НЕМЕЦКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

Одним из ведущих центров Возрождения в первой половине XVI в. была Германия, где работала целая плеяда выдающихся художников во главе с А. Дюрером и Г. Гольбейном Младшим. Немецкому искусству свойственно взволнованно-личное отношение к миру, умение видеть сложность и изменчивость жизни. Немецкие художники, как и нидерландцы, обращались к сокровенной духовной жизни человека. Они создавали образы людей, отмеченные то мечтательностью, то суровостью и драматизмом страстей. Тяготение к гармоничному идеалу и завершенным классическим формам сочеталось с острым чувством индивидуального, неповторимого, поэтому наибольшие достижения немецкого Возрождения связаны с портретом. При создании эмоционального фона образа особая роль принадлежала пейзажу и интерьеру. По сравнению с Италией и Нидерландами в немецком искусстве реалистические тенденции проявились с опозданием, это во многом было обусловлено особенностями исторического развития страны.

Наиболее ярким представителем Возрождения в Германии был Альбрехт Дюрер(1471 – 1528). Его характеризует титанический размах дарования: он живописец, гравер, писатель, математик, анатом, инженер. Этот пытливый человек два раза ездил в Италию, один раз в Нидерланды, объездил всю Германию.

А. Дюрер. Четыре всадника Апокалипсиса

Начинает художник как гравер. С удивительным мастерством выполнена его первая крупная работа – серия гравюр на дереве. Это 15 листов на тему «Апокалипсиса» (пророчества Иоанна Богослова о конце мира). Особого внимания заслуживает гравюра с изображением четырех всадников «Апокалипсиса», под ногами которых лежат бежавшие люди разных сословий, среди них – горожанин, крестьянин, даже император. Образность этих сравнительно небольших по размеру листов достигает монументального размаха. В них Дюрер воплотил боль своего непростого времени, тревогу, с которой в Европе ожидали конца света.

Дюрер печатал не только гравюры на дереве, но и более сложные по технике гравюры на меди, предназначавшиеся для образованных ценителей искусства. 1513 – 1514 годы стали для Дюрера временем высшего творческого подъема. В этот период он создал три графических листа, вошедшие в историю искусства под названием «мастерские гравюры».

Три гравюры на меди: «Рыцарь, Дьявол и Смерть», «Святой Иероним в келье» и «Меланхолия» – художественная исповедь Дюрера, воплощение размышлений художника о себе и смысле человеческой жизни.

Гравюру, которую традиционно именуют «Рыцарь, Дьявол и Смерть», сам Дюрер назвал «Всадник». Вооруженный путник медленно едет вдоль обрывистого лесного склона. Несмотря на грозный вид рыцаря, в его облике есть беззащитность чудака, роднящая этого персонажа с Дон Кихотом. Поднятое забрало открывает отрешенное и суровое лицо. С рыцарем поравнялась Смерть – мертвец верхом на костлявой кляче. Он показывает путнику песочные часы: его жизнь на исходе. Сзади плетется Дьявол со свиной головой, увенчанной причудливым гребнем. Рыцарь Дюрера – это христианин, упорно следующий к Небесному граду (который изображен в виде замка, венчающего скалу на заднем плане), вопреки искушениям Дьявола и близости смертного часа.

Тема листа «Святой Иероним в келье» - уединенный покой отшельника. Иероним восседает в глубине просторной кельи, заполненной спокойным, рассеянным светом, льющимся сквозь широкие окна. Любовно запечатлены все мелочи скромной, но уютной обстановки: песочные часы, сухая тыква – фляга паломника, подвешенная к потолку, туфли под скамьей. Лев, спутник Иеронима, словно огромный ласковый кот, растянулся на полу рядом с мирно дремлющей собачонкой.

«Меланхолия» - самая загадочная из «мастерских гравюр» и одна из любимых работ Дюрера. В античной и средневековой медицине было распространено представление о том, что все выдающиеся поэты, законодатели и философы – меланхолики. Дюрер тоже считал себя меланхоликом, что позволяет назвать третью из «мастерских гравюр» духовным автопортретом художника. Прославленная «Меланхолия» столь же символична и трудна для прочтения, как и произведения Босха и Брейгеля. Крылатая женщина с циркулем в руке погружена в глубокое раздумье, внешняя сдержанность контрастирует с внутренним волнением. Аллегорическая фигура в центре окружена атрибутами средневековой науки и алхимии: многогранником, сферой, весами, колоколом, рубанком, мечом, песочными часами. Спящая собака на гравюре также является символом меланхолического темперамента.

Дюрер одним из первых среди европейских живописцев начал изображать самого себя. Свой первый автопортрет он выполнил в тринадцать лет. С тех пор художник представлял себя то изнуренным работой подмастерьем (1491 – 1492), то серьезным юношей (1493), то нарядным кавалером, баловнем судьбы (1498). Самым лучшим считается автопортрет Дюрера, написанный в 1500 г. Художник всегда предельно откровенен со зрителем, но в этом полотне ему хотелось поведать о себе самое главное. Мастер начал с того, что отказался от излюбленного им трехчетвертного поворота фигуры и изобразил себя анфас. Зритель сразу встречается с ним взглядом. Спокойное молодое ясное лицо Дюрера с широко раскрытыми серыми глазами. Однако внутреннее волнение выдает жест красивой руки с длинными пальцами, нервно теребящей меховую оторочку одежды. На черном поле картины художник вывел золотом две надписи – слева поставил дату и свою подпись-монограмму, а справа, симметрично им, начертал: «Я, Альбрехт Дюрер, нюрнбержец, написал себя так вечными красками». Рядом он повторил год (1500), в котором многие его современники ожидали «скончания времен». Поражает то, что Дюрер осмелился придать своему автопортрету столь явное сходство с изображениями Христа. Впрочем, для европейца эпохи Возрождения Христос был идеалом, и каждый обязан был стремиться походить на него. Можно сказать, что Дюрер просто изобразил себя христианином. Его автопортрет – своеобразное завещание.

А. Дюрер. Автопортрет (1498)

Л.Дюрер. Автопортрет (1500)

Дюрер был величайшим теоретиком искусства своего времени, автором трактатов «Руководство к измерению», «Учение о пропорциях человеческого тела». Он стремился вывести законы, по которым жизненные впечатления должны претворяться в художественные образы. При этом в графических и живописных работах художник не следовал общей закономерности, а искал индивидуальную красоту.

Последним значительным художником немецкого Возрождения был Ганс Гольбейн Младший (1498 – 1543). Он работал в области декоративно-монументальной и станковой живописи, гравюры. Особенно прославлена его серия гравюр на дереве «Триумф смерти» («Пляска смерти»).

Наиболее ярко его дарование проявилось в портретном жанре. Зоркость восприятия характера, безупречная точность передачи внешнего облика сочетаются в портретах Гольбейна с выявлением остро подмеченных сословных черт. Портретные композиции обогащаются действием, введением интерьера, натюрморта, которые характеризуют умственный склад, профессию, социальное положение портретируемого («Портрет бургомистра Майера и его жены»). В поздний период творчества художник пишет парадные портреты, более простые по композиции, но столь же виртуозные по выполнению («Портрет Томаса Мора», 1527; «Портрет сэра де Моретта», 1534 – 1535, «Портрет Генриха VIII», 1536; «Портрет Джейн Сеймур», 1536; и др.).

Творчество Гольбейна оказало влияние на формирование английской портретной школы живописи.