ИСКУССТВО ЯПОНИИ

Япония – страна древнейшей культуры. Истоки ее искусства восходят к 8-му тыс. до н.э. Наиболее значительные художественные достижения относятся к периоду феодализма, начавшемуся в VI – VII вв. и затянувшемуся вплоть до середины XIX в. Японское искусство складывалось и развивалось в особых природных и исторических условиях: островное положение страны долгое время делало ее неприступной для внешних врагов. Японское средневековое искусство сформировалось под сильным влиянием корейской и особенно китайской культуры. Японцы по-своему преломляли заимствованные идеи и создавали оригинальные произведения искусства, отличающиеся изысканной простотой. Не случайно чувство красоты у японцев выражено в четырех основных понятиях: утонченное изящество, пафос природы, изысканный вкус и элегантная простота.

Лучше понять японское искусство помогает знакомство с его религиозными истоками. Основные из них – синтоизм и буддизм. Синтоизм («синто» по-японски означает «путь богов») – исключительно японская религия, возникшая из культа божеств природы и предков. В VI в. был заимствован из Китая и Кореи буддизм. В XVI в. в Японии появились и приверженцы христианства.

Архитектура и сады.Средневековая японская архитектура была в основном деревянной. Возводились разнообразные жилые постройки, дворцы, синтоистские и буддийские храмы.

Характерным свойством японского зодчества можно считать связь здания с окружающим ландшафтом – водной поверхностью, растительностью, рельефом. Как правило, памятник архитектуры – это не одно изолированно проектируемое здание, а комплекс зданий, аллей, садов, образующих единый парковый ансамбль. В садах обязательно присутствуют пруды и скалы, иногда специально сооружаемые. Значительную роль в подобных ансамблях играют каменные фонари на невысоких тумбах. Каждый синтоистский храм обязательно имеет тории (П-образные ворота – тории с двойной верхней перекладиной) и даже целые коллонады из ворот. Размеры торий могут колебаться от огромных (в несколько десятков метров) до миниатюрных (в полтора метра высотой). Весьма различен и материал, применяемый при их строительстве: чаще всего это дерево, встречается также и железо, бронза, гранит.

Миф рассказывает о том, что однажды бог ветра и бури Сусаноо разбушевался и натворил немало бед. Его сестра богиня солнца Аматэрасу укрылась от него в небесной пещере и не хотела выходить. Мир погрузился во тьму. Божества испробовали много способов, чтобы заставить богиню выйти из пещеры. Только пение голосистых петухов, которых посадили на специально построенный высокий насест (по-японски «тории»), заинтересовало Аматэрасу, и она покинула свое убежище.

Своеобразной визитной карточкой Японии стали ворота синтоистского храма Ицукусима на острове Миядзима, что дословно означает Остров храма. Он расположен неподалеку от Хиросимы. Ворота, стоящие прямо в воде, представляют собой потрясающее зрелище: они выкрашены пурпурно-красным цветом и прекрасно выделяются на фоне зеленоватых вод. С подступающих к самому морю невысоких гор открывается замечательный вид на отражающийся в воде храм. Во время прилива он напоминает плывущий корабль.

Буддийские постройки составляли ансамбли, включающие главный (Золотой) храм, храм для проповеди, колокольню, ворота, библиотеку, сокровищницу и пагоды. Храмовый ансамбль в Хорюдзи (607) в г. Нара, который в период становления феодализма был столицей Японии, – древнейшая деревянная постройка мира – послужил образцом для всех последующих подобных сооружений. Массивный, но скромный по размерам Золотой храм поддерживается колоннами. Горизонтальные массы Золотого храма и других построек уравновешиваются вертикалью пятиярусной пагоды. Крытая галерея окружает весь ансамбль. Каменная платформа, на которой возведен ансамбль, изогнутые края черепичных крыш, система подкровельных кронштейнов, окраска колонн красным лаком явились новшеством в японском зодчестве.

Эпоха кризиса феодализма в Японии датируется VIII – XII вв. Этот период называют хэйанским по имени новой столицы Хэйан (современный Киото). В это время с ростом национального самосознания и развитием утонченной столичной культуры наряду с буддийским достигло большого расцвета и светское дворцовое зодчество. Самыми знаменитыми памятниками Киото являются Золотой и Серебряный павильоны, храмы Киёмидзу, Ясака Хэйан, сад камней при храме Рёандзи, сегунский замок Нидзё, старый императорский дворец Госе, загородный дворец Кацура Рикю.

Золотой павильон – Кинкакудзи расположен в северной части Киото на территории буддийского храмового комплекса Рокуондзи. Он был построен в конце XIV в. Золотой павильон – трехъярусный дворец-храм с гармоническим распределением разных уровней. Первый этаж представляет собой приемный зал. Он окружен слегка выступающей над прудом верандой. Интерьер второго этажа украшен

Кинкакудзи (Золотой павильон). Храм Рокуондзи близ Хэйана

богатой живописью, поскольку здесь размещался зал музыки и поэзии. Первые два этажа с большими галереями почти не имеют замкнутых интерьеров благодаря раздвижным дверям. Третий этаж, отделенный от первых двух выносом крыши, отличается большими арочными проемами окон, характерными для буддийской храмовой архитектуры XIV в. Он был предназначен для религиозных церемоний, снаружи и внутри покрыт золотыми листами. На крыше со слегка поднятыми краями установлена фигурка фантастической птицы Феникс. Прорезные стены, легкие колонны, узорчатые карнизы-решетки, прихотливая форма окон – все детали создают гармоничность сложного и причудливого сооружения. Прямые, ничем не украшенные подпоры здания удачно сочетаются со стволами растущих рядом сосен. Изгибы их ветвей вторят изгибам крыши.

Павильон окружен старинным садом. Уже много веков Кинкакудзи отражается в озере Кёкоти (Озеро-зеркало). На его прозрачной воде расположились многочисленные большие и малые острова с растущими на них соснами. Камни причудливой формы и различного цвета поднимаются из воды. С галереи павильона хорошо видны два основных острова – Остров черепахи и Остров журавля (в восточной мифологии черепаха и журавль – символы долголетия). Золотой павильон вместе с храмовым комплексом оставляет незабываемое впечатление. Кинкакудзи включен в список государственных сокровищ Японии.

Еще полнее единение дома и сада ощущается в здании Гинкакудзи (Серебряный павильон), сооруженном в XV в. Этот скромный двухэтажный деревянный дом входит в ансамбль монастыря Дзиседзи в Киото. Павильон широко открывается в сад благодаря веранде, не отделенной от комнат порогом и низко нависающей над прудом. Для посетителя, сидящего в комнате на первом этаже, граница между домом и природой становится неуловимой: камни, вода, заросший деревьями пригорок – все, что видно за краем веранды, кажется большим и таинственным, хотя в действительности является миниатюрным. Внутреннее пространство Гинкакудзи можно беспрерывно менять с помощью раздвижных стен. К сожалению, первоначальный замысел – покрыть этот павильон серебром – так и не был осуществлен.

Знаменитый Сад камней при монастыре Рёандзи (XV в.) отделен от внешнего мира невысокой глинобитной стеной с черепичной крышей, которая ограждает сад, но не скрывает зеленых деревьев, возвышающихся за ней.

На небольшой прямоугольной площадке, засыпанной белым гравием, искусно расположена сложная композиция из пятнадцати камней. Камни, тщательно подобранные по размерам и форме, объединены в несколько групп (пять, два, три, два, три). Каждая группа окружена буро-зеленым мхом. Веранда дома настоятеля, которая тянется вдоль сада, служит местом созерцания. Вся композиция задумана так, что пятнадцатый камень всегда ускользает из поля зрения, прячась за другими. Сад-символ рождает впечатление тайны. Он наглядно демонстрирует, что мир непознаваем, так как истина ускользает от человека. Хотя в саду нет ничего увядающего или растущего, он всегда разный в зависимости от времени года и суток.

Искусство создания садов камней – одно из важных художественных открытий средневековой эпохи. Оно было распространено во многих уголках Японии и дошло до

Сад камней при монастыре Рёандзи

наших дней почти в неизменном виде. Как и пейзаж живописца, сад выражает единство и противостояние двух первооснов мира: отрицательного – инь и положительного – ян. Инь-ян сада – это вода и гора. Вода символически передается песком или галькой, а гора – камнями различной величины, искусно подобранными по размеру, форме, цвету, фактуре. Все вместе должно соответствовать общему стилю сада. Искусство расстановки камней является самым главным: от него зависит смысл и образ сада, выполненного в стиле «сухой пейзаж» (карэ сансуй).

В Японии есть не только сады камней, но и знаменитые средневековые храмовые сады с кустарниками, деревьями и цветами. Садовое искусство в Японии представляет собой уникальное явление, тщательно разработанную философско-эстетическую систему осмысления Природы как универсальной модели мироздания. Японские сады – пространство для стихий и воображения и в то же время уютные уголки для созерцания и отдыха.

В саду, где раскрылись ирисы,

Беседовать со старым

другом своим –

Какая награда путнику!

(Мацуо Басе)

Храмовый ансамбль Каннон в Токио. Храмовый ансамбль Канон занимает достаточно большую территорию. На арке его ворот подвешен Каминаримон – огромный красный бумажный фонарь. Подобные фонари только меньшего размера издавна украшали дома и улицы городов. До сих пор они воспринимаются как непременный атрибут Японии.

Главное здание храма поражает своим величием. Довольно высокие ступени ведут в его сумеречное пространство. Великолепен сверкающий позолотой, покрытый резьбой алтарь Гокудзи, где установлена найденная в реке статуя Каннон – богини милосердия, проявляющей бесконечную доброту и заботу о всех страждущих.

Храм Тосёгу в Никко. Древний город Никко («Город солнечного сияния») находится к северо-востоку от Токио в редкостной по красоте местности – у подножия высокой горы Нантайсан и рядом с прекрасным озером Тюдзендзи, из которого берет свое начало водопад. Никко – одно из священных мест Японии и известный национальный природный парк. Здесь построен храм Тосёгу, поражающий утонченным художественным вкусом. За три с половиной века своего существования храм Тосёгу неоднократно страдал от пожаров и более двадцати раз перестраивался.

В огромный комплекс храма Тосёгу входит 28 зданий. Главные ворота храма носят название Емэймон (Ворота солнечного света, иногда их называют иначе – Ворота целого дня). Имеется в виду, что восхищенный посетитель храма способен простоять целый день, любуясь ими.

Основу конструкции ворот составляют два массивных круглых столба, изготовленные из дерева и покрытые тонким резным орнаментом. Со стороны прохода, под аркой, колонны выкрашены в красный цвет.

Между колоннами расположены монументальные деревянные фигуры жрецов в старинных одеяниях. Ворота украшают многочисленные скульптуры из дерева – свирепые драконы с широко распахнутыми пастями, призванные денно и нощно отпугивать злых духов, мудрые старцы, символизирующие бессмертие, резвящиеся дети, невиданные сказочные цветы.

Все сооружение увенчивает взмывающая ввысь массивная крыша-шатер с традиционными изогнутыми углами, крытая ярко-голубой черепицей. Она украшена золочеными и лаковыми деталями.

Тосёгу построен по принципу нарастания впечатлений по мере движения. Сначала надо пройти по центральной аллее, затем через гигантские ворота и подняться по лестницам. По мере перехода с одного уровня на другой можно полюбоваться панорамой больших и малых храмов.

Величественность храмового комплекса во всей полноте ощущается во внутреннем дворе Тосёгу. Все здания выполнены из дерева, украшены лаковой росписью, резьбой и позолотой, от этого они напоминают деревянные золоченые шкатулки. В центре ансамбля возвышается отливающее золотом главное святилище, стены которого покрывает деревянная скульптура, в частности изображения традиционных для Востока трех обезьянок: одна закрывает лапами глаза, другая – рот, третья – уши: «Ничего не вижу, ничего не скажу, ничего не слышу...».

Посередине святилища находится алтарь, где в жертву духам синто приносится обычная пища. Особую ценность представляет деревянная резьба, заполняющая стены храма. Здесь можно увидеть сказочных птиц-фениксов с огромными распростертыми крыль­ями, прихотливо извивающихся дра­конов, седобородых мудрецов и др. На потолке центрального зала помещен монументальный декоративный плафон «Дракон в ста стадиях перевоплощения». Каждая деталь этого многофигурного плафона выполнена с поразительным мастерством и совершенством, но в этом буйстве красок и позолоты присутствует тонкое чувство меры, присущее японскому искусству.

Знаменитый Священный мост пламенно-красного цвета – сооружение из камня и дерева, созданное три столетия назад, примыкает к комплексу

храма Тосёгу. По оригинальности силуэта и органичности сочетания с окружающим ландшафтом ему нет равных во всей Японии.

В Средние века принципиально новым типом японской архитектуры стал замок. Прежде всего, он играл оборонительную роль. Вокруг него возводились укрепленные стены и рвы с водой. Внутри замок представлял собой сложную систему защитных сооружений. Главным из них всегда была башня – тэнсю. Она воплощала силу и могущество владельца замка. Башня состояла из нескольких постепенно уменьшающихся кверху прямоугольных ярусов с выступающими черепичными крышами и фронтонами.

Собственно жилище помещалось не в укрепленных башнях, а в расположенном на территории замка деревянном здании. В XVI в. из скромного жилища самураев оно превратилось в пышный парадный дворец внушительных размеров.

Интерьеры дворца также соотносились с властью и богатством владельца. Даже потолки покрывались богатой орнаментальной росписью и резьбой. Декоративное убранство постепенно нарастало от первого зала к главному месту официальных приемов, где обязательно выполнялись настенные росписи по золотому фону. В этом огромном зале уровень пола был выше, чем в других – признак избранности этого места, предназначенного для сегуна и его наследника. Сегун восседал перед своими подданными на невысоком возвышении на фоне написанной на стене гигантской сосны – символа долголетия, силы и могущества.

Жилые дома. Основа конструкции традиционного японского дома – деревянный каркас с тремя подвижными стенами и одной неподвижной. Легкий каркас обладает гибкостью, что уменьшает силу толчка при землетрясениях. Стены не выполняют роль опоры, поэтому они могут раздвигаться или даже сниматься, служить одновременно и дверью, и окном.

Замок Химэдзи

Для архитектуры и убранства японского дома характерны экономность и простота. Японцы не окрашивают свои жилища снаружи, и деревянные части дома со временем становятся серыми, однако такой цвет считается приятным, создающим умиротворенное настроение. Внутренние деревянные части полируют, отчего они приобретают коричнево-золотистый оттенок.

Пол жилых комнат покрыт соломенными циновками татами. Их размер (180x90 см) определяет величину всего жилища. По периметру пола проходят пазы, которым соответствуют такие же пазы в потолке. По ним и передвигаются раздвижные стенные рамы сёдзи из легких планок, оклеенные с внешней стороны полупрозрачной бумагой, пропускающей свет. Раздвижные внутренние перегородки, обтянутые шелком, могут делить помещение в зависимости от потребностей.

В главной комнате дома делается ниша – токонома, где выставляются картина-свиток и композиция из искусно подобранных цветов – икэбана. В другой нише в специальном горшке помещается необычайно маленький, похожий на игрушечный, сад, в котором растут карликовые деревья – бонсай. Эти композиции отличаются тонко выверенной гармонией.

Скульптура. Самым древним видом изобразительного искусства в Японии является скульптура. Первые образцы японской пластики восходят к III – V вв. н.э. Буддийские статуи VI – VII вв. и полные живой непосредственности статуэтки из дерева, камня, бронзы, глины, лака разных размеров создавались для украшения храмов.

В главном здании Хорюдзи – Кондо – помещается бронзовая скульптурная группа, выполненная скульптором Тори. Изображение Будды на троне из лотоса, объединенного нимбом с двумя ботхисатвами, олицетворяет идею милосердия. Фигуры отличают вытянутость пропорций и аскетическая красота. Вероятно, это

Ункэй. Мудзяку Босацу

произведение создано под воздействием китайской пластики.

С течением времени в изображениях персонажей буддийского пантеона – ботхисатв, стражей, а также драконов, львов, слонов и прочих символических животных становится заметным более строгое следование канону.

В VIII в. с укрупнением храмов изменился и облик буддийской пластики – создаются монументальные, героизированные статуи божеств. В этот период зарождается скульптурный портрет. Поиски острой характерности отразились в миниатюрной рельефной сцене «Нирвана Будды», включенной в пьедестал пагоды храма Хорюдзи, где изображено оплакивание Будды монахами.

В IX – X вв. появляются более чувственные образы многоликих и многоруких божеств. Была разработана каноническая система выразительных жестов и движений. Скульптуры в основном изготовлялись из дерева и лака. Все статуи раскрашивались.

В XII – XIII вв. в пластике появились новые тенденции. Получили распространение портреты дзэнских монахов и крупных политических деятелей. Их образы, созданные скульпторами школы Ункэя, отличают индивидуализация лиц и тяготение к созерцательности и отрешенности от мира. В огромной бронзовой статуе Будды в Камакуре ощущается стремление к простоте и значительности. Полузакрытые глаза и загадочная улыбка чуть склоненной головы оставляют впечатление внутренней силы.

Уникальное явление представляют собой миниатюрные скульптуры – нэцкэ. Искусство нэцкэ достигло расцвета в XVIII в. – первой половине XIXв. Нэцкэ возникли в связи с тем, что национальный японский костюм – кимоно не имеет карманов, и все необходимые мелкие предметы (трубку, кисет, коробочку для лекарств, веер и др.) прикрепляют к поясу с помощью шнурка. С одного его конца подвешиваются вещички, а с другого – брелок-противовес нэцкэ с отверстием для шнурка. Предназначение нэцкэ диктует мастерам компактную, округленную, приятную на ощупь форму без хрупких выступающих деталей. Для изготовления этих фигурок применяются разные породы дерева, слоновая кость, керамика, лак и металл.

Нэцкэ – искусство городского сословия, позволяющее судить о духовных запросах, повседневных интересах, нравах, обычаях горожан. Небольшие фигурки отличают тщательное исполнение, виртуозность обработки и необычайная выразительность образов, наделенных живыми характерами. Излюбленные персонажи нэцкэ – бродячие актеры и фокусники, уличные торговцы, ремесленники, птицеловы, женщины за домашними занятиями, странствующие монахи, мудрецы, воины и др. Кроме того, мастера нэцкэ изображали богов и традиционных героев легенд. Множество нэцкэ выполнено в виде театральных масок.

Японцы до сих пор любят фигурки «семи богов счастья», среди которых наиболее популярны Дайкоку и Хотэй. Дайкоку – божество богатства изображают с молотком, крысой и мешком волшебного риса. Хотэй (или «Холщовый мешок») отвечает за приятное общение, веселье и благополучие, помогает воплощать в жизнь заветные желания.

Живопись и графика.Японская живопись имеет много общего с китайской. В Средние века многие японские художники ездили в Китай изучать искусство живописи и каллиграфии.

К начальному периоду японского искусства относятся дошедшие до наших дней буддийские алтарные настенные росписи (VII – VIIIвв.) храма монастыря Хорюдзи, изображающие рай, летящих богинь, растения и др. Эти росписи обычно сравнивают с индийской живописью в пещерах Аджанты и указывают на их близость к китайскому искусству эпохи Тан (618 – 907).

С начала IXв. были широко распространены мандара - картины, отражающие сложную структуру буддийского мироздания[21]. Еще один тип буддийской живописи, получивший развитие в IX –X вв., – это изображение божеств – защитников веры. Их обычно рисовали в виде фантастических полулюдей-получудовищ на фоне языков пламени.

Примерно в это же время появляются эмакимоно – раскрашенные горизонтальные живописные свитки, длина которых иногда превышала Юм. Они иллюстрировали литературные произведения, объединяя рисунки и текст.

Собственно японская школа живописи ямато-э сложилась лишь в XI – XII вв. Живописцы расписывали ширмы, создавали эмакимоно.

Декоративные настенные росписи – одно из самых ярких явлений художественной культуры Японии. Живопись на раздвижных внутренних перегородках помещений самым тесным образом была связана с особенностями архитектурной конструкции. В зависимости от того, какие перегородки открывались, менялись внутреннее пространство помещения и композиция росписей. Закрытые наружные стены создавали мягкое рассеянное освещение, значительно ослабляя

Фудзивара Таканобу. Портрет Минамотоно-Ёритомо

интенсивность цвета живописи, резкость контуров, а золотой фон мерцал и переливался.

В конце XII в. возникла мода на портреты. Так, художник Фудзивара Таканобу создал превосходный портрет сегуна Минамотоно-Ёритомо, передав мужественный характер этого человека.

В живописи и графике часто изображали самураев – представителей военно-феодального сословия в особой одежде с доспехами и оружием.

Под воздействием китайской монохромной живописи к середине XIII в. сформировалась японская живопись тушью. В японском языке существует два равнозначных термина, обозначающих монохромную живопись: суми-э (картина тушью) и суйбоку-га (картина водой и тушью), или чаще просто боку-га (картина тушью). Удивительная способность японцев к переработке заимствованных традиций привела к тому, что их монохромная живопись обрела собственные национальные черты. Мастера использовали большое разнообразие приемов и выразительных средств. Они создавали произведения в разных жанрах – от небольших пейзажей на свитках до свитков-повестей и масштабных декоративных стенных росписей. В монохромной живописи суйбоку-га нашли отражение религиозные и философские воззрения, были акцентированы духовные и интеллектуальные аспекты творчества.

В произведениях японской живописи часто встречаются изображения цветущей вишни (сакуры), цветов хризантемы, полной луны, красных кленовых листьев, согнувшегося под тяжестью снега бамбука. Все они имеют символическое значение.

Один из главных символов Японии – цветущая сакура с нежно-розовыми, просвечивающими на солнце лепестками. Чтобы понять душу Японии, нужно увидеть ее весной, когда цветет вишня, ибо лепестки сакуры – это поэтическое воплощение японского национального характера.

Особый смысл приобрел в Японии образ склонившегося под тяжестью снега бамбука. Его изображают на живописных свитках, фарфоре, керамике. Он символизирует выносливого и гибкого японца, который противостоит невзгодам и приспосабливается к самым неожиданным трудностям.

Японцы умеют видеть и ценить красоту природы, находят огромное удовольствие в неспешном ее созерцании. С каждым сезоном у них связаны обычаи и обряды. Весной широкую известность получили праздники любования цветами и цветением сакуры. Осенью все восхищаются богатым колоритом покрасневших листьев кленов. Еще один осенний праздник, который широко отмечается в Японии – любование луной.

Глядя на луну, я становлюсь луной,

Луна, на которую я смотрю,

становится мною.

Я погружаюсь в природу,

соединяюсь с ней.

(Мёэ)

Зимой проводится праздник любования снегом. Снег обозначает зиму и холод, темноту и смерть, вместе с тем являясь предвестником возрождения жизни.

Заметный след в истории изобразительного искусства Японии оставил художник Огата Корин (1658 – 1716). Он создал шедевры в живописи, керамике, росписи лаковых изделий, тканей, ширм, вееров. Особенно славились лаковые изделия Корина, отличающиеся единством формы и декора, плавно переходящего с одной грани изделия на другую. Мастер умело сочетал различные материалы (лак, перламутр, металл), тяготел к необычайной цветовой гамме, игре фактур. В творчестве Корина органически соединялись аристократические и самурайские вкусы, черты городской культуры и старые традиции декоративного искусства.

Жанровая живопись к концу XVII в. обрела значительную популярность, вызвав к жизни стиль укиё-э, т.е. «картины повседневного мира». Эта живопись породила целую индустрию гравюры на дереве. Первоначально техника гравюры была монохромной и их печатали с одной доски. Затем появилась гравюра в цвете, поэтому мастер изготовлял несколько досок для одного листа. В процессе изготовления гравюры принимали участие три человека: художник, который рисовал изображение на тонкой бумаге; резчик, переносивший рисунок на доску; печатник, который накатывал краску на доску и снимал с нее оттиск на бумагу. Постепенно совершенствовалась не только техника, но и образное содержание гравюр: они становились все лиричнее.

Основателем японской ксилографии считается Хисикава Моринобу (XVII в.). Сюжетам его гравюр, отражающим народную жизнь, свойственна живая непосредственность, несмотря на то что художник был скован традицией.

Направление укиё-э в XVIII в. получает самое широкое распространение. Изображение повседневной жизни опоэтизировано и приподнято над будничностью и обыденностью, хотя герои картин – обычные люди (горожане, ремесленники, торговцы, гейши, актеры). Гравюры украшали дома горожан, заменяя дорогостоящую живопись, ими оклеивали перегородки, веера, ширмы. Они использовались в качестве иллюстраций к популярным романам. В технике гравюры выполнялись театральные афиши, календари, реклама.

Тёсюсай Сяраку. Актер Кабуки Отани Онидзи в роли Якко Эдобэи

Китагава Утамаро. Гравюра из серии «Прекраснейшие женщины современности»

Один из известнейших мастеров театральной афиши Тёсюсай Сяраку (работал в 1794 – 1795) прославился гротескным стилем. В прошлом игравший в театре, Сяраку мастерски изображал актеров в ролях злодеев, хитрецов, плутов и негодяев, что порой даже вызывало их гнев. Работам Сяраку присущи выразительная линия рисунка, строгая цветовая гамма. Позы актеров, жесты рук – все до предела обобщено, но точно передает характер героя пьесы. Художник словно протестует своими гравюрами против утвердившихся застылых штампов. Многие художники любили изображать актеров театра Кабуки.

Китагава Утамаро (1753 – 1806) – выдающийся художник, во многом определивший черты японской классической гравюры. Утамаро называли певцом женской красоты. Он создал поэтические образы японских красавиц в узорчатых кимоно, со сложными прическами, удлиненным овалом лица, крохотным ртом и узкими глазами. Эта серия его гравюр получила мировую известность. Выразительные линии контура подчеркивают ритм плавных движений. Обычно портрет красавицы дополнен какой-нибудь небольшой деталью: веером, зеркальцем, письмом, которое женщина держит в руках с неизменным изяществом. Непревзойденные образцы представляют гравюры Утамаро в колористическом отношении. Излюбленные цвета художника – серебристо-серые, жемчужно-розовые, сиреневые и бархатисто-черные.

Кацусика Хокусай (1760 – 1849)был поэтом, философом, живописцем и графиком. Его наследие составляют сотни свитков, более тридцати тысяч рисунков, гравюр, около трех сотен иллюстрированных книг и альбомов. В творчестве Хокусая нашел свое отражение расцвет пейзажного жанра в японской классической ксилографии.

На протяжении жизни он сменил несколько художественных стилей, переходя из одной школы в другую. Особой выразительности обобщенных образов Хокусай достиг в многотомном труде «Манга» («Книга набросков»). Отрешившись от суетности, художник взглянул на мир глазами внимательного наблюдателя и философа. Точные, метко схваченные зарисовки свидетельствуют о том, что Хокусаю все было интересно: мифологические сюжеты, архитектура, люди, одежда, травы, цветы, деревья, животные. Рисунки из книги «Манга» оказали огромное влияние не только на японских живописцев, но и на многих художников Европы второй половины XIX в., таких, как Эдгар Дега, Анри де Тулуз-Лотрек, Винсент Ван Гог и др.

Славу Хокусаю принесла серия «Тридцать шесть видов Фудзи», над которой он работал в преклонном возрасте (1829 – 1833). В знаменитых листах использованы смелые ракурсы и неожиданные цветовые сочетания. Художник применяет контрастное сопоставление ближних и дальних планов, позволяющее показать общий вид на гору Фудзи и в то же время наполнить композицию точными деталями. Острая наблюдательность и глубина обобщения присущи лучшим работам серии. Образ горы Фудзи в этом цикле гравюр, а затем и в последовавшей за ним серии «Сто видов горы Фудзи» (1834 – 1835) от листа к листу преображается и наполняется новым содержанием. Мы видим Фудзи величественную в мягком покрове снега, просвечивающую сквозь унылую пелену дождя, едва заметную на линии горизонта. В этой серии мастерство художника достигает полной зрелости. В его композиции нет ничего лишнего, линии отличаются богатством и разнообразием. Может быть, именно благодаря Кацусика Хокусаю Фудзияма и по сей день олицетворяет Страну восходящего солнца.

Сквозь бег облаков

Открывает мне Фудзи Свои сто лиц.

(Хокусай)

Туман и осенний дождь.

Но пусть невидима Фудзи,

Как радует сердце она!

(Басе)

В знаменитых ксилографиях этой серии, таких, как «Красная Фудзи», «Волна» (см. цв. вкл.), «Фудзи в ясную погоду», художник передал вечные истины – величие и красоту природы, хрупкость и краткость человеческой жизни, тщетные усилия преодолеть ее быстротечность.

В гравюре «Волна» Хокусай показал природу, исполненную стихийной мощи, величавую и грозную. Кроме того, он создал такие замечательные серии гравюр, как «Мосты» и «Водопады».

Артистический рисунок художника – то орнаментально-плавный, то острый и решительный – всегда является основой выразительности его работ. Хокусай был знаком с европейской перспективой и светотенью, а в области цвета следовал декоративным принципам национального колорита, предпочитая чистые цвета, но доби­ваясь их гармонических сочетаний.

В плеяде знаменитых мастеров XVIII – XIXвв. Хокусай особо выделяется как крупнейший мастер гравюры.

В отличие от величественных ландшафтов Хокусая пейзажи его младшего современника Андо Хиросигэ (1797 – 1858), последнего представителя классического периода японской ксилографии, проникнуты лирическим чувством. Наибольшую популярность ему принесла серия гравюр «Пятьдесят три станции Токайдо» (1833 – 1834). Хотя в целом видение мира Хиросигэ более конкретно, чем у Хокусая, он остается на зыбкой грани между вымыслом и реальностью, совмещая в своих композициях грустное настроение с тонкой наблюдательностью. Хиросигэ, прежде всего, интересуют время суток, различные состояния природы: он любуется светом, воздухом, туманом и ливнями. Главное средство выразительности у Хиросигэ – колорит. Он использует контрастные, иногда условные цвета, подчеркивая белизну снега, синь реки, темноту ночи. Излюбленный прием художника – акцент на переднем плане: крупное изображение моста, дерева, скалы или группы людей, за которыми слегка намечены даль и линия горизонта. Он знал законы перспективы и показывал пространство с помощью перехода тонов. Например, тонкими оттенками серого и голубого Хиросиге передавал туманную дымку, окутывающую горы.

Мастер пейзажа Хиросигэ также создал серию «100 видов Эдо» (старое название города Токио).

Хиросигэ много и плодотворно работал в жанре «цветы-птицы». В гравюрах 1832 – 1834 гг. художник запечатлел традиционные для японской классической живописи сочетания цветов и птиц, сопроводив их поэтическими строфами. Серия выполнена на вертикальных листах, напоминающих узкие полосы бумаги, на которых средневековые поэты писали свои стихи.

***

Школа укиё-э взамен идеальных ландшафтов показала во всем многообразии реальный пейзаж Японии. Сочетание классических японских и европейских художественных приемов помогло мастерам укиё-э выразить новое ощущение природы.

***

В искусстве Японии, начало которому положило заимствование китайских образцов, национальный стиль был выработан в X – XII вв., а XVII – XIX века стали временем расцвета всех видов художественного творчества.

Вопросы и задания

1) Расскажите о влиянии синтоизма и буддизма на искусство Японии в Средние века.

2) Как вы думаете, в чем проявляется взаимосвязь японского искусства и традиционного отношения японцев к природе?

3) Каковы характерные черты средневековых японских храмов? Приведите примеры.

4) Опишите сад камней при монастыре Рёандзи. Чем японские сады отличаются от европейских?

5) Сравните архитектурно-художественные особенности Золотого и Серебряного павильонов в Киото.

6) Как развивалась японская светская архитектура в Средние века?

7) Расскажите о конструкции традиционного японского жилища.

8) В чем состоят художественные достоинства средневековой японской скульптуры?

9) Расскажите о японской средневековой живописи. Приведите примеры творчества выдающихся мастеров.

10. Как развивалась японская ксилография в Средние века?