздвигнут во второй половине V в. до н. э. из мрамора зодчими Иктином и Калликратом. Они были великими мастерами и очень точно рассчитали гармонию пропорций и конструкции сооружения. Парфенон – это прямоугольный храм, окруженный стройными дорическими колоннами (по восемь – на коротких сторонах прямоугольника, по семнадцать – на длинных). Они покоятся на трех высоких ступенях. Двускатная кровля завершает композицию. Вместе с тем, кажется, что храм не выстроен на основе чертежа, а будто вырос сам по себе на вершине холма. Почему же возникает это ощущение? Оказывается, геометрическая правильность Парфенона сопровождается легкими отклонениями.

Например, горизонтальные линии храма имеют некоторую кривизну, волнообразно приподнимаясь к центру. Колонны по углам поставлены теснее, чем в середине, промежутки между ними не равны. Кверху колонны сужаются, но неравномерно, они имеют легкое утолщение посредине, т.е. как бы напрягаются, неся кровлю, подобно тому, как напрягаются мускулы у человека, держащего тяжесть. Глубокие каннелюры стволов колонн придают им стройность, напоминают о складках ниспадающей одежды.

Скульптурное убранство Парфенона и всего Акрополя создавалось под руководством и при участии Фидия, родившегося в Афинах и изваявшего здесь свои главные произведения. Оно дает яркое представление о скульптуре периода расцвета классики. Гармония и величественность фронтонных скульптур Парфенона достигнуты единством композиций, прославляющих красоту и совершенство человеческого тела. Фидий тонко прочувствовал и отобрал для них естественные движения людей. Боги и люди изображены одинаково прекрасными. Дух гражданственности и общественного самосознания позволял афинянам гордо утверждать в искусстве эстетическое равенство человека и богов.

На западном фронтоне Парфенона показан спор Посейдона и Афины за обладание греческой областью Аттикой и городом Афинами. Афиняне, как известно, предпочли богиню, даровавшую им оливковые деревья. Оба бога были изображены в центре на колесницах с вздыбленными конями. Вокруг всего храма тянулся рельефный фриз, поражающий своим масштабом и торжественностью.

Иктин и Калликрат, Парфенон. Афины

Скульптурная группа фронтона над восточным входом посвящена мифу о рождении Афины из головы Зевса. Эта сцена трактовалась Фидием как грандиозное событие: его созерцают божества солнца, ночи и богини судьбы – мойры. Статуи мойр сравнительно хорошо сохранились (они находятся в Лондоне, в Британском музее). Эти фигуры были решены как круглые статуи, а не рельефы, хотя располагались на плоском фоне фронтона. Непринужденное благородство движений мойр подчеркнуто красотой ниспадающих складок, за которыми ощущается богатейшая пластика тела.

Все 92 метопы храма были украшены мраморными рельефами, среди которых выделяются изображения битвы лапифов и кентавров. Это двухфигурные композиции, последовательно развертывающие перед зрителем сцены борьбы. Поражает разнообразие движений фигур.

В древние времена фронтоны, метопы и триглифы, а также скульптуры Парфенона были ярко раскрашены, придавая ему более праздничный вид.

Центром ансамбля Акрополя была восьмиметровая статуя Афины Промахос, отлитая из бронзы Фидием. Блеск ее копья, отражавшего солнечные лучи, был виден издалека и служил первым приветственным сигналом кораблям, приближавшимся к порту.

Ежегодно в честь покровительницы города, богини Афины устраивались празднества (Малые Панафинеи), а раз в четыре года проводилась пышная церемония с торжественным шествием к храму (Великие Панафинеи), где богине преподносилось новое облачение. В эти праздничные дни по высокой лестнице медленно поднималась многолюдная процессия. Она проходила через Пропилеи. Четыре боковых прохода служили для пеших афинян, а по среднему, где не было ступеней, ехали всадники и колесницы, вели животных для жертвоприношений.

Минув Пропилеи, процессия оказывалась на большой площади. Она двигалась вдоль длинной стены Парфенона и сквозь его колоннаду видела такую же процессию на рельефе. Создателям фриза удалось передать величие и красоту народного шествия, избежав монотонности. Волнообразный ритм движения пронизывает композицию, на которой изображены юноши-всадники, прекрасные девушки в длинных одеждах, люди с жертвенными животными.

Апофеозом праздничного шествия было вступление в алтарь Афины через восточный вход Парфенона. Открывалась дверь – и в полумраке храма солнечный свет озарял двенадцатиметровую статую Афины Парфенос, украшенную слоновой костью и золотом. Считается, что эта статуя также принадлежит Фидию. В одной руке она держала двухметровую скульптуру Ники, а другой опиралась на щит. В динамичной сцене битвы греков с амазонками на щите Афины Фидий дерзко изобразил самого себя и Перикла. Афина Парфенос была богиней-воительницей, но считалось также, что она покровительствует искусствам и ремеслам. Прекрасный облик богини покорял уверенностью и мудростью.

В конце V в. до н.э. был построен Эрехтейон - второй по значению храм Акрополя, посвященный Афине, Посейдону и Эрехтею, мифическому царю Афин. В его формах нашли выражение настроения и идеи общества времен Пелопоннесской войны. Мир не казался теперь простым и ясным, усложнялись художественные образы.

Эрехтейон сильно отличается от Парфенона. Он сложен и асимметричен. У этого храма три различных фасада: то четкие очертания колонн вырисовываются на фоне неба, то колонны как бы сливаются со стеной, то превращаются в кариатид. Рядом с Парфеноном довольно крупный по размерам Эрехтейон кажется небольшим. Богатая орнаментальная отделка и особенно статуи кариатид делают его изящным.

Не менее знаменитым ваятелем, чем Фидий, был его младший современник Поликлет. Он прославился изображением атлетов в спокойных позах, однако не лишенных легкого движения.

Замечательна своим пластическим совершенством статуя Дорифора (середина V в. до н.э.) – юноши, победившего в метании копья. В отличие от архаических, застывших фигур статуя Поликлета – воплощение естественного движения. Дорифор изображен спокойно стоящим, при этом правая нога выдвинута вперед, а левая отставлена, поэтому возникает ощущение движения. Фигура создана на основе точного математического расчета, все части тела согласованы друг с другом.

Еще наблюдательные предшественники Поликлета заметили, что у движущегося человека выдвигаются вперед либо правая рука и левая нога, либо левая рука и правая нога, так как стремление к устойчивости и равновесию заставляет части тела принимать перекрестные положения. Все части тела согласовываются друг с другом, и легкое отклонение одной вызывает как следствие изменение положения другой. Поликлет особенно отчетливо и ясно выразил это в своих статуях и сделал нормой в изображении человеческой фигуры. В статуе Дорифора в движении участвуют не только ноги и плечи, но и руки и торс. Для гармонии скульптор придал легкий изгиб телу. Это вызвало изменение в положении плеч и бедер, сообщило жизненность и убедительность фигуре копьеносца. Равновесие фигуры достигнуто тем, что приподнявшемуся правому бедру соответствует опущенное правое плечо и, наоборот, опустившемуся левому бедру – приподнятое левое плечо.

Несмотря на искажение моделировки тела Дорифора в римских копиях, поражает ощущение собранной, спокойной энергии в прекрасной атлетической фигуре юноши. Будто не рука скульптора, а сама природа создала этот живой сгусток сил, воплощенных в благородную бронзу.

Копии Дорифора ставились в гимнасиях и на палестрах – стадионах, где древние греки проводили много времени. Греки называли эту работу Поликлета «каноном», считая, что она лучше всего отражает норму, которой должны придерживаться скульпторы, изображающие человеческое тело. «Каноном» называлось и сочинение Поликлета, где он излагал систему идеальных пропорций и законов, в частности, он считал, что пропорции головы и фигуры должны выражаться отношением 1:7.

Дорифор по гармоническим пропорциям, ритму, движениям, чертам лица – произведение типичное для высокой классики. В этой скульптуре Поликлет стремился

Поликлет. Дорифор

создать идеальный образ сына своего времени и своего народа. Трудно назвать памятник искусства, более созвучный общественным и философским идеям того времени, более ярко и полно выражающий спокойную уверенность человека в своих силах. Дорифор – прекрасный совершенный человек, а не обожествленный, застывший в своем величии герой, как это было ранее.

Поликлет избегает всего индивидуального как в фигуре, так и в лице Дорифора. Оно спокойно: это лицо человека, стойкого в беде и сдержанного в радости, способного мужественно вынести любое испытание.

В конце жизни Поликлета в его статуях появился лиризм. Скульптура «Диадумен» изображает юношу, завязывающего вокруг головы победную ленту. Ритм движений легкий, стремительный. Юноша полностью сосредоточен на своем занятии и погружен в раздумье.

Поликлет создал свою школу в греческом искусстве, ему стремились подражать многие скульпторы. Лисипп – великий скульптор IV в. до н.э. – называл Поликлета своим учителем.

К концу V в. до н.э. в искусстве высокой классики произошли значительные изменения – монументальную героику начали вытеснять черты утонченного лиризма. Эти тенденции нашли выражение в мраморных рельефах балюстрады храма Ники Аптерос на Акрополе.

Поздняя классика

В период поздней классики (конец V – IV в. до н. э.) продолжали строиться города с четкой планировкой. Новых высот достигла скульптура, особенно в передаче портретных черт, эмоциональных состояний. В IV в. до н.э. работали четыре величайших греческих скульптора: Пракситель, Скопас, Леохар и Лисипп.

Архитектура.Галикарнасский мавзолей. После смерти правителя Мавсола (IV в. до н.э.) жена воздвигла ему надгробие в виде огромного архитектурного сооружения, получившего название Мавзолей. В древности это надгробие считали одним из самых замечательных по величине, богатству и красоте украшений. На огромном цоколе высотой 24 м, составляющем первый этаж, где помещалась погребальная камера, возвышался заупокойный храм с 36 ионическими колоннами. Перекрытие храма представляло собой чудо инженерного искусства древности – пирамидальное возвышение в 24 ступени, увенчанное скульптурной колесницей с четверкой коней. Над памятником трудились несколько греческих скульпторов, самым известным из которых был Скопас. Кроме него в этой работе принимал участие тогда еще молодой Леохар. Каждый скульптор украшал одну сторону здания. Там были статуи богов, Мавсола, его жены, предков, изваяния всадников, львов и три рельефных фриза. На одном из фризов было изображено состязание колесниц, на другом – кентавромахия (борьба греков с кентаврами), на третьем – амазономахия (битва греков с амазонками). Последний фриз сохранился лучше других. Сражение в самом разгаре. Действие развертывается в бурном темпе. Сражающиеся охвачены пафосом битвы. Трудно сказать, кто будет победителем. Особенностью композиции фриза было свободное размещение фигур на фоне, когда-то окрашенном в синий цвет.

Римский архитектор Витрувий (I в. н.э.) писал, что Мавзолей входит в число семи чудес света. В древности, если хотели выразить свое восхищение каким-либо знаменитым памятником, говорили: «Настоящий Мавзолей».

Скульптура. Пракситель славился особенной мягкостью лепки, способностью в холодном мраморе и бронзе передавать теплоту живого тела. Он создал образы богов, героев и обычных юношей и девушек, иногда веселых и шаловливых, а порой задумчивых. Наиболее яркая черта творчества Праксителя – умение сочетать глубокий внутренний мир своих героев с поразительным физическим совершенством. Самыми выдающимися произведениями скульптора считаются «Гермес с Дионисом» и прекрасная «Афродита Книдская», послужившая впоследствии для создания многочисленных копий и подражаний.

Статуя «Гермес с Дионисом» была обнаружена при раскопках храма Геры в Олимпии и вполне может являться подлинником, а не копией. Вероятно, раньше у статуи были раскрашены волосы, лицо, глаза.

Мраморный Гермес заботливо придерживает одной рукой малыша Диониса. Но мысли Гермеса витают где-то далеко, меланхолический взгляд скользит мимо ребенка, прекрасное лицо кажется печальным, а сильные мышцы расслаблены. Пракситель изменил трактовку образов богов. Гермес не бородатый бог, а изящный юноша в расцвете своей молодости. Дионис не взрослый, а младенец, тянущий ручки к кисти

Пракситель. Гермес с Дионисом

с винограда. Мифологический сюжет трактуется отчасти как бытовой, но одухотворенность и совершенная красота возвышают его над повседневностью. Для эпохи заката классической культуры подобные образы были очень характерны.

Жители города Книда приобрели у Праксителя статую обнаженной Афродиты и построили для нее специальное открытое святилище (не следует забывать, что древнегреческий храм не имел окон), позволяющее рассматривать статую со всех сторон. Люди со всего света приезжали, чтобы взглянуть на чудесную мраморную богиню. Существовала легенда, что для этой статуи Афродита лично позировала Праксителю. К сожалению, скульптура Афродиты не сохранилась.

Творчество Праксителя проникнуто духом утонченной гармонии и поэтичности. Он использует способность мрамора передавать мягкую, мерцающую игру светотени, тончайшие фактурные нюансы.

Скопас был старшим современником Праксителя. Его художественная манера настолько ярка и своеобразна, что творения Скопаса безошибочно узнаются среди других скульптур. Изваянные им фигуры в порыве чувств почти утрачивают равновесие. «Менада» Скопаса захвачена стихией пляски, напрягающей все тело, выгибающей торс, запрокидывающей голову.

Камень паросский – вакханка.

Но камню дал душу ваятель.

И, как хмельная, вскочив,

ринулась в пляску она.

Эту менаду создав, в исступленье,

с убитой козою,

Боготворящим резцом чудо

ты сделал, Скопас

– так прославлял неизвестный древнегреческий поэт творение Скопаса. Для развития реалистического искусства очень важно то, что в отличие от скульптур V в. до н.э. эта статуя рассчитана на обозрение со всех сторон. Каждый ракурс вносит новые черты в созданный художником образ: тело то уподобляется своим изгибом натянутому луку, то кажется изогнутым по спирали и др.

Леохар был самым видным представителем идеализирующего направления. Он работал в Афинах, Олимпии, Дельфах, Галикарнасе и при дворе Александра Македонского. Самая прославленная работа Леохара – бронзовая статуя Аполлона Бельведерского, исполненная с высоким профессиональным мастерством. Эта скульптура передает величие, спокойствие и холодную торжественность бога гармонии и искусств. Изящно перекинутый через плечо плащ не скрывает обнаженного тела. Волосы уложены в сложную пышную прическу. В фигуре и поступи Аполлона сочетаются сила и грация, энергия и легкость, шагая по земле, он словно парит над ней. Причем движение повелителя муз, по выражению русского искусствоведа Б. Р. Виппера, «не сосредотачивается в одном направлении, а как бы лучами расходится в разные стороны». Эта скульптура знаменует высокую ступень виртуозного мастерства Леохара.

Лисипп был придворным скульптором Александра Македонского и создал вполне реалистический его портрет с приподнятыми бровями и низким лбом, рассеченным глубокими морщинками. Игра светотени придает лицу разные выражения: то безмятежное, то проникнутое предчувствием трагедии. Скульптору удалось передать характер Александра: его беспокойный дух и огромную одаренность.

Лисипп, разносторонний и очень талантливый мастер, любил изображать мифологические сюжеты. Благодаря римской копии мы можем познакомиться со

Скопас. Менада

статуей « Отдыхающий Геракл»: герой стоит, опираясь на палицу и, отведя за спину правую руку, голова его повернута влево. Статую необходимо обозреть со всех сторон, чтобы получить полное представление о содержании образа, каждый взгляд на фигуру вносит новый оттенок в ее понимание. «Отдыхающий Геракл» несет на себе печать усталости, тягот жизни и трагической опустошенности.

Замечательный пример творчества Лисиппа – статуя Апоксиомена – юноши, счищающего скребком песок, налипший на тело во время состязаний (греки на спортивных площадках натирали тело маслом). Этого юношу уже не спутаешь с юным богом или героем: хотя он физически совершенен, лицо его прозаично, лишено обаяния. Это просто смертный человек.

От идеализированного образа человека в эпоху классики Лисипп пришел к постижению разнообразия человеческих характеров, к передаче особенностей возраста и психологических переживаний.

Эллинизм

Три последних столетия существования греческой цивилизации называют эпохой эллинизма. Сам термин следует понимать не только как «уподобление эллинам», но и как распространение этого типа культуры.

После смерти Александра Македонского в 323 г. до н.э. созданная им колоссальная монархия распалась на несколько областей. Важнейшую роль среди них играли Египет, Сирия и Македония. Общей чертой искусства этих территорий в IV-I вв. до н. э. было воплощение новой идеи величия мира, объединенного на громадном пространстве эллинистической культурой.

На смену классическим традициям с конца IV в. до н.э. приходит более сложное миропонимание, обостряется интерес к раскрытию внутреннего мира человека, динамики образа. Скульпторы Скопас, Пракситель, Леохар, Лисипп продолжают развивать эти тенденции в своем творчестве. Вместе с тем в искусстве эллинизма отмечается увлечение многофигурными композициями и статуями колоссальных размеров. Например, тогда было изваяно одно из семи чудес света – Колосс Родосский – статуя бога солнца Гелиоса 30-метровой высоты.

Крупнейшими центрами эллинистического мира стали Александрия (Египет), Антиохия (Сирия) и Пергам (Малая Азия). Зодчие возводят ансамбли городов с правильной планировкой, скульпторы воплощают в своих произведениях торжество побед (Ника Самофракийская, Пергамский алтарь).

Характерная черта духовной традиции эллинизма – сочетание культурных достижений Греции и древневосточных цивилизаций – дополняется настойчивой систематизацией ранее накопленных знаний.

Архитектура. Эллинистическое зодчество отличает стремление к освоению громадных открытых пространств, к торжеству всесильной творческой мысли. Архитектурные ансамбли городов включают как все существовавшие ранее типы зданий (храмы, дворцы, дома для собраний, театры), так и новые типы – мусейоны и библиотеки. В архитектуре шире стали использовать двухъярусные колоннады. Колонны ставились в несколько рядов в святилищах, библиотеках, перед фасадом здания с пролетом для входа. Эллинистической трактовке ордера присущи свободное отношение к традиционной схеме и усиление декоративного начала за счет конструктивного.

Знаменитым сооружением этого периода был Фаросский маяк, возведенный в дельте Нила, неподалеку от Александрии. Высота маяка была около 120 м. Он состоял из трех ярусов: четырехгранного, восьмигранного и круглого. Нижняя башня высотой 60 м была сложена из плит, украшенных рельефами, средняя – облицована плитами из белого мрамора. Верхний фонарь с куполом на гранитных колоннах был увенчан огромной бронзовой статуей Посейдона.

В Пергаме во II в. до н.э. был воздвигнут грандиозный алтарь в честь Зевса. Величественная лестница из долины вела к алтарю. Это было монументальное сооружение с идущим по внешней стороне рельефным фризом, изображающим борьбу богов и гигантов. Композиция производила впечатление бурного движения. Эллинистических художников привлекали сильные драматические эффекты. Все средства художественной выразительности были направлены на передачу этих эффектов. Фигуры не подчинялись плоскости стены, а выступали из нее почти как круглые скульптуры. В яростной схватке боги Олимпа побеждали гигантов, но это была победа грубой силы, а не победа духа. Фриз Пергамского алтаря является одним из лучших памятников своей эпохи.

Греческое искусство в целом в эллинистический период претерпело значительные изменения, характер которых наиболее ярко был передан в знаменитых архитектурно-скульптурных ансамблях, таких, как Пергамский алтарь.

Скульптура. Среди шедевров эллинистической эпохи особенно выделяются скульптуры Ники Самофракийской и Венеры Милосской.

Скульптура Ники Самофракийской, вероятно, находилась на постаменте в виде носа корабля. Невидимый ветер как бы развевает мраморные одеяния богини победы, создавая впечатление полета и воздушности этой мощной фигуры. Могучие крылья трепещут за ее спиной. В правой руке у Ники была зажата труба, звуками которой она возвещала победу. Образ передан весьма реалистично, но в то же время величаво и поэтично.

Скульптура Венеры Милосской - известнейшая из всех античных Венер. Она названа так потому, что была найдена на острове Мелос (ныне Милос). Богиня изображена полуобнаженной: одеяние закутывает нижнюю часть торса и ноги, лицо и фигура переданы обобщенно, волосы разделены на прямой пробор и уложены на затылке. Вероятно, статуя стояла на высоком постаменте. К сожалению, руки Венеры не сохранились. Но даже в таком виде она восхищает нас четкой лепкой форм, плавностью контуров и идеальными пропорциями тела. По одной из версий, она

Харес. Ника Самофракийская

протягивала их к Купидону. Мастер ваял богиню, а создал образ прекрасной и совершенной женщины. Проходят века, сменяются поколения, а это произведение по-прежнему воплощает высшую гармонию красоты.

В период эллинизма были созданы многие прославленные статуи. Например, скульптурная группа «Лаокоон» поражает трагической выразительностью. Сюжет почерпнут из сказаний о Троянской войне и впечатляюще изложен в «Энеиде» римского поэта Вергилия.

Боги послали двух гигантских морских змей задушить троянского жреца Лаокоона и его детей за то, что он пытался убедить своих соотечественников не принимать дарованного им ахейцами деревянного коня, в котором на самом деле прятались греческие воины.

Агесандр, Полидор, Афанадор. Лаокоон

Скульпторы Агесандр, Полидор, Афанадор мастерски соединяют в спаянную группу жреца, делающего отчаянные усилия освободиться от громадных змей, и скорчившиеся тела его обреченных детей. Лица страдальчески искажены, мускулы напряжены, но скульпторов привлекает не столько трагический характер сюжета, сколько возможность показать красоту обнаженного тела, пластику движений.

Вопросы и задания

1. Какие черты присущи крито-микенскому искусству?

2. Что вам известно о лабиринтах Кносского дворца?

3. Расскажите об особенностях изображения олимпийских богов.

4. Охарактеризуйте древнегреческие архитектурные ордера.

5. Каковы главные черты искусства архаики?

6. Как развивалось искусство вазописи в Древней Греции?

7. В чем заключаются основные особенности искусства ранней классики?

8.Расскажите о творчестве скульптора Мирона.

9.Какими скульптурами было украшено святилище Зевса в Олимпии?

10. Опишите основные части древнегреческого храма.

11. В чем состоят главные достоинства архитектурного ансамбля Акрополя в Афинах?

12. Что нового появилось в скульптуре высокой классики? Расскажите о творчестве Фидия и Поликлета.

13. Какие черты характерны для скульптуры периода поздней классики? Расскажите о творчестве Праксителя, Скопаса, Леохара и Лисиппа.

14. Почему Галикарнасский мавзолей называли одним из семи чудес света?

15. Расскажите о скульптурных шедеврах эпохи эллинизма.

16. Сравните статуи кариатиды и «Менаду» Скопаса.

17. Какие изменения, произошедшие в греческом искусстве эпохи эллинизма, наиболее ярко были переданы в ансамбле Пергамского алтаря?

18. Сравните фризы Парфенона и Пергамского алтаря.